那些不敢按下快门的瞬间，才是你离世界最近的时候
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数码时代，让拍照这件事变得异常随意，但是我们似乎也陷入了一种奇怪的悖论：手机里存着的照片越来越多，能让我们记住的照片却越来越少。
我们可能再也无法体会那种因为害怕浪费胶卷而不敢按快门的忐忑了。这全都得感谢科技的平权，让拍照变成了一件唾手可得、毫无门槛的全民运动。但凡事都有代价，当快门变得廉价，我们也丧失了那种用心凝视世界的耐心。
怎样才能拍出一张好照片呢？是换个更贵的镜头？还是用一种流行的调色预设？其实，这些都只是术的层面。真正能够阻碍我们创作的，往往不是手中的器材，而是自我设限的思维、恐惧和惯性。
大人们，时代变了，现在我们每个人的口袋里都能装着功能强大的拍摄设备。但诡异的是，设备越来越好，我们却好像越来越不会“看”了。我们习惯了用连拍去堆砌废片，习惯了用滤镜去掩盖平庸，却忘了拍照这件事最原本的初衷。
拍照的本质，从来都不是关于“像素”的堆砌，也不是快门的开合，而是一场关于心智的修行。我们通过按下快门这个动作从混乱的世界中寻找秩序，正如万物有道，摄亦有道。
观（See）：情感先于现实
森山大道曾经说过他是个在街上且拍且走的摄影家。不过在此之前，他首先是一个极其敏锐的观察者。
我们生活在一个图像泛滥的年代，社交网络的发达让我们每天睁开眼，打开手机都能看到无数的照片像潮水一样涌来。但“看”和“看见”，是截然不同的两回事。
很多人以为摄影是“记录现实”，于是他们举起相机对着街道、建筑、花草一通乱拍，美其名曰“扫街”或“纪实”，但充其量只是因为他们刚好站在街头而已 。这种照片往往空洞无物，甚至招致旁人和观看者的不解：拍这些的东西的意义是什么？
真正的“观”，是情感先于现实的。
“一张照片是印象的表达。如果美不存在于我们心中，我们又如何能认出它？”
街头摄影的内核是社会性，城市只是提供了生活痕迹的容器，在这里承载了无数故事的可能性 。但只有当你内心拥有了某种情绪，你才能在这个巨大的容器中，精准地捕捉到那些与你产生共鸣的瞬间。否则即便你站在纽约最繁华的十字路口，也只能看到红绿灯和斑马线，而感受不到那些与你擦身而过的孤独、焦虑或是一瞬的温情。
“观”，是一种内向的审视，它要求我们必须对周遭的世界保持一种痛感。这种痛感可能来自于对时间流逝的恐惧，可能来自于对他人的共情。当你走在街上，你看到的不是物理意义上的光影和线条，而是你内心的折射。
城市是个容器，身处其中的人提供了情绪，情绪放大了照片的主题 。在举起相机之前，先学会“观”。先去生活，去爱，去受伤，去阅读。去构建你自己的内心世界。因为当你按下快门的那一刻，你实际上是在对世界大声宣告：这就是我看待世界的方式。
摄（Shoot）：将洞见付诸实践
当你的眼睛“看见”了，接下来的挑战，是如何将这份独特的洞见转化为一张具体的照片。这就是“摄”。
经常有人在社交网络上争论什么焦段才是“人文之眼”，是 35mm 还是 50mm ？很多人的迷失，是因为他们认为数字决定一切，完美的参数才能带来完美的照片，他们迷信参数，迷信“黄金构图”，迷信那些一旦掌握就能拍出所谓“大片”的“万能公式”。
真正的摄影，尤其是街头摄影，需要的是一种“非控制”的野性 。
“你最好的工具是你的好奇心，你拥有的最重要的镜头是你的双腿。”
这句话听起来简单，做起来却极难。就连手机都能做到几十倍的光学变焦的时代，我们变得越来越懒了。我们习惯站在远处打开手机摄像头，放大放大再放大，然后做一个冷眼的旁观者。这种物理距离的拉近，永远无法弥补心理距离的疏远。
你必须要拉近你和这个世界的距离。走入人群，走入那个场景，甚至走入那个你想要记录的故事里。
对街头摄影来说，没有预设，更不要摆拍。街头摄影不允许事先设计好的故事情节，必须抓取随机发生的瞬间。这种“非控制”以及“不介入”的特性，注定了它比摆拍更难，也更加迷人。你需要像猎豹一样，对周遭世界保持敏锐的观察，手指随时按在快门上面，用最快的速度去捕捉那个稍纵即逝的瞬间 。
这就是为什么每个街头摄影师都会告诉你，你最重要的镜头是你的双腿。
只有双腿能带你去到那个最合适的视角，只有双腿能让你与被摄者建立起一种微妙的物理联系。
在这个过程中，技术和器材并不是主要的。阻碍我们创作的，往往是自我设限的思维、恐惧和惯性。
真正的“摄”，是当你的眼睛看到了那个决定性的瞬间，你的手指已经在无意识中完成了对焦和曝光的锁定。如果你在那个瞬间还在思考“我是不是该把光圈开大一点”，那么对不起，那个瞬间已经终结了。
“世界上只有你和你的相机。你摄影中的局限，在于你自己。”
我们害怕介入，害怕被拒绝，害怕镜头带来的攻击性 。小时候我不敢按快门，是因为怕浪费胶卷被骂 ；长大后我们不敢举起相机，是怕被路人侧目，怕拍出的照片不符合大众审美。但只有突破这层心理的障碍，当你真正意识到这世界只有你和相机时，你才能拍出属于你自己的东西。
技术和器材从来不是拍出好照片的阻碍。真正阻碍你的，是你不敢走近那个人，是你不敢在下雨天把相机拿出来，是你习惯了在舒适区里重复那些陈词滥调的构图。
思（Think）：唤起而非解释
按下了快门，照片诞生了。但这并不是结束，而是另一个维度的开始。
照片被冲洗（或者导出到电脑）出来的那一刻，它就获得了一个新的生命维度——时间性。一张照片包含了按下快门的时间、被创造的时间，以及被观看的时间 。
当我们在社交媒体上发自己拍摄的作品的时候，总会有人问：“拍这张照片有什么意义？” 。这是一个很宏大也很无解的问题。对于功成名就的大师，人们总是宽容的，会过度解读每一处细节；而对于无名之辈，人们往往吝啬于给予耐心 。
影像本身本来就是没有“意义”的 。
“摄影不仅仅是事实的近路，更是印象的表达。它旨在唤起，而非解释。”
好照片，本身就是充满了“歧义”的。
作为拍摄者，我们切下的那个时空切片，把它抛给观看者。观看者带着他们自己的人生阅历、知识体系、心情和价值观 ，去解读这个谜面，去脑补这个切片之前发生了什么，之后又会发生什么 。
只有看照片的人才能赋予照片以意义，一切照片都只能属于过去 。当一张照片被挂在墙上或发到朋友圈，它就成了一个独立的生命体。看照片的人，用他们自己的人生阅历、知识体系、以及当下的心情去“读取”并“完善”照片里的故事 。
一张照片的好，不在于它向我们展示了什么，而在于它隐藏了什么。
“思”不仅是拍摄者的反思，更是拍摄者与观看者之间的一场情感共振。
当你看着 Vivian Maier 拍摄的那些芝加哥街头，我们看到的不仅仅是那些又去的自拍，也不止是那个年代的时尚和建筑，更是通过她的照片，感受到了一种属于她的、同时也属于全人类的孤独与好奇。这种拍摄者和观看者之间的共鸣，就是照片存在的“意义”。
照片创造了一种连接。拍摄者发现了情绪，用镜头将其记录；再通过照片，让观看者与另一个时空下曾经发生的故事连接。
一张照片包含了三个时间：按下快门的时间，照片被冲洗或发布的时间，以及观看者看到它的时间。这三个时间的重叠，交错出了照片的重量。
成为真正的观看者
摄影不仅是光的艺术。同时也是时间的艺术，是记忆的艺术。
我们因“观”而动心，因“摄”而行动，因“思”而升华，而“思”的结果又会反过来重塑我们“观”的方式。
摄影不止是按快门的动作，也是你与世界对话的方式。
大概这就是照片带给我们的最大意义：在无尽的时间洪流中，我们要证明，我们曾经如此热烈地活过、看过、爱过。
世界就在这里，我们身处其中，感受世界，记录世界，留下自己来过的痕迹。
