当大家拍了一段时间相片后，通常都会开始在自已的作品中加入水印，一来可以更突显相片的个人风格，二来是防止偷相。然而摄影师Kip Praslowicz则持相反的看法，认为水印只会捍扰相片的美感，还用了一个有趣的方法证明自已的观点。

Kip Praslowicz说道，你从来不会在一些有名的摄影作品中看见作者的水印，所以他就反其道而行，在这些作品里加入摄影师的水印，证明这有多影响作品的观赏性。

那些水印的确很碍眼呢！当然摄影师的手法是夸张了，所以到头来，其实是证明水印会否捍扰相片的美感，还要视乎设计或是摆放位置。而另一方面，拍摄那些相片的年代，偷相没现在那么容易，或者根本摄影师们都无需要加水印以防止偷相。今天网络技术发达，偷相的情况屡见不鲜，大家加入水印防盗，其实也无可口非。

不过，Kip Praslowicz的观点也有他​​的可取之处。他认为现时很多摄影师都把时间花加入水印以防止偷相，而不是花在拍摄值得被偷的作品上。的确，有时候摄影师为了证明自已的能力，会喜欢在相片加入自已的名字或标志，虽然这样做法是人之常情，但却似乎有点放错摄影的重点在于摄影师的名声而不是作品上，有时甚至会牺牲了作品的观赏性。

换个较现实的角度去看，不在作品上加入水印，让别人容易引用你的作品，其实也可以提升摄影师和作品的曝光率。所以要否加水印，则由读者根据自己的拍摄目的决定了！

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请恕我重新引用罗门‧维许尼亚克的这段话：「摄影为人间目击者，是一种报告性、纪录性的工作。它要传达人性的课题，了解和关心是照片所要表现的重点。」俄裔美籍摄影师Roman Vishniac的这段话贴切的解释了纪实性摄影的精髓。

二零一四年三月十八日，台湾发生史上首次学生占领国会的社会抗议运动。此次学运又称太阳花学运、318学运、占领国会事件等。该事件起因于台湾国会于三月十七日下午以国民党立委张庆忠为首，强行通过台湾与中国大陆地区《两岸服务贸易协议》审查，送交院会存查，被台湾以大学生为主体的大量民众视为黑箱作业，颠覆民主程序正义。自三月十八日起自本文写作的当下，仍有数百学生夜宿台湾国会议事厅，除了静坐抗议以外亦持续向政府呼吁正面对谈、表达诉求。而在立法院外更是集结了数万学生与民众，声援场内学生并牵制警察部署。

一场社运事件的发生，其背景与发展势必牵扯到不同的意识形态。台湾三月学潮，其引爆点在于象征台湾民意基础的立院国会颠覆了民主程序正义。然而随着抗议行动近百小时的过去，其诉求议题逐渐分裂成不同的意识形态主张。其中包括两岸统独问题、拒绝服贸协议、退回重审、倒马英九、马王政争、两党恶斗。随着新闻媒体的聚焦，以及各新闻台报导不实、恣意剪接、扭曲社运诉求的情况，先前各种不同的社运问题也在此舞台借题发挥。包括：核四存废、同性恋婚姻、媒体垄断、土地正义等议题也持续发酵。其中又以媒体垄断与对台湾媒体素质批评最激。随着台湾社运行动与冲突的激化，出于对台湾媒体的不信任与抵制，独立公民媒体与自发性公民记者逐渐增多。这些公民记者与独立媒体组织自备摄影器材，期以更为中立客观的视角报导各式社运现场与其诉求，导正视听。

除了独立媒体记者外，亦有更多的民众选择放下单独阅听者的身分，起身直接参与现场。这批现场的参与者往往备有智慧型手机与相机，他们与网路即时连线，在社群网站上动态发布现场的第一手讯息，并发表自身评论。

这些大量产出的照片在网路中大量流窜，成为一扇一扇观景窗，带领观者从这些独立摄影师的观点看见现场。 Fred Picker说道：「摄影师眼里的真实就是他们照片所表现的那些东西。」这些公民摄影师透过相机与照片传递他们所眼见与想像的真实，期让现场与观众产生共鸣，进而理解与支持某种信念。

然而，作为一具有自由意志独立自主的个人。你在看待这一张张的照片时，须看见他们带给你的视角，或互相对立，或彼此冲突。大部份的他们所复制的，并不是来自现场的真实，而是夹带了剪裁与解释的目光。这些照片无不在告诉你什么是重要的，什么又是不重要的。每张照片都在指称一种独立的思考方式。可能是赞美，亦也有扭曲、诋毁。

你永远只能发现，这些所谓的纪实照片，是某种讯息传递的手段，他的目标是传递信念而非真实，他的功能是影响而非纪录。

从观景窗看见的世界，充满着不确定性的意义漂浮。照片中的人群如同一道道虚影，你若不驻足停留，仔细思考，终成为茫茫大河中的一道掠影，消逝于彷徨与真空之中。

「我经常被指控故意扭曲事物的主体以迎合我的观点。尤其，对身为摄影师的我来说，当然了解生命是件不容轻忽的事。虽然评论中总少不了批评，但是，批评的出发点可以是爱。
见人所未见是重要的，不管看见的是希望，还是悲伤。此外，照片的产生永远是人们瞬间的反应。 」- Robert Frank

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你是否记得他上一次对你摇着尾巴？你是否记得，她上一次在你脚边蹭着你对你温柔的叫？你是否记得，他上一次在卖力的逗你笑？你是否记得，他们美丽了你们的世界。

你是人类，你抓到什么你就吃什么，你在吃掉你碰过的所有的美好的事物。你真的，什么都吃吗？人类。

摄影：Jeremy Wong  宣称：在拍摄时没有动物受到伤害，我们都是动物保护者。

文：朱多多 | 图：nemesispictures

Tommy Oshima是Flickr上其中一位最有名的Leica使用者，专门使用Noctilux这样的超大光圈镜头。生于1960年的他是个业余摄影师，他之所以能够成名，或多或少也和Flickr有关，随便挑一张照片都可以有几百个Favorite，可想而知他的支持者实在多得吓人。

Tommy Oshima的作品总是游走在真实与梦幻之间，有着浓厚的个人风格，相当有艺术感。

Noctilux，是近年涨幅最高的Leica镜头。世界上通行的超大光圈镜头种类本来就很少，偏偏要拍出这种气氛却非要用它们不可，所以价格上升也是无可厚非。

一般常规企划

365日日一摄影

每天拍一张作品，一年下来就有365张作品。虽然说这个摄影计划本身立意简单，无非以摄影记录每日生活，但可能也是最难坚持并做得好的计划。就像以前学英文的时候常常想着要自己每天背一个单词，但常常都是三分钟热度之后又不了了之。不过，如果真的能扎扎实实地实践一年下来，且不说摄影技术有所跃升，就自己观察生活的细腻度必定大大加深，培养像老鹰一样的摄影眼！不管是用相机，用手机也罢，对于初学者来说都是个不错的实践呢。

可巧妙配合手机APP执行每日摄影计划。

12月月一主题

对于还是新手的朋友来说，想必有许多摄影题材尚未尝试过，且每种题材要求的摄影技巧又有所不同，大家不妨每个月给自己一个场景的练习主题，例如烟火摄影、夜拍车轨、散景效果等，也可针对不同的拍摄对象来定，好比三四月拍樱花、五月有桐花、萤火虫、暑假拍海边比基尼之类的，或许一个月一次，相比每日一拍更容易实践呢。

可给自己一个月的时间全心研究夜景主题的拍摄。

周周一路人

对于人像拍摄及街拍有兴趣的朋友，这也是个不错的练习计划。它锻炼的不仅是单纯的摄影技术，还包括自身的胆量，或许还有些许沟通技巧。毕竟需要敢开口和陌生人提出这个要求，可以的话若能再攀谈几句说不定会有意外的收获？ （笑）

对正需要勇气锻炼的朋友们，这是个不错的选择耶！

月月造访一摄影景点

对于喜欢风景、旅游摄影的朋友，大可每个月为自己安排到一个著名景点旅游。正因为是著名的摄影景点，往上必定有许多前辈作品并分享拍摄技巧，在出发之前可做足功课，包括看看其他人拍出来的作品，并想办法拍出不一样的特色，相信能进步很快。

新中横公路的夫妻树也是经典摄影景点之一。

月月模仿一佳作

每个月找一张你喜欢或是受欢迎的摄影作品，并想办法模仿拍摄出同样的效果和氛围，无论是自然风光、人物写真还是生活小品皆可采用，只要你觉得那是你想拍出来的东西，那就想办法模仿它，从别人的作品中获得经验技巧。

冰岛女摄影师温暖的儿童摄影，如果喜欢的话，就试着拍出类似的画面吧！

特别摄影企划

同一景色的四季或晨昏变换

这个主题相比有不少摄影师朋友们已尝试过，如果在城市，大可选​​择一天之中不同时段来拍摄，若是想拍郊外自然景色的朋友，可选择一年之中不同的季节来拍，拍摄计划整个完成后，可再仔细观察随着时序，该地改景都有着什么不一样的特色差异。注意，每次拍摄时取的画面和构图建议尽量保持一致，才能让这一系列作品更有趣，也更好观察差异。

若摄影及后期能力足够的话，也可以像美国摄影师Stephen Wilkes这样来呈现同一场景的晨昏变化。

听音乐玩摄影

喜欢听音乐的摄影玩家们，可曾想过音乐也能为你带来不一样的摄影灵感吗？找出自己喜欢的几首歌曲或音乐，从它的歌词、音乐意境来发想，将听觉转化成视觉的影响，再与其他朋友分享，是不是也是种有趣的摄影创作呢？

当没有灵感时，从音乐中寻找灵感也是一种途径。

以上计划，大家比较喜欢哪一个呢？其实大家也可以关注本站的摄影月赛，每期都会有不一样的摄影主题，得奖的话还会有相关奖品，也是不错的练习机会。无论如何，今年也一起进步吧！

Via Digiphoto

Canon Canonet GIII QL17前脸左边的金属牌清晰表明它的身份，红色GIII和黑色QL字样表示这是第三代QL相机，而机顶的Canonet QL17则是相机型号。“QL17”这几个字母和数字本身有特殊的含义，其中字母QL是佳能独有的“快速装片”系统的英文缩写（Quick Loading），而数字17则代表相机使用镜头最大光圈为F1.7。

Canonet GIII QL17外观相当漂亮，金属加工非常精细，所有铭文刻字均采用凹刻填漆，并以不同颜色区分不同功能和作用，光是镜头上用于区分光圈快门等功能的不同颜色就达到六种之多，虽然用色繁多，但并不让人感觉花哨。另外在机顶的闪灯热靴座、倒片摇柄、快门钮基座等处还采用了金属抛光工艺，光可鉴人，讨人喜欢。QL17机身有两种颜色，常见的是银白金属色版本，黑身版较少见，在国外二手市场上价格昂贵。

佳能的“QL”快速装片系统是一个独特且非常具有实用性的设计，这一设计曾经广泛出现在佳能生产的单反相机和旁轴相机上，它大大缩短了摄影师装卸胶卷的过程，为抓拍宝贵瞬间赢得了先机。

与一般相机不同，QL17的卷片轴并没有插缝和齿孔挂钩，而是在卷片轴上分布有三个带橡胶块的弹簧棘爪，利用弹簧张力和橡胶摩擦力夹住胶片，只要将暗盒装进片仓，并将片头拉到指定位置，放下压片板，合上后盖，即可连续扳动卷片扳手过片，此时相机并不自动停片，而是可以连续卷片三次计数器显示“1”后自动停止，胶片已经过卷到了第一张，即胶片编号“1”。并且，在机背卷片扳手下设置有两个指示窗口，分别显示胶片是否正常过片以及快门是否已上弦，这种过卷到“1”的方式类似于后来自动相机的装片方式，只不过是由手动完成。

佳能这种非常具有实用价值的设计，在70年代无疑是装片方式的革命，对于经常抓拍的摄影师来说，节约了大量宝贵时间。就算到了21世纪的今天，这种革命性设计理念令到最顶尖的旁轴机LEICA M7在装片方便性和快捷性上也根本无法望其项背。

好的照片其实每个人一定都照的出来，但一个摄影师的人格在偷他人照片的瞬间就受伤了，一辈子建立的风评也是。摄影是一种态度，长短是人生，实在没有必要为了小小的美丽，而走错路。

我建议摄影者不要去偷照片，而是去感受自己心仪摄影者的理念。因为，好的照片常常不是器材、构图或是技术问题，而是拍摄者那颗独一无二的心。这很少人能体会，每个摄影者的心态会变成一种生活，生活又会演变成一种技术，最后会发展为每一个摄影者最为纯粹，无法替代的风格（理念）。这才是该去注意的东西。

我也一样，有许多敬畏的摄影师。运气很好的是，常常有机会能跟他们成为朋友，进而学习他们的精神，他们则成为我一辈子的良师益友。介绍一下我这两年所遇到，也想推荐给大家的好友摄影师吧！

想拍人的笑容，从自己开始微笑（摄影／John Tao）

第一位是台湾知名旅游人文摄影者，小帆。

有一两年我曾看着他的作品，讶异于他照片里的「快乐」，那是一个我无论怎样更换器材，学习任何一种技术，都无法达到的领域。透过他一篇篇的网志分享，一次次跟他见面，我理解到了他「快乐」与「喜爱人」的本质，才是他真正的技术。我本人很害羞，不好意思去与人互动，但因为有他的影响，我开始去接触人，直到现在，每次旅游我一定也会拍许多的笑容回来。

小帆改变的不是我的技术，而是真诚去喜爱人的心。他永久的改变了我的摄影风格与人生态度。想要拍笑容，从自己对他人笑口常开开始。

缩小自己，才能发现事物的优点（摄影／John Tao）

第二位是台湾的设计才子马赛。

跟小帆一样，我也是看了马赛的照片两年后才见到他本人。他的风格是「宽容」，而我个性内向、内心却其实很渴望活泼，无拘无束。马赛他的修图与构图极端的自由，做了许多我不敢做的尝试，让我很讶异：是怎样的人会拍出这样的照片？见到了他之后我理解了。马赛是一个超「感性」的人，他可以住在阿拉斯加一个月，只为了宁静与空白的美，之所以可以大胆调色与构图，是因为在他眼中无所不美。

马赛教我的是谦逊的重要。他的摄影之心让我可以随处找到世界的美丽，因为美丽存在于自己心中。缩小自己，才能发现事物的优点。

最后一位是Davina+Daniel，国外婚礼摄影名人。

他们是第一个让我觉得「出神入化」 的摄影者，从看他们作品到见到本人，也是过了一年多。我一直讶异一个摄影者怎样可以兼备这么多种技术与风格？直到跟他们一起拍摄朋友的婚礼才理解。因为他们是两个人分工合作，极端的敬业与专业。共事的时间里，我没看过Davina真的笑过，因为对工作太专注了。直到最后一张照片结束，她放心亲了她的老公，我用拍立得照下了那一刻，送给了她。那是一个摄影者全力以赴后，了无遗憾的笑容，我必须记住这份感动。

我从Davina 那边得到的是专业与敬业的态度。是她之后我才开始接触RAW（图片档案格式）、修图与闪灯这种较进阶的技术，同时也对职业摄影者更加的尊重了。想要拍的不输职业？先从做好一个职业摄影者该有的敬业吧。

想要拍的不输职业，先从敬业精神做起（摄影／John Tao）

现在我出国旅游时， 每当看到想要拍摄却不敢拍摄的人时，我会想到小帆，他一定可以拍到不可思议的笑容回来。这变成我的动力。

当我看到一个景色平凡无奇的时候，我会想到马赛，相信他一定会拍出来我根本想像不到的美景。这让我勇于构图。

当我拍照与写作的时候，我会想到Davina，他们是抱持怎样的心情与态度做事的？这让我保持着全力以赴的态度。

一个好的摄影者可以轻松拍出美丽的照片。

但一个受尊敬的摄影者，是因为启发了他人。

我们身处于一个充满着了不起摄影者的时代，要偷，去偷他们的心。你会发现那其实比他们的作品还要珍贵。

照片美丽，是因为拍摄它们的人美丽。

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佳能A-1是1978年出品的135单反相机，也是当时世界上自动化程度最高的照相机。这种相机设计有高集成电路的数字化微处理器，从而实现了包括手控曝光在内的有六种曝光模式，以及大范围的测光系统。

曝光方式：P、A、S、M；

快门速度调节：整档机身调节；

光圈调节：半档机身调节；

测光方式：CW，元件为SPD；

快门：横走式布帘快门，1/1000-30+B（WOW！当时直接到30秒的不多），同步速度1/60；

自拍：2或10秒（这也不多见）；

感光度调节：ISO 6-12800（又WOW！现在大多是到6400，不过好象没见过ISO 12800的胶卷）；

曝光补偿：+-2EV，1/3EV分挡（再 WOW！这在现在也不多见啊！）

其他功能：总开关、景深预视、多重曝光、曝光锁定、内置目镜挡帘、PC插孔、可配马达、电池检测等；

取景显示：红色LED显示，快门速度和光圈值；

机身重量：620克；

电池：4SR44/4LR44/476A类6V电池（买不到时，可用4颗LR44纽扣电池代替）。

大伙对现在EOS的前后法轮都很熟悉了，其实78年的A-1就采用了前法轮。曝光方式的改变是这样的：镜头光圈转到A，机身上拨到AV，就到了A方式，用食指转动轮改变光圈，如果用镜头光圈，显示与实际光圈可能不同，容易失误；若拨到TV就是S方式，同样用食指转动前法轮来改变快门速度；若在将法轮转到P，就是P方式了，为了防止无意转动法轮，还设有一个挡板。当机身在TV，镜头光圈不在A，就是M挡了。不过这M挡很不好用，取景器里显示的是设定快门速度和光圈推荐值（也就是测光值），但由于没有ADR窗，所以不能显示实际设定的光圈值，容易失误。这是设计上最大的失误了。

总的来说，在二十一年后的今天，从功能和操作性来看，A-1依然是相当优秀的，与今天的EOS相对照，就看出CANON在那时就很注意人体工程学了（可能那时不是这样叫的）。这类金属机身的照相机，拿在手上，给人的感觉是：This is the CAMERA！CANON放弃FD卡口实在是有点可惜，其实完全不必要。一是机身的卡口直径够大；二是镜头是FD卡环，很容易在机身卡口边上加入触点，只要新出的镜头带触点和USM，不照样能实现AF吗？不过说了也白说，等于没说。

“自一八三九年照相术被发明以来，什么都被照遍了，至少似乎如此；
摄影自成文法，更重要的是，它是一种观看的伦理学，
最后，摄影最伟大的功绩是让我们感觉到，我们可以将全世界纳入脑海中。 ” ──苏珊‧桑塔格

在苏珊‧桑塔格批判摄影的名著《论摄影》中，认为摄影是一种「观看的伦理学」。将摄影从技术性的一门功夫，提升到使用者──也就是人，参与世界的某种伦理。人与人的意志、人的活动及人的是非都成为摄影的主体。

当然，《论摄影》这部作品经常遭受到来自职业摄影师的批评，也认为《论摄影》所论及的摄影，并不是摄影师（真正投入在拍摄实践的人）所关怀的摄影。摄影，在技术上的讨论可以很简单，可以很艰深。但我们真的有必要将摄影的行为与其所关照的，过度放大到超出技巧与美学，而进入到哲学的地步吗？

关注摄影在技巧、美学层次之外的其他面向，谈得再多，都很难使得我们拍照的功力有飞跃性的进步。拍照需要更多的实务指导与练习。但是，若能进一步的探讨摄影的本体与其在人在世界中做为一个创作工艺，它的脚色与责任是什么？它的终极关怀与使命是什么？了解这些，则更能帮助我们在建构自己的摄影信念与目的上，有更明确的启发。

摄影似乎将什么已都照遍了。对摄影师来说，这个世界只有拍摄过的题材与即将被拍摄的。一方面是科技的发展，一方面是人的好奇心与留念的本能。透过摄影，我们可以将世界上倏忽即逝的某一刻，像化石一般封藏。

从这个观点来看待摄影，它至少反映了人的占有欲与贪婪的企图心。摄影将人类的视觉放大到了一种近乎想像的地步。摄影和绘画之间，被桑塔格认为是一种「弑父」的关系。但我认为摄影，并不是作为绘画为了更趋近于现实的衍生物。摄影最主要的能力，给予了我们撷取现实片段的能力。但这同时也是一种假象，让我们误以为我们足以将真实的片段重现在相纸、印刷、电子显示器上头。
摄影最重要，但也是最高明的假象，让我们以为摄影与真实是密切相关的。这个迷障，也引起了众多的争议与讨论。但在我认为，摄影所放大的人类视觉，并不只限于将我们所看见的纪录，而是让我们看见我们以前所看不见的。包括更多的想像与白日梦。

查克．科罗斯（Chuck Close）／马克（Mark），1978-1979年，压克力‧画布，274×213cm
纽约：克尔特希‧佩斯画廊收藏（Courtesy Pace Gallery, New York）

摄影的观看方式至少也回头启发了绘画的创作。在绘画与雕塑方面都有了照相写实主义的出现，旨在呈现一种真实与虚假的反差感受。这种审美方式的逻辑一直是摄影所在呈现的，但历来为人所不察。摄影透过光学的技巧，较非人为的产制出图像，比起绘画一笔一笔勾勒出来，并没有高明多少。绘画给人更多「从无到有创作」的想法，而摄影则被认为仅仅是「复制」或「高明的复制」。因此当绘画创作出非常趋近于现实（也就是极似照片）时，给予人的反差更为强烈（这是画出来的吗？）。而当雕塑或模型制作出与真人非常拟似甚至真假难辨时，更给人丰富的冲击。

摄影为了强调自身的能力，用同样的逻辑反其道而行。摄影利用自身「被人认为是复制现实」的误解，去拍摄抽象、不着边际的作品──不像照片的照片。试图引起观者：「这真的是照片吗？」当然，这也引起了「这样还叫照片吗？」的质疑。

总之，随着摄影与绘画共同关注真实与虚假所营造出反差的审美感受，两者的界线也渐趋模糊。至少在某些作品中，我们分别从摄影或绘画中，得到类似的美学效果。

当然，绘画与摄影的领域内部分别歧异日深，自然无法当然概括而论。但就摄影而言，它作为一种简单的行为，却在丰富与大量的影像产出中，深深地改变了我们看待世界与融入世界的方法。

在可以想见的未来，摄影应当会为人类的视觉再度开辟新的疆界，然后影响人的日常生活。然而，我们现在所看见的一切，或许都是可疑的。

与其说我们将世界纳入脑海，不如说我们将脑海中的一切，都拉进现实。

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不得不先吐槽下这个说明书封面。

官方介绍

佳能1976年4月推出的AE-1相机风靡世界。

推出AE-1时，TTL手动测光相机(包括佳能 FTb和佳能 FTb-N)依然是35mm单反相机市场的主流。自动曝光相机仍然处于单反相机市场的领先位置。它们都比较昂贵而且产量较少。

但是，佳能 AE-1的设计从基础着手，由5个主要元件和25个次要元件构成。它们由一台微型计算机进行中央控制。通过集成电路，部件数量降低了300个。相机的生产也高度自动化。因此能生产出价格相对较低的带高端功能的相机。

发展背景

20世纪60到70年代，是日本经济高速发展的时期，尤其是电子工业的迅速发展，使得相机的自动化成为现实，于是佳能像市场源源不断的推出了一系列具有自动曝光功能的单反相机。在佳能手动调焦自动曝光单反相机中，以“A”系列单反相机最为著名。 “A”系列单反相机，是以1976年推出的佳能 AE-1为起点的。在1976年4月，佳能公司推出的佳能AE-1 是世界上第一台嵌入镜头的照相机。AE为自动曝光控制的意思，AE-1也就是第一台电子控制全自动单镜头反光照相机的意思。佳能AE-1还是一台具有快门优先自动曝光功能的小型单反相机。正是因为佳能AE-1的性能优良，所以这款相机也广受好评。

世界首台搭载CPU的单反相机。它颠覆了原本的设计理念，有5个大型元件和25个小型元件，统一由一个微型计算机控制。由于采用了电子化，可减少300个零件。它的生产过程也高度自动化，由此实现了高性能、低价格的特点。

各方评价

AE-1是佳能的经典之作，如果有选必收藏之10大佳能相机，它一定是前三位。经典地位不容怀疑。

优点： 结实耐用，近20年的机器依然使用正常。纯金属相身，阳刚气重，厚实有质感，绝非混合机身能比。相对当时来说功能很全面，可以应付绝大多数的拍摄工作。
缺点： 快门易出问题、相对现代机种，功能就不够全面、机身重，不适合娇小女性、时代太历久，配件不易找、机身与新镜不兼容。

佳能AE-1在7.80年代是一代经典，仍然是很多胶片爱好者的主力机，有第一文艺胶片单反的称号，非常多玩摄影的文艺女用的就是佳能AE-1。

1976年开始销售的佳能 AE-1是日本最早成功的大量生产，低成本化的电子照相机，是佳能A系列的第一台照相机。因为在当时以打破常识的低价格推出来的，所以销量非常的大，以至于二手AE-1的价格要比其他厂家的同等机种便宜一些，保有数量太多了。AE-1的设计看起来很轻巧，不过拿在手里还是感觉有一些分量，很有金属感，也许是这些年用惯了轻飘飘的EOS系列的原因吧。快门的声音非常清脆，也不算大，就像几片金属片撞击的声音，不但和F系列那种闷闷的金属声完全不同，就在A系里，也应该是相对清脆的，听起来赏心悦耳。
AE-1有几个特有的易出故障，其中之一就是快门啸叫，用两年必定就会出现，不单单是快门声音变大，还会造成曝光时间延长，时间长了会损坏部件。其实修理方法极简单，打开底盖，过一张卷，在镜头卡口的右侧的一个小孔里会隐隐约约的看到一个金属部件，往上面滴一两滴机油就行了，不过最好用修照相机或者手表的高纯度机油，不要随便滴劣质机油。

在一个就是漏光，胶卷盒的遮光幕老化之后漏光现象非常严重，一定要及时更换。AE-1的测光器仍然是指针式，目镜的右侧有一列光圈数值，半按快门或者测光钮的时候指针会动作到推荐的光圈数值。虽然在暗处用起来不是很方便，不过我还是比较喜欢指针式的测光器，相对比较准确一些。

规格配置

快门

四轴、横走式布帘焦平面快门。可选X、B、2、1、1/2、1/4、1/8、1/15、1/30、1/60、1/125、1/250、1/500和1/1000秒。所有速度采用电子控制。内置自拍机(带闪烁LED)。

闪光灯同步

带德式插座和热靴的闪光同步自动切换同步触点。

取景器

固定式眼平五棱镜。0.86倍放大倍率(EX 50mm)、垂直视野率93.5%、水平视野率96%。裂像测距仪被微棱镜测距仪包围在菲涅尔磨砂屏中央。提供测光表指针、光圈刻度、过度曝光警告、缩小光圈测光指针、电池电量指示以及曝光不足警告LED。

曝光控制

采用硅光电管，快门优先AE TTL全开光圈测光或TTL缩小光圈匹配指针式手动测光(中央重点平均测光)。曝光补偿范围是+1.5 EV。ISO 100和f/1.4时的测光范围：EV 1 - 18。胶片感光度范围ISO 25 - 3200。

胶卷安装进片

槽形卷片轴。使用相机顶部拨杆120度冲程进片(支持局部冲程)。预备角度30度。也可用卷片器A高速卷片。

以上文字内容来源于百度百科

延伸阅读：

现在，只是爱着你

佳能AE-1使用说明

Tags：AE-1

柔美纤长的机身里，藏着古典的气质，就在你抚着Pentax MX 的当下，情欲被挑起。

虽然对大部份的男生来说，Pentax M 系列的机身(ME，MX，ME Super) 大概都会有小指悬空的情况，加上Winder 或许会比较好握，不过为了加上Winder 而失去她古典纤长的身型，我选择保留她最美的体态。

1976 Pentax MX 与1980 Pentax LX 的豪华相较，显得低调而温柔，在纤瘦的机身中，全手动的古典思维，宽阔的观景窗视野，让你透过MX 所窥视的世界，都变得无比性感。

个人觉得MX 有两个代表Pentax 精神的特点，古典与精巧。

Pentax 并非没有电子快门技术，早在M42 时代的ES 即已导入，同是M 系列的ME 也是使用电子快门，却刻意不让MX 使用，维持全手动的古典思维，因此，这是台不用电池仍可作动的相机，装上电池做为测光之用，以五个可爱的LED 来指示曝光；

观景窗内的资讯一应俱全，光圈数值透过机顶挖出的小孔，可以从观景窗内就看到镜头光圈环所指向的数值，在右手边则以转轮的样子显示快门数值。

M 系列机身应该是Pentax 历来最小的SLR 机种，MX 全金属的机身配上SMC Pentax-M 40mm f2.8 那颗手动饼干镜的话，似乎在宣示Pentax 将够用的性能植入展现工艺技术的小型化机身的设计理念，赏玩与性能兼备的特质，让人爱不释手。

Pentax MX 规格

(来源：http://camerapedia.org/wiki/Pentax_MX )

接环: Pentax K Mount
快门: 横走式布帘快门，因此垂直方向的震动可以变得很轻微
快门速度从1 秒至1/1000 秒，有B 快门
测光方式: TTL，开放光圈测光，中央加权测光
曝光设定: 光圈及快门数值皆为手动设定
ISO: 25 – 1600 (Exposure range: EV1 – 19)
观景窗: 95% 视野率，97% 放大率
对焦屏: 与LX 可共用，共有八种样式可更换，裂像对焦
热靴: 有
快门锁定: 有
闪灯同步快门: 1/60 秒
附属配件: 可加上电子卷片器Winder MX (2i/s) and Motor MX (5i/s)
电池: LR44 两颗 (1.5V)
机身重量: 495g
阔 x 高 x 深: 135.8 x 82.5 x 49.3 mm

MX 与 Spotmatic F

补充：如何使用 MX 测光系统

依照下图，装好电池后，要进行测光时，先将过片杆往外拉约20 度，半按快门即可在观景窗内看到五个LED 的指示。

中央的绿灯是正确曝光，
上下橘灯各代表过曝及不足 1/2 EV，
上下红灯各代表过曝及不足 1 EV。

另外，当你使用到 ASA 1600 时，
测光只支援快门速度从1/15 – 1/1000 秒。

虽然，不会很耗电，但当你长久不使用MX
又懒得拿掉电池的话，又或者你想凭眼睛测光的话，
把过片杆压回切齐机身的位置，这样就会完全关闭测光系统。

以上文字内容来自Photalks

「成年人的生活里没有『容易』二个字。」──米高‧肯恩《气象人》

在街拍时，最容易入手的无非是拍摄小孩。不管你使用的器材是什么，从口袋的智慧型手机到挂在胸前的笨重单眼相机，当你镜头对准小孩时，总是让人感到轻松与愉快。不同于拍摄成年人容易陷入的侵犯性情况（尤其近年来台湾益发重视隐私与个人资料的权益），在台湾，拍摄儿童尚属于一件可以接受的事情。

这或许和「儿童」在一些方面并不被视为具有一个完整的「人格」有关。当我们在使用到儿童的符号时，我们并不是指涉某一个特定的人。由于儿童仍属于一个未社会化的物件，因此也沾染更少人造的、人为的气息，充满生机与想像。

出现在照片上的儿童，至少带给我们这些联想与暗示：

◎纯洁

◎希望／传承

◎尝试／不易放弃

◎热情／兴致昂然

◎纯粹／没有心机

◎潜力／想像力

Morpheus Photomagine
關於攝影的邏輯以及影像與文字兩者間敘事的思辨。

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来自伊朗的女摄影师Shadi Ghadirian在她的摄影作品中探讨了伊朗现代女性面临的包括文化，宗教，和个性等在内的许多问题，她的作品蝴蝶小姐系列，在黑白照片充满了强烈的象征意义。

每张图像中的女人都在努力的工作，努力的编制一张巨大的复杂的蜘蛛网。看似寒冷的空阔的环境以及蜘蛛网将女人同现实世界隔离开来。象征着伊朗社会中传统对妇女的一系列限制。

照片是可以说故事的。故事里的蝴蝶小姐，被困在这张蛛网内，不能逃离。

Shadi Ghadirian's website

via [My Amp Goes to 11]

「相机是一个教具，教导人们在没有相机时该如何看这世界。」 - Dorothea Lange

摄影是一种观看的方式，而摄影也仅只是一种观看的方式而已。

在「越拍越遗忘」一文中，揭示了现代人只管机械式的拍，而非真正看见的毛病。摄影发展至今，从一开始到现在都不脱艺术的血统，他关切的是人们怎么透过器械却非器械似的观看这个世界。摄影本身是摄影师尝试将自我物化以参与世界的行为，但随着人的参与，摄影的主题势必无法避免客观真实的缺席。我们所看见的一切，将总是停留在我们预先想像过的画面。

这样有着「先见之明」的摄影方式，总是让我们陷入观看的陷阱之中。我们或着总带些观点在拍摄眼前的事物而不自知，或着总是怀着某种深切的目的从这个世界撷取某些片段为己所用。

摄影这种工具，让我对已知世界的真实面貌有了全新的视野。但与其说我们是透过眼前的镜头而看见了更多的世界，不如说是我们透过镜头将想像的世界注入眼前。长久以往，我们总习惯了我们想像的眼界，习惯了被摄影所塑造的影像。

我们透过摄影产出的照片来看见这个广阔的世界，摄影将我们所有人的眼界联络起来，共结一个看见彼此的巨大网络。于是我们总是活在彼此的视线之中，而我们自我本身也被这些密集的视线所注目，所凝视，所观望。

作为一个摄影师，原本你试图接触所谓的真实，而将自己伪装成没有生命没有感情的光学机械。但最后真正的物化不是成为工具本身，而是我们串连彼此的视线，将彼此看成一张没有生命的影像。

我们习惯了看待片断的世界，我们看见这个世界的方式也变成仅透过一张张却永远数不清的影像。我们将彼此看见成个别的影像物件，然后贴上标签，分门别类，甚至总是带着某种先验的目光。

最后，摄影成为我们唯一个观看的方式。

The Secret Life Of Walter Mitty 剧照

活在现在这个世界，你看过太多的照片。不管是来自教科书还是旅游杂志，你透过照片掌握了许多知识与经验。你脑海中已经建构了我们所生活的世界风貌，你了解了你所以为的世界。

你可以透过一张照片，看见一万公里以外地方的景物。

你甚至可以透过照片，看见整个我们所居住的星球，看见大陆，看见波涛与风暴。

你想要活在一个没有盲点的真实世界，企图透过摄影将世界缩小复印在一本本册子上。

但随着你将眼睛靠上观景窗的那一刻，你失去的总是比看见得多。而相片，隐藏的永远比揭露的更多。

在最近的新片The Secret Life Of Walter Mitty 中，有一段对话应当切中了许多摄影师内心深处的初衷：

Walter: Why don’t you shoot?

Sean: If I like a moment, I do not like the distraction of the camera, so I stay in it.

摄影圈总是有句话：是你在玩相机，而不是相机在玩你。是否曾在观光区看见许许多多人面对眼晴的风景，总是一味的猛拍，反而让静静欣赏的人显得突兀？我并不是想否定摄影的意义与责任，而是希望我们所有人不再是冷漠观看的「看客」──不管是生命的看客还是影像的看客。

优秀的摄影照片总是希望我们在一帧照片的视框之外看到更多。而作为摄影师的你，在拍摄前，就应该已经先看见了更多了。如果你不了解眼前的景物，你不曾享受过拍摄前的当下，要如何期待你的照片能带给观者的是更多的想像，而非仅止于此的局限呢？

Morpheus Photomagine
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超过20年的时间，是摄影师也是大自然的艺术家，Martin Hill，利用了大自然的所有元素，冰、石头、树枝等等所有反映了自然最初的原型的物件。这系列的作品是和他的搭档Philippa Jones 共同完成，Hill 表示他这系列的作品是在表达对于我们生活与自然的连结。

这些作品使用圆的方式来表达大自然的生态系统。现在大部分的自然原料都被使用在工业制造上，而永续生存必须经营在再制造、再设计上，但无论如何，大自然最初的原料，都不可能再变回原本的样貌了。 Hill 对于生态的关切明显表现在他的作品中，他认为新的能源新的原料、减少有毒物质的产生，才是真正有用的方式，公平的交易、社会的平等，都和我们的生活息息相关。

所有大自然的美景，每个角落、每个美好都应该永远被保存下来。

你可以看到更多Hill 的作品在他的線上藝廊，或是他的Flickr，和部落格。

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只要有梦，哪里都可以是舞台。来自 Heidi Lender的作品。

註：我肯定不屬於那年代的（笑），只是我很喜歡這些日本老歌。特別推薦每年紅白還是會聽到她唱歌的石川小百合。大家一邊聽一邊看吧。

京都　三千院　RICOH GXR MOUNT A12　LEICA SUPER-ANGULON 21/4

京都　三千院　RICOH GXR MOUNT A12　LEICA SUPER-ANGULON 21/4

大原位於洛北高野川的上游處，是本地旅客喜愛遊覽的地方之一。假若你在京都 JR 站外的巴士站出發的話，行程大約需時一個多小時。在大原可以看到的是一家又一家別緻和幽靜的小寺院：三千院、實光院、寶泉院等等，還有比較遠可是漂亮的寂光院。當然少不了本地人秋涼時節的最愛去處，位於山腳的瑠璃光院。

在大原你會經常看到有關大原女的宣傳，那其實是當地的傳統服飾，每年五月初都會有以大原女為主題的祭典舉行。在大原，接近每家寺院都會收取入場費，有些收費貴一點的如寶泉院，她們都會隨票付上一杯剛弄好的抹茶和一份和菓子，讓你可以靜靜的在院子內找個地方坐下，慢慢細賞園內風光。但請記得保持安靜，好好的放鬆自己，讓自己靜下來，這裡可是個只屬於寧靜的國度。

京都　宝泉院　RICOH GXR MOUNT A12　LEICA SUPER-ANGULON 21/4

京都　宝泉院　RICOH GXR MOUNT A12　LEICA SUPER-ANGULON 21/4

三千院是以優美的園景和賞楓勝地而聞名，所以，無可奈何的到處都是人。住處老闆在我出門的時候已不停的跟我說，不要對三千院太有期望，因為實在是太多人了。他說得一點都沒錯。雖然大家都很懂得和這片寧靜國度相處的方式，只是寸步難行、遍地難坐的感覺確是難受。真的想慢慢感受這個地方的話，還是請早一點來吧，雖然我來到的時候只是早上十點。寶泉院的名氣比三千院小一點，進去後的空間感好許多了。而自己覺得，她的園景是大原的寺院群中最使人心曠神怡。靜靜的坐在坐團上慢慢的欣賞面前那棵有七百年樹齡的松，時間和空氣好像靜止了似的，心內那份平和的感覺令人十分舒坦。很欣賞他們對待古老事物的方式，不管是古老大院還是古老大樹，總是會保存的妥妥當當，以她們最理想的生存方式繼續活著。然後再想起我城那些不知所謂的胡亂砍樹、胡亂拆遷... 多麼想一直留在這，多麼不願回到那個被發展二字扭曲了的世界。只是不欲把位置佔太久，坐了好一陣子也是時候該離去了。期待春夏時候的這兒，大概一定比這個時候更翠綠和漂亮吧。

做任何事情总归都带有某种目的性。不管是旅行，或着与其紧紧相关的摄影。有些人出门是不带相机的，甚至很多是基于一种相当故意的立场。就我来说，在有些旅游的场合──那些被人认为「应该」要拍照的场合──我反而对摄影这件事情提不起劲。有的时候则是无暇于拍照，只能碌碌地忙于其他事情，只有特别闲暇时会想起来，啊！我有带相机呢！来拍一张照吧！

人们对「旅行」总是有着美好的想像，这种想像不管是来自童话、冒险故事、还是听说、他人的经验分享，总之这份想像是来自别人的。我们对「旅游」的想像是什么？不外乎是：清苦、孤独、找寻、思考与沉淀。如果一趟你所称之为旅行的行动，缺乏了你个人的回想与沉思，似乎就不是一趟远行。

追根究柢，现代人会想出远门，多半是为了逃离。所以不管是观光旅游、游学、离家出走，人们都希望能够离自己已知的地方越远越好。或许不必远，但至少要是个陌生地方。

这大概是现代人郁闷心情的一个反扑，对当下生活的不满通通宣泄在想离开此时此地的心态，对体验生命「陌生化」的审美需求。但人们总不可能一直逃离，他或许会对新地方感到厌腻，重新开始一次逃离的过程；或者，他的逃离，也总是带着回家的前提。

因此，「摄影」就显得相当重要了。摄影的手法、技巧、能力都姑且不论了，那并不重要。重要的是摄影的目的──每张相片、每幅影像，都作为一扇窗口，连结着曾经逃离的过去与曾经逃往的出口。

监狱犯人的墙壁上总贴着与他生活无关的海报、明信片。

他们在日以继夜单调乏味受到拘束的生活之中看着这些在现实与虚拟之间模棱两可的照片做什么呢？

无非是将自身对生命的美好想像，投映在想像的窗口上罢了。

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来自法国的摄影师 Theo Gosselin的浪漫性格早已渗透到了骨子里，所以他的作品也同样透露出一种法国式的浪漫。他的作品里无处不透露着青春，热血和叛逆。有种戏梦巴黎的感觉。他将他的青春生活，就这样用胶片记录了下来。