在雨中进行街头摄影时，你要做的不仅仅是保持干燥并用相机拍照。充分利用下雨和潮湿的表面是有挑战的，如果你能带着各种技巧出门，你更有可能带着一些很棒的照片回来。

在这篇文章中，我会分享几个在恶劣天气下拍摄街头摄影的技巧。

1. 计划你的拍摄行程

出门在雨中拍照前稍微仔细计划一下，将会获得更好的体验。

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因此，当你在下雨天考虑要出去拍照的时候，请先计划好你可能去哪里拍照以及你最想拍摄的照片类型。如果你很了解某个拍照的场所，你应该对自己的将要去拍照的地方有一些能够拍出的画面的预判。如果没有熟悉的场景的话，同样也是为了保护器材不被淋湿，我们可以去尝试选择有遮蔽物、人流量大且照明良好的区域。

在出门拍照之前，你可以将自己最喜欢的街头摄影镜头安装到相机上，以避免在外出时更换镜头。即使没有倾盆大雨，雨天空气中的水分也会增加，最好避免让水分接触到相机传感器。如果您确实需要更换镜头，请在干燥的地方进行，并快速进行。

2.考虑光线

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在出去拍照之前，光线也是不得不考虑的重要因素之一。如果您追求戏剧性的瞬间画面，请尝试在雨天和阳光混合的日子拍摄，如果您追求平坦、中性的图像，那么阴天是最好的选择。最后，如果您不确定自己想要什么，只需以良好的照明和合理的对比度为目标。

下雨时，尽量调整好自己的位置，让主光从拍摄对象身后射出，因为逆光下的雨在曝光良好时看起来棒极了。

3.寻找反射

下雨天很容易在地面上形成积水，水坑中反射出来的场景，不管是建筑物还是人都有一种超现实的氛围，因为一切都是颠倒的，而此时有人路过的话，也会让整个场景看起来更加生动。

在我们拍摄反射的时候，一定要寻找多个不同的角度来拍摄，视角不同，带来的观感也会不同，也会让我们看到更加独特的反射世界。

4.充分利用水

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你已经下定决心带着相机出去走走——现在是充分利用水的时候了！不要只寻找标准的街头照片主题；相反，找到独特的角度来展示水花飞溅或可爱的倒影。

当水从公共汽车站屋顶倾泻而下时，你可以捕捉到溅入排水沟或水坑的水。当水滴从他们的雨伞上弹开时，你可以捕捉到弯腰撑伞的人。一旦您开始寻找，我相信你会发现许多有趣的拍摄对象。

当你感到疲倦并决定休息一下时，找一家窗户临街的咖啡店。你可以一边享用热饮，一边隔着玻璃不断拍照（这些都是最经典的雨天照片！）。

5.城市霓虹

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别忘了夜晚中城市的霓虹，如果在雨天，地面有积水是可以反射出五颜六色好看的光的，在积水中就像是打翻了水彩一样好看。

那些不同的灯光，不管是招牌、标识甚至是路灯都可能会形成好看的倒影，我们也可以进行长曝光，长曝光首先可以排除画面之中的人的因素，而且会让倒影看起来模糊的更好看。但是要准备好三脚架或者固定好你的相机。

我喜欢在每天傍晚所谓的“蓝色时刻”拍摄，那时电灯会平衡环境光。这样，你可以设置曝光以捕捉场景中最亮的区域（街上招牌上的灯光），并等待天空变暗，直到它变成深蓝色调。这在天空晴朗时看起来最好，但即使在天空阴天时也会经常产生蓝色调。

6. 捕捉孤立的颜色

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正如我上面提到的，下雨天往往会提供非常暗淡的光线——这可能很难处理。一种方便的技术是找到明亮的色彩来提升原本毫无生气的场景。

例如，您可能会寻找一把黄色、红色或蓝色的雨伞，它们可以为人群场景增添可爱的色彩。五颜六色的雨衣也很不错，一个人穿着黄色夹克过马路可以拍出美妙的画面。
当你发现一把令人兴奋的雨伞或雨衣时，跟着它走一会儿。当然，不要成为一个跟踪者，而是在他们走路时观察他们，并捕捉他们的瞬间，在沉闷的天气里充分利用明亮的色彩。

7. 尝试不同的快门速度

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街头摄影师倾向于使用更快的快门速度来定格动作，但你知道吗，你可以通过减慢快门速度来拍摄有趣的雨天照片？

将相机安装在三脚架上，然后——在手动模式下工作——调整你的曝光设置，这样你就可以在不过度曝光的情况下获得最慢的快门速度。

但是以上的一切的前提，也是最重要的一点，就是要注意保护好相机，虽然现在大部分相机都能防水溅，但是毕竟不是所有的相机都有那么强的三防性能的，拍照固然重要，但是也不要弄坏了相机。不然就得不偿失了。

究竟什么样的照片才算是一张「好照片」，可能并没有一个唯一的答案，评价一张照片的好与坏受到太多的主观情绪的影响，不过，我们依然可以从最基本的元素中来加以判断。

1、一张好照片首先在技术上得是正确的

我们不是那些艺术大师，随便拍点什么画点什么都能有人吹捧上天。我们的作品想要得到他人的肯定，无论我们多么重视摄影的艺术语言。在现代，一张好的摄影作品首先在技术上应该是正确的。这里的技术正确指的是正确的对焦、曝光、颜色、后期处理等等。

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很多摄影师很容易就会陷入到某种极端，其中一种极端是只注重画面的技术质量，他们会不断的放大照片来评判每一个像素的质量，结果呢，拍出来的可能就像是工业产品，精致，却没有生命力。另一种极端就是给自己设定太高的门槛，想要拍出布列松、亚当斯一样的作品，却缺乏自己的独到见解，模仿痕迹太甚。

在这个时代，技术已经不再是拍照的门槛，只要拥有一台合适的设备，经过简单的指导，就算是初学者也能拍出看起来不错的照片。不管我们对于后期的理解如何，它都已经是摄影师不可或缺的摄影工具之一，忽略了后期就等于落后于时代。如何做到合适的后期处理，已经成为每一位摄影师需要掌握的一项基本技能。随着软件技术的进步，我们只需要在软件上做出简单的调整就可以轻松的完成过去摄影师在暗房里几小时的工作。以“原图”为借口不学习后期处理已经不再是一个可行的选择。

2、一张好照片要凸显一个主题

照片传达的是摄影师的意图，及时是同样的画面在不同的摄影师眼中也会有不同的表达角度。照片不会说谎，但照片会通过画面的选择来将摄影师的意图赋予画面之中

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没有主题的照片就像是杂乱无章的文章，让人注意力难以集中。主题需要简单，但是简单只是一种手段而不是目的。白纸最简单，却承载不了太多的信息。简单的目的是为了排除杂念，突出主题。

人们往往会对极简主义存在一些误解，认为画面中的内容少就是极简的目的，而吸引观看者的注意力才是极简的目标。简单并不意味着图像中的元素越少越好。元素越多，包含的信息量就越大，组成也必须越有序，就像阅兵式的士兵，而不是集市上的商人。

3、好照片要有印象

好的摄影必须抓住人们的注意力并留下持久的印象。在这随便打开手机上的app就能看到无数美图的年代，这一点尤为重要。否则，我们的影像不会引起任何人的注意，只能被一小群亲密的朋友欣赏。我们怎样才能让我们的照片更具影响力？我们必须使用我们拥有的所有技巧：构图、光影、色彩、瞬间、情感、故事，以及最重要的想象力。

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然而，保证持久的印象需要内容。单纯的抓住人的眼球可能很容易，但会让人在看完作品后感到无聊。今天，廉价的视觉冲击充斥着我们的屏幕：过饱和的颜色、黑暗和阴沉的气氛、过度的暗角、大面积的死黑和聚焦的高光等等。这些照片往往都是利用技术的不正确来抓住观看者的眼球。

4、好照片要有创意

好的作品一定是摄影师自己的创意，而不是简单的模仿。重复模仿可以是一个很好的学习工具，但不能称为创造性工作。

今天，“创意”已经成为我们的标语，经常被用来炫耀我们的艺术眼光，却很少有人去深究创意作品的意义。“创意”是一种前所未有的劳动，是艺术家的行为； 而大部分的照片却是重复前人工作的行为，是工匠的行为。尽管流水线上的工人可能比他的所有同事都更熟练并且缺陷率更低，但这并不是创造性，因为创造产品的过程在组装之前就已经完成了。

5、一张好照片能够引起共鸣

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为什么我们会那么容易的欣赏自己拍下的照片，因为共鸣，我们对这张照片太熟悉了，没有人会像我们自己一样身临其境的去感受自己当时拍下这个瞬间时的心情，所有的问题在心中早就有了答案。照片里的所拍摄到的事件所表达出来的信息的数量的多少决定了观看者与照片之间的联系紧密程度，因为有与自己有关的相关信息，才会触使观看者思考、感受和回忆，以激发他们对过去某种经验的体悟，也就加深了他们对照片的理解程度。

于是照片在当下就有了三种意义，一种是照片中所表现那个真实场景背后的真实故事，一种是拍摄者想要记录下这个瞬间的理由，而另一个则是照片所表现出来的外观引起的观看者的共鸣，从而由观看者再次阐明的另一个观点。

对于拍摄者而言，他们要做的只是在那样一个场所，那样一个角度，看到了那样一个画面，然后选择那样一个参数，来捕捉那样一个瞬间。

6、一张好照片是时间的记录

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摄影在历史中生，为历史而存在，伟大的作品很少能够脱离了历史而单独存在。当我们追求摄影的艺术和个人方面时，也会常常偏离摄影作为记录现实的工具的初衷。我们远离生活，放下经验，直奔想象中的世外桃源，力求用最少的时间和精力捕捉到轰动的画面。与此同时，网络的即时满足促使我们迎合流行的审美品味，获得即时认可和随之而来的经济利益。

历史事件不仅限于人间，摄影师的责任就是将它们捕捉并呈现给世人。我们的作品就会根据历史事件获得历史价值。

在我们这个时代，缺乏的并不是漂亮的图像，而是强大的历史图像。

由于大部分街头摄影作品都是用 snapshot 方式拍摄下来的，而 snapshot 的快速性也容易造成一些缺陷，因此给人一种误解，那些没有构图，对焦不准或者没有明显讯息的生活影像也被归类为 snapshot。

时至今日，snapshot 依然是街头摄影的代名词。snapshot 的关键在于拍摄的手法而不是结果。它是拍摄写实照片的核心手法，特点是快而准，以及要在正确的时间到正确的地方，预见那些不能预期的事，凭直觉及极熟练的摄影手法快速的把影像拍好。

以 snapshot 为主要拍摄手法的街头摄影则是一种不受限制的摄影类型。街头摄影通常是随意的，坦率的，并且是不连贯的。它可以以时间、地点的线性来串联起拍摄者的轨迹，却没有一个统一的标准来串联被拍摄主体，如果有，可能也就是拍摄者对于主题的一致性了。

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街头摄影对于形式并没有那么多的坚持，它的重点不在于好看的风景好看的人，不在于完美的构图和曝光，而在于故事。

关于街头摄影的解释同样也是因人而异，在不同的观看者眼里可能会看到不同的故事，和纪实摄影新闻摄影这样的题材拥有一个明确的故事主体不同，由于摄影师的「不介入」以及画面的随机性和不连贯性，所以即使就连拍摄者本人可能也不知道它所拍下的影像的真实故事究竟是什么，因此，也就没有正确的故事，更没有错误的故事，每个观看者都可以根据自己的人生体验将画面的故事放大。简而言之，街头摄影的影像是关于视觉形式的一首诗歌。

出色的街头摄影，就如同出色的诗歌，可能会引起情感上的反响，激发观看者的想象力，邀请他们将自己代入到画面中，无中生有的创造出自己的故事。当它起作用的时候，所有的构图元素以及正确的光影组合在一起时，我们将会看到一个引人注目的，视觉感很强的主题。

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经验丰富的街头摄影师能够预见到那个决定性的时刻，他们会将镜头对准画面，在最短的时间内调整好快门光圈，将对焦环转动到合适的位置，然后等待那个画面一出现，就果断的按下快门。即使在接近拍摄对象的时候，他们也会无所畏惧。学会克服恐惧是成为街头摄影师的重要一个环节，没有一张厚脸皮是不能拍好街头的。

不过将镜头对准陌生人确实并不是那么一件简单的事。有的时候我们看到一个很好的画面，刚刚举起相机想要拍下来，可是画面里的人转过身来看着你和你四目相对，那一瞬间你就怂了，马上将相机转向别处假装要拍别的地方，于是好画面就这样消失了。虽然规避了风险，也拍不出好照片了。

于是拍街头变成了拍摄空旷无人的街头，拍摄街上的建筑物和花花草草，或者干脆买个大长焦躲远远的拍，可最后发现除了偷拍到那些好看的姑娘并没有拍出任何有故事的画面。

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想要在大街上捕捉到决定性的时刻是一项艰巨的任务，同时也将自己从拍摄的舒适区狠狠的拽出来，面对那些陌生人按快门在心理上可能并不是那么简单。

这很容易理解，我们生活在一个封闭的世界里，人与人之间都有一堵无形的墙壁，每个人都有自己的空间，我们很难接近一个陌生的人。对于很多想要拍摄街头的人来说，他们会担心，万一拿着相机拍摄陌生人的时候对方生气了怎么办，场面会不会很尴尬。于是犹豫不前，不敢举起相机拍摄看到的精彩画面，只敢用镜头对着无趣的花花草草街道建筑。

拿起相机上街拍照吧，街上有那么多的人，每一个都是你的模特，每一个都会带给你一个不一样的故事。街头是天然的修炼场，培养你的观察能力培养你的捕捉能力培养你对图像的编排能力，久而久之，一定会让你的拍摄更加精进。

当然想要这一切都考虑的很周详确实不容易，尤其是当我们没有或者只有很少拍摄经验的时候。拍摄我们熟悉的人是我们练习拍摄人像的最佳方式，多拍几次自然就知道到底要怎么拍才能够拍出自己喜欢的效果了。

1、利用好环境光

大部分人拍照应该都是利用自然光多一些，毕竟人造光布光是一门学问，对于没有太多专业知识以及没有过多的需求的拍摄者来说，自然光既廉价又方便。

自然光拍人像最大的好处就是方便了，我们不需要复杂的布光系统，不需要带着那么多额外的设备，只需要带着我们可爱的模特儿，带上自己心爱的相机，最多再带个反光板就可以出去拍照了。当然，最大的缺点就在于光线的不受控制，我们必须懂得如何去利用现有光源来创作自己想要拍出来的作品。我们没有办法去控制自然光的强度、方向和质量。虽然大部分时间我们都是随着性子想拍就拍，但是不同时间段的光线可是不同的，像是正午的光线就很硬，照在脸上会形成向下的阴影，而且这时候的影子的对比度都会很高，很难同时在亮部和暗部保证细节，很容易就会拍出过曝的照片。对大多数人来说，正午的强烈光线并不是那么讨人喜欢。

这也是使用自然光拍摄的最大缺点，或者说是软肋，我们必须要有时间感，通常来说，在一天中，只有几个小时是适合我们拍照的，而其他的时间，光线不是太强就是太硬，并不能帮助我们获取美好的图像。因此我们必须要让自己在限定的时间内完成拍摄。可以培养我们的时间感同时也能督促我们的效率。

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如果我们必须要在正午的大太阳下在外面拍照，最好寻找一些能够提供阴影的场所，像是建筑物的背阴处，或者大树底下，尽量不要让模特儿完全暴露在阳光之下。而且，利用阴影，我们还可以拍出一些非常有创意的作品。

有的时候，多云的天气可能会更好，云层有效的散射了直射下来的阳光，成了一个天然的柔光箱，在模特儿的身上也不会形成那么强烈的生硬的影子。如果天上没有云层的遮挡，就尽量不要选择在正午拍照，可以选择在清晨或傍晚太阳角度较低的时候来拍摄，这时候太阳光在天边倾斜着照射过来，光线均匀柔和的照在身上，很容易拍出好看的照片。

当然，黄金时刻很短暂，可能只有短短的几十分钟，所以要利用这段时间好好拍照，不然一不留神太阳落山天就黑了。到了夜晚我们就只能利用城市的灯光来拍摄人像了，借助五彩的霓虹也能拍出非常好看的人像照片。

2、注意背景的选择

在人像摄影中背景是很重要的，不要以为模特儿长得好看就万事大吉了，那样太初级了。好的背景可以更加凸显模特儿的特点，而坏的背景会扰乱观看者的视线，让大家看照片的时候总不自觉的被转移重点。

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在拍摄过程中，首先要避免背景中的线条不自然的从模特儿身后穿插出来，这样会引导观看者的视线偏离主体。

在拍摄过程中可以四处走动，寻找合适的位置，还可以利用背景创造出一个框架之内的框架，让模特儿在框架内，起到突出主体的作用。

而且在拍摄的过程中尽量注意模特儿和背景线条之间的透视关系，不要在一个方正的太过于歪歪斜斜的线。

3、正确的引导

给并不是很专业的模特儿拍照的时候，她们可能会因为经验的问题不知道要如何摆pose，即便我们要求对方摆出一些姿势，可能也会由于不自然而看起来非常尴尬，因此，如何去引导模特儿的发挥也就成了拍人像中的非常重要的工作。

在手机里存一些自己喜欢的照片，然后根据模特儿的类型去寻找样本，在拍摄之前和模特儿沟通，告诉模特儿你想要拍出什么样风格的照片，有图片给她看这样你就不用费尽心思去解释你想要什么了。

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实际上，最自然的姿势一定是让模特儿感到最舒适的姿势，不需要马上急着拿着相机就拍，特别是当你还不了解你的模特儿的时候。花上几分钟时间和模特儿聊聊天，套套近乎，这样她就不会觉得自己在让一个陌生人拍照，至少不会太过紧张。

谈话的内容可以随机应变，重要的是让他们感到自然放松，哪怕只是说几个笑话，但是讲笑话要注意，不要开过了头，毕竟有些笑话只能对很熟的朋友说。

即使是在拍摄的过程中，也不要放弃交谈，话语可以活跃气氛，你可以通过聊她们喜欢的内容来引导她们的想象，将你的模特儿引导至你想要的模样。这时候拍摄之前的对话就起到了作用，因为你简单的了解了她们的喜好，了解了最近接触过的电影或者文字，就会知道怎么样能够更方便快捷的引导她们。

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我们可以先从一个简单的姿势开始，对于一个没有经验的非专业模特儿来说，你跟他们说再多的术语都没用，倒不如让他们先活动活动手脚，简简单单的从他们最自然的感觉开始拍起。像是站着，坐着，随便走走。

可能一开始的照片会不尽如人意，但是开始的照片的主要作用是磨合，等到大家都习惯那个环境了，再去引导他们做出你想要的效果就更加容易了。

指导是生硬的，刻意去凹出来的造型可能只会让人觉得尬。可能你知道什么样的姿势摆起来最好看，但是对于模特儿来说，尤其是那些非专业的模特儿，刻意的去做某个姿势一定会别扭，也会很僵，再好看的姿势也发挥不出来。而你需要通过话语的引导，让模特儿自然而然的做出那样的动作。

可究竟怎么样才算「锐」？为什么我们总是感觉自己的照片不够「锐」？要怎么样才能拍出够「锐」的照片呢？

你认为自己的照片不够「锐」，可能是因为犯了下面几个错误。

1、注意安全快门

除非是在三脚架上固定相机并且使用遥控快门，否则不管是手持的手抖，还是按下快门那一瞬间的震动，都会不可避免的造成相机瞬间的位移。

所以在拍照的时候，我们都要尽量在安全快门以上使用，高速的快门可以化解掉瞬间的抖动，一般来说，镜头焦段的倒数就是使用这支镜头的安全快门值，意味着在这个快门之上我们可以尽可能的避免手震，像是用 50mm 的镜头，那么安全快门就应该在 1/50s 之上，用 200mm 的镜头，那么快门速度就必须要高于 1/200s。

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尽管如此，低于 50mm 的广角镜头也要尽量在 1/50s 以上来使用。不过安全快门始终只是一个理论值，具体的使用情况还是要因人而异，有些人可能金刚铁手，用低速快门也不会晃动，而有的人天生神经不太好，总是不停的手抖。这种不自觉的手震就会造成按下快门的那一刹那出现不必要的晃动，也就让画面出现动态模糊，即使在安全快门也不能避免。

2、找到「最佳光圈」

每一支镜头都有一个最佳的光圈值的范围，一般我们都会认为在比最大光圈低 2~3 档的地方是最佳光圈。我们都知道光圈对于画面效果的影响，但是开大或者缩小光圈，的确会在一定程度上，对画质有一定的影响。

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光圈太大，最明显的影响就是景深太浅，容易导致主体整体中的部分不在焦点范围之内，致使主体部分失焦。而光圈太小，比方说 f/16 以下，会产生一种衍射的光学现象，直接导致画质瞎想，表面开始模糊。

当然，光圈对于画质的影响也要因镜头而定，有些高端镜头可能全开光圈画质都非常好，但是对于入门镜头来说，还是尽量不要将光圈开的太大或是太小。

3、镜头或滤镜的品质太差

一分钱一分货，那些高端镜头卖的那么贵是有道理的。它们的光学设计和镜片的用料品质一定都是经过无数次的测试和打磨的。而为了控制成本，当然也会有那些并不那么讲究的镜头了，也因此那些入门套头或者一些平价镜头可能并不会拍出那么高的画质，尤其是开大光圈时焦点主体的边缘部分的画质可能会让人难以接受。我们说一些平价镜头好，多半也是相对于性价比来说的，在这个价位能做到这样的效果已经很不错了。

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当然我在这里还是要说所谓的高画质还是要因人而异，有些人追求高认为这样达不到自己的要求，但是可能对大部分人来说这样的画质已经足够。

不光光是镜头，可能有的时候我们为了保护镜头还会用上滤镜，但是一些廉价的滤镜一定是会对画质有影响的，如果你用了廉价的滤镜，而又觉得镜头拍出来的效果不好的时候，不妨将滤镜取下再拍看看，可能问题真的出在滤镜上。

这里的个人观察的喜好，取决于自身的经验，也就是说，我们拍下的内容通常能够说明我们是怎么样的人，我们通过照片内容说故事，而这些故事，往往和我们自己有些许联系，因为产生了共情，所以我们想要记录下来，因此，也可以说，我们拍下来的故事里，多多少少都会有我们自己的影子。

街头摄影师会将他们的相机作为记录和分享想法的一种方式，在你的画面中，想要表现的是什么样的主题？是悲伤还是焦虑，是兴奋还是无聊？随着你下来的照片越来越多，这些内容也就越来越明确，同时在你下一次出去拍照的时候，也会不自觉的去主动寻找这些内容，拍下更多的照片让你的主题系列更加充实更加丰满。

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对于刚刚开始接触街头摄影的人来说，可能会太过于想要拍出更多不同的照片，于是他们会不停的走，想要在一天之内多去几个地方，这样，在不同的地方就又可能找到更多不同的可能性。有的时候这种方法非常有效，我们总是在同一个场所待着，拍出来的内容可能也就大同小异毫无新意，而去不同的场所，在不同的背景下，即使是同样的内容，也会带来一些新鲜感。但是有的时候可能也会让拍摄更加困难，因为我们不可能每次到达一个新的地点的时候都能够碰到有趣的画面。

不管有没有目标，事实上每一名街头摄影师在出去拍照之前都已经在心中预期了自己今天想要拍出什么样的照片，可是现实常常事与愿违，自己想要拍的内容怎么也找不到，却拍到一大堆其他类型的照片。这没有关系，一旦开始街头摄影，就不要给自己设定太细致的目标，因为环境是随机的，不可能永远都会跟随我们的计划。看到好看的画面就拍下来，不管它有多么的与众不同，拍下来之后再去思考这个画面究竟说了一个什么样的故事，又处在你的什么样的风格类型之中。

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一张照片的技术完美，像是那些好看的风景照片，它们真的很好看，可以被印成海报贴在墙上，可以被制成明信片将风景传递给对方。但是也仅此而已，这样的照片，看过了就忘了，这样技术完美的照片，你能拍出来，别人也能拍出来。找对合适的机位，用合适的参数，所有人都可以快速的复制。

而情绪，是无法复制的，每个人在这一刻所表现出来的情绪，过去了就没了。

作为一个静态的媒体，照片会冻结住时间，你在照片中看到了人，看到他的动作，或是快乐，或是悲伤，你却不知道上一秒发生了什么，更不会知道下一秒将会怎样。于是一切只能靠你的想象，脑补会让一张照片更加伟大。

很多时候，摄影师并不会讲故事，他只是创造了一个空间让观看者能够主动的参与其中，故事不属于摄影师，故事是每个观看者的。

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在拍摄街头中，完美是很困难的，我们总是希望自己拍下的照片都能够尽可能的完美，有完美的曝光，有完美的构图，有完美的焦点，但是对于以快取胜的街头来说，有的时候只需要记录，一个有情绪的画面可能比一个完美的构图更加重要。

有的时候一个略微失焦或者构图并不那么工整的照片可能还会更有味道，因此它的瑕疵，所以显得更加真实。

所以不要总是想着拍出完美的照片，而应该将更多的注意力放在完美的瞬间上，只有捕捉到了完美的瞬间，才是街头摄影的精髓。

每个人都在谈论风格的重要性，每个人也都在寻找属于自己的风格。但是，摄影风格到底是什么呢？

在这个人人都是摄影师的年代，每天都有数以百万计的照片被拍摄出来，不管你信不信，在这个时代想要创建一种只属于自己的独一无二的风格基本上已经是不可能的了，要知道你绞尽脑汁能想到的每一个好点子都有可能被别人想到过并且付诸于实际。

一种风格红了，可能就会引来无数人的模仿，变成千篇一律看着都烦的网红照。

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然而这样并不意味着我们就不能找到属于自己的风格了。风格依然会存在，即使并不是自己的专享，但是只要我们用好了并将其扩展，拍出更好更优秀的照片，这就是属于我们自己的个人风格。

换句话说，每个人都可以垄断自己的作品，但是却不能够垄断某个创意。只有将一个好的创意发挥到了极致，才是属于自己的最佳风格。

但是不管怎么说，风格这种事情都是坚持的产物，一两张几十张照片成就不了风格。当你的职业生涯越来越漫长，你拍摄的照片越来越多的时候，你的风格自然而然的就形成了。经过多年的经验，你的用光方式，你擅长使用的镜头，你最常拍摄的主题，这些，无一不成为你的风格的证明。

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做到这一切的前提就是我们所计划的拍摄目标和拍摄主题，在这之前则是灵感，灵感从来都不是凭空而来的，每个灵光一闪都来自于日常的累积。很多时候，我们接触一项创作都是从模仿开始的，毕竟在我们面前已经有了这么多优秀的作品让我们学习研究，同样也是让我们去攀越的高峰。

灵感固然重要，每一名创作者都应将自己的灵感视若珍宝，但灵感却不是随时随地都有的，也并不是所有的灵光一闪都有立马实现的可能。很多时候，我们的工作都会从模仿开始，毕竟那些前辈大师用他们的智慧和实力为我们奠定了一幅幅让我们攀越的高山。

Photo by Jim Flores on Unsplash

可是必须要明确的一件事是模仿并不等于抄袭，我们可以在日常的练习之中全盘模仿他人的成功之作，这样对于提高我们的技能有很大的帮助。但是要知道那并不是我们自己的风格，我们要做的是理解并且加以融汇贯通，我们需要在不断的练习之中思考，思考别人成功作品的构成，思考我们要如何在作品之中加入自己的情绪，不管是内容中所要表达的情感，还是表现内容所用的角度，还是色彩甚至是故事，都要有我们自己的深刻烙印。将自己的元素自己的特点自己的感触融入进我们自己的作品之中，这才是属于我们自己的风格。

世界如此之大，想要创造出之前独一无二的从来没有人涉足过的题材已经是几乎不可能的事情了，所以我们不需要太过于纠结想要创造形式上的独特，我们应该去追求的是内容上的统一，让我们拍下的每一张照片都能够和我们的内心世界相通。我们所认为的，我们所感受的，我们所看到的这个世界的方式，就是我们自己的风格，我们看世界的视角，就是我们的作品的独特性。

然而极简却不等于空洞无物，拍摄一张可以跟观看者对话并且具有一定意义和目的的照片和拍摄一张简单却没有内容的照片之间究竟有什么样的界限？今天就来说说拍摄一张极简照片有几个步骤。

1、一个主体

通常，大多数极简照片只有一个主体，它同时也可以作为画面的焦点。就像下面这张照片，球门就是主题，而天空和地面都是衬托球门的背景。

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2、简化

在照片中简化和消除干扰是拍摄极简的一个重要步骤，有的时候，外界的世界太过纷乱，我们只需要向前走几步就可以了。将干扰排除在画面之外，剩下的就是极简的主题。

3、负空间

提到极简主义摄影，就不能不提负空间，负空间说白了就是留白，通过大片画面中的「无内容」来创造画面内容上的极简。

但是对于摄影来说，负空间却并不仅仅只能指空白区域，因为在现实拍摄环境之中，想要找到大片的纯色的空白区域来拍摄是非常困难的，我们不能够控制环境元素，但是可以寻找可以利用的有效环境元素。因此这里的负空间可以指代其他中性的，重复的低影响元素，可以是纯色的空间或者是纹理。

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负空间的典型是大量的重复，不管是元素的重复还是色彩的重复，重复的目的是为了让它没有重心，也就不会影响到画面中的主体。但是在选择负空间的时候还需要特别注意，千万不要与主体冲突，一定要与主体区分开来，像是在色调上选择与主体色调互补的颜色以保持视觉平衡，实现视觉上的美感。

4、构图

极简主义的关键要素就是少即是多的概念。我们要做的就是让画面保持简单、轻巧和整洁。

但是，保持简单并不意味着我们要保持沉闷。大部分人拍摄极简作品的问题就在于内容太枯燥，虽然看起来画面很简单但是完全没有能够让人眼前一亮的内容，所以看完也就忘了，就像看到一面墙一样，墙上什么都没有，也就没什么意思了。

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Photo by EMILE SÉGUIN on Unsplash

拍摄极简主义照片是非常需要创造力的，我们可能需要精心布置主体元素来传达想要表达的内容，而这种概念需要大量的练习和摆放的调整，直到它们成为我们想要的画面。

除了利用摆放元素的方式来达到想要的效果，在很多场合我们是没有办法对眼前的画面元素进行干扰的，这个时候我们可能就得需要利用景深来将主体和背景分离，通过模糊的背景来分散注意力，给人制造一种极简感。

5、故事、情绪

拍出一张不枯燥的极简主义摄影的重点就在于讲述一个故事。在拍下这个画面之前，我们应该问问自己画面中的元素能否推动故事向前发展，或者是会阻碍故事的发展。在画面中，对称、线条、图案甚至于阴影都能够扮演讲故事的角色。

有的时候故事和环境会自发的聚集在一起，而拍摄者的人物就是从找到这样的画面并且迅速的做出反应，可能需要一些耐心才能够让正确的主体穿越我们想要拍摄的画面。

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极简主义同样也是一种视觉的陈述，画面中可以帮助我们讲故事的细节被简化，元素减少，大量的空间被“无”所代替。一张好的照片一定会传达某种意境，像是故事、信息、情绪甚至是概念，极简摄影也不例外，就像我最开始所说的那样，如果只是一味的注意「简」而忽略了照片的内容，那这样的照片只会是一张平庸的照片，被看过以后再也不会被提起，而只有那些传递信息的照片，才注定能够永恒。

特别是刚开始的时候，我们的肌肉记忆跟不上我们的思维，往往看到画面还没来得及拿起相机，那画面就消失了。

好的画面经常会出现，但我们要确保如何在它们发生的时候用最快的速度将其记录，这才是街头摄影师必须要做的功课。

1、相机的选择

对于街头摄影来说，好像并没有一种特定的器材。有些人喜欢用广角去捕捉瞬间的表情，有些人则喜欢用长焦远远的去记录，有的人却钟情于可进可退的50mm。

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街头摄影不同于其他题材的摄影形式，我们可以有充分的时间去准备，街头摄影需要捕捉瞬间的真实，这就需要摄影师抓住瞬间的能力，首先要快，其次就是「不介入」不去干扰被拍摄的主体，只有这样拍下来的情绪才是真实的。想象一下，如果你举着一台巨大的相机走在街头，很难不引起别人的注意，这就是相机的「侵略性」。所以大多数的摄影师会选择偏小的相机，像是PS（point and shoot）相机，或是旁轴相机。

虽然胶片时代的单反相机和旁轴相机在体积上来说没有什么太大的差距，但是单反相机的快门需要触及反光板的移动，这样势必就会造成清脆的快门声，这个快门声在平时可能听起来悦耳动听，但是在「不介入」的前提下，可能就会比较刺耳了。相比之下旁轴相机的快门声就非常轻，可以在毫不瞩目的情况下完成一次快门。所以很多街头摄影大师都偏爱旁轴相机，因为旁轴相机的最好的是徕卡，所以给人一种大师都用徕卡的感觉，但其实是街头摄影大师习惯用旁轴，如果是风景、人像这样的创作型摄影师，用徕卡的可能就没有那么多了。

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拍摄街头最重要的是随机应变的敏捷性，而敏捷性又受到相机重量的制约，拿着一台很重的相机很难单手完成拍摄，必须借助双手，同时想要自由的控制角度也并不是一件容易的事。

也正因为如此，除去旁轴相机以外，紧凑型相机（Compact Camera）或者 PS 相机（Point and Shoot）——随你怎么称呼它——可能是最适合拍摄街头的相机。它们的体积很小，可以随意的放到口袋里面去，我们可以在不经意之间掏出来按下快门完成一次拍摄；它们是那样的不显眼，也就不会使街上的陌生人产生压迫感；它们大多数都是 28mm 或者 35mm 的广角镜头，可以让你轻易的融入到人群之中，在捕捉人物的同时，也代入更多的环境来帮助主体完成一个故事。

当然，回到最开始的话，街头摄影对器材并没有一定的限制，只要能用好，任何器材都可以帮助你创作优秀的作品，当然这些都要取决于我们自己的拍摄习惯。

每一台相机都有拍出好照片的能力。能拍出好照片的相机，都是好相机。

2、相机的设置

很多情况下，这个画面你看到了，你准备拍了，却因为相机设置问题没有拍好。因此有一个适合的设置来帮助你更快更准的捕捉瞬间更加重要。

我不能告诉你什么样的设置最好，因为根本不存在最好的设置，光圈？快门？操作模式？这些都因使用者的使用习惯不同而改变。

在白天光线充足的时候我会使用 f/8 左右的光圈来获取更多的景深，快门在 1/250s 或更快以更好的捕捉，所有的这一切我都会提前设置好，需要的时候按一下快门就可以了。而在室内或者夜晚总是会不可避免的将光圈开大，但快门我不会低于 1/60s，否则一点微小的动作或者自身的抖动都会使得画面模糊。

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我会使用区域对焦，在熟悉景深尺的情况下，很容易能够预估当前光圈的景深范围，也就知道主体距离我多远可以拍摄到清晰的画面。因此不需要刻意去不差分毫的对焦，可以直接按下快门，当习惯了取景后，甚至不需要看取景器。

当然这是我个人的习惯，也并非最好。对你而言最好的设置永远是你在熟悉自己相机的前提下最得心应手的设置。

生活中没有假如，你看到了那个美好的画面，却没有记录下来，你告诉自己假如拍下来了该有多好。但是错过了就是错过了，永远都不会再出现，只能继续等待下一个美好画面的到来。

3、街头摄影的误区

低ISO：

我们都知道高感会带来高噪点，所以我们很多时候在设置相机的时候会主动的选择低感，但是感光度太低了的最大的问题就是曝光不足，必须要开大光圈或者降低快门速度才能平衡，而这些在街头摄影中都不是上策。街头摄影重点是捕捉瞬间，快门太慢很容易就会让瞬间跑掉，而大光圈会带来浅景深，也可能会很容易让我们想要拍摄的主体失焦。

要知道，就算是在胶片时代，1600度甚至于3200度的高速黑白卷也大多数都是街头摄影师来用的。

对主体的恐惧：

对大多数人来说，街头摄影很难的最主要因素不是来自于这些外因，而是来自于自己内心的恐惧。

其实这很容易理解，我们生活在一个看似开放却封闭自我的世界里，人与人之间都有一堵无形的墙壁，每个人都有自己的空间，用手机为自己套上了一层保护罩，我们很难去接近一个陌生的人，我们对陌生人可能也都会抱有戒心。

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对于很多那些想要拍摄街头的人来说，他们会担心，万一拿着相机拍摄陌生人的时候对方生气了怎么办，场面会不会很尴尬。于是犹豫不前，不敢举起相机拍摄看到的精彩画面，只敢用镜头对着无趣的花花草草街道建筑。

不管是使用 28mm 还是 35mm，甚至是稍长一些的 50mm 左右的焦段，它们都会带来一个问题，想要拍摄清晰主体并使其在照片中占据一定的位置，我们必须要靠近。

可是大部分人在街头拍摄陌生人还是会面对恐惧，害怕自己的拍摄会造成对方的反感。

保持距离也会增加安全感和消除不信任感，毕竟很多人都不愿被镜头正怼着脸，根据你的经验，选择你认为最合适的距离，并且在拍摄的过程中用经验拉近这个距离，而不是上来就横冲直撞，那我只能说少年祝你平安。

很多人拍摄街头，包括那些大师都习惯使用超焦距，选择一个适合当前环境的光圈，这样就可以在一个熟悉的距离内，哪怕不用看取景框，仅仅凭借肌肉记忆也能够准确的对焦，这样就避免了眼平镜头直接怼人的尴尬。

主体的选择:

街头摄影的主体有很多种选择，但绝不包括大长焦拍美女，不管是刻意的摆拍还是有意的在街头寻找拍摄对象。

街头摄影之所以吸引人，是因为它有着经过设计的摆拍摄影和风景摄影所不能有的特质，那就是用一张照片来说故事。

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故事有的时候是很微妙的，并且会被其他照片中更加突出的特征所覆盖掉，像光影，像色彩。但是有的时候也是很强烈的，就像 William Klein 拍下的那张举着枪的小孩。

当然并非所有的故事都需要那样夸张的肢体语言来表现，更多的是一种平静的展开，好的照片可以让观众展开联想，从照片中的人物的一个表情，一个小动作来想象照片中的人物下一秒钟会做什么事，从而展开这个人物在他们自己心中的故事。

举个简答的例子，就像尤素福卡什的肖像，大部分人观看的重点可能是他镜头中所表现的那些名人，而对于摄影师来说就会仔细研究照片中的细节，寻找那些阴影和高光的对比，然后从中得到一些启发。

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如果你的相机里只剩下一张底片，你会用来拍什么？不论如何，你肯定都会更加珍惜这次快门的机会，不会轻易将它用掉。当然，一张底片可能有些极端，其实拿数码和胶片做类比就可以了。使用胶片来拍照明显会比数码慢很多，毕竟按下的快门都是钱。

拍的慢了，拍的少了，未必就会拍的差，相反，可能会拍的更好，正是因为我们放慢了脚步，才使得我们在按下快门前有更多的时间去思考。

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胶片拍得多了，就算再转回数码也不会成为快门狂魔，这其实是也是拍胶片带来的好习惯，除非是需要抓拍的场景，思考总比删片要有效率的多。

而胶片是没有屏幕让你回顾自己拍下来是什么样的照片的，你必须要对你的曝光有一个预测，这样才能清楚知道自己这张照片有没有拍好，要不要重拍，有时候机会其实并不只有一次，就看你知不知道自己要不要重来。而这个过程，也会让我们更加加深对于照片本质的理解。

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对于观看的练习，摄影师 Minor White 曾经有过这样的练习，他将他的学生带去一个布满岩石的海边，在这里，面前是广袤的太平洋，背面则是各种各样不同的石头组成的岩石森林。这些石头经过海水和狂风的冲刷，变得柔软而坚硬，风和水在将石头雕琢成了各种各样的形状，石壁上也有错综复杂的图案，仿佛来到外星世界一般。

而 White 则会要求他的学生在这里练习构图，以帮助学生们来培养他们的「原始视觉」。简单点来说，在这里拍到的每一块石头，都是不同的。而他希望他的学生来拍摄的画面正是如此：不要拍摄自己熟悉的形状和形式。

拍的形式多了，在遇到新的内容的时候很容易就会找出相似性，在按下快门前对于画面的组成也就有了一定的预判，知道要怎样摆放画面中的元素才更容易突出主体。所谓的构图，更多的是大量观看照片和练习，对画面有了了解之后的一种条件反射。构图本来就是一个空洞的概念，照片好看了，自然就有了一个好的构图。好看照片的原则，就藏在我们看到的那些照片的细节之中。

但是在夜晚拍照就没那么简单了，拍照的本质是捕捉光线，因此光对于拍照来说是决定性因素，光线的强度决定了曝光三要素的组成，而在弱光环境下，由于光线不足，可能需要长时间的快门才能够让足够的光作用到传感元件上。也正是因此，弱光摄影并不是一件容易的事儿。

由于胶片的感光度是固定的，大部分的常用卷的感光度都在400以下，所以使用胶片拍摄大多都会选择光线环境好的时刻，在夜晚，甚至于在室内环境下如果不注意控制快门速度，即使光圈开到最大，在没有外部光源辅助的情况下，也很容易欠曝。

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而现代数码相机则由于感光度的灵活，在弱光摄影中的表现要强过胶片相机。可能在早期，数码相机刚刚发展的时候，数码相机的高感控制很一般，同胶片一样，超过 800 的感光度就会出现不可控的噪点，但是如果说胶片的颗粒可能还有一些美感的话，噪点就实在是太难看了。不过近些年的大部分数码相机的高感控制都已经足够出色，在高达 6400 的高感下都能够很好的控制噪点，更不要说有些专门为高感而生的黑科技相机了。

在晚上拍照要注意些什么呢？

1、选择合适的器材

虽然变焦镜头更加方便，但是定焦镜头更容易做到大光圈，并且相对来说比较便宜，胶片时代的标头大多都是 f/1.7 或者 f/1.8，哪怕是 f/1.4 的 50mm 定焦镜头的价格也是大部分人能够接受的。而数码时代各家的 50mm f/1.8 应该也都成了入门标配，在弱光环境下，开大光圈不得不说是一个必要的选项。

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一般来说，只要选择安全快门以上的快门速度都不会有大碍。安全快门取决于焦段的长短，焦段的倒数则为安全快门速度，像是 50mm 的镜头的安全快门就是 1/50s，对应标准档位就是 1/60s，而 100mm 的镜头的安全快门就是 1/100s，对应标准档位就是 1/125s。

当然所谓安全快门也只是一个公认的数值，如果你真的有一双金刚铁手的话，也就不用担心了，具体的使用还是要因人而异。

安全快门只是我们能够控制的最低快门速度，如果我们的拍摄对象在移动的话，想要固定他的动作，还需要大幅提高快门速度。

如果我们拍摄静止的画面，并且携带了三脚架或者能够将相机固定的话，就可以利用长曝光来保证进光量了。固定相机拍照需要注意的是，尽量不要直接按快门，可以设置倒计时快门或使用遥控器来操作快门，这样可以最大限度的避免因为按下快门那一瞬间造成的机震。

2、选择合适的设置

弱光环境下最好不要使用光圈优先或者自动曝光，因为那样很容易因为光线的不足让快门速度变得很慢，造成不可避免的抖动就不说了，还很容易错过拍照最好的时机。

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确定一个快门，让相机来选择光圈和感光度，但是即便如此，也应该尽量选择你可以控制的最慢快门，否则就像上面所说的，光圈感光度都到极限了可能都没办法满足你选择的快门速度。

对于弱光摄影来说高感是不可避免的，数码和胶片最大的不同就在于高感。相对来说，ISO 800 的胶片就能算是高速卷了，而 ISO 800 的数码才刚刚起步，超过 ISO 800 的胶片则非常昂贵，因此高感可以说是数码最大的优势了。

早期的数码相机可能对于高感的控制并不是那么好，但是随着技术越来越进步，传感器的高感也越来越可控，像我在晚上出去拍街头的时候相机的高感经常控制在 6400，成片也非常好，完全可以接受。

3、使用手动对焦

自动对焦系统虽然很方便，但是也有不那么准的时候，尤其是在面对低对比环境或者弱光环境下，很难判断对焦点，当你半按快门的时候只能感受到镜头在无止境的拉风箱。

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在光线不足的情况下最好使用手动对焦，手动对焦绝对比自动对焦更加精准，真的是指哪儿对哪儿，而且用习惯了手动对焦一点儿也不比自动对焦慢。

而有些相机系统对于手动对焦还有一个优势，就是可以通过 EVF 来实现峰值对焦以及放大对焦，能保证准上加准。

习惯是慢慢养成的，如果你觉得自己还没有养成某种习惯，不妨来看看下面这些，试着做一做，可能会对你的拍摄有些帮助。

1、用擅长的领域之外的方式来拍摄

每个人都有自己擅长，或者喜欢的领域的题材，如果你不清楚自己擅长的题材，看看你工作之余为自己拍下的照片，哪种类型占据绝大多数，那就是你喜欢拍摄的题材了。

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虽然你可能也很乐意重复拍摄相同主题的照片，但是你也可能会开始养成一些特定的拍摄习惯，当你以这种方式来进行拍摄的时候，想要动摇原有的模式去拍摄新的事物可能会变得越来越困难。

解决这个问题的方法之一就是用通常拍摄之外的类型来进行拍摄，拍摄需要你所使用的技能完全不同的技能来拍摄，比方说你习惯了用中长焦去拍人像，下一次就试试用广角来拍。逃离舒适区，换一种方式来拍摄可以迫使我们去思考自己在做什么，而不是通过条件反射来完成。

2、你也没有多特别

看起来，摄影入门的壁垒比其他的技能都要低一些，尤其是全民摄影师的现在。这也就意味着对摄影感兴趣的人随时都能进入这个领域，没有什么能阻止他。当然，除了不切实际的器材追求和钱包之间的矛盾。

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所以，有一台好相机也不会让你与众不同，自称摄影师也不会让你与众不同，拍出一些让自己满意的照片，这很好，但依然不能让你变得与众不同。

网络风气自然不用说，键盘摄影师最擅长的就是贬低别人吹嘘自己，甚至别人用什么相机来拍照都要拿来踩一脚。当然，他们除了拥有一个键盘也没啥了，我相信大部分摄影师都是很好的。

我们不能控制别人如何来敲键盘，但是我们可以约束自己，尊重他人，像一个人一样讲礼貌。你拍下的照片可能并不能代表你自己，但是你的言行却可以。

3、不断学习

对任何行业来说，这都是不能忽视的重点。

摄影世界也在不断进的变化之中，新技术、新器材和新的拍摄思路都在不断涌现。

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在学习新事物的时候，我们可能会有很多想法。有些想法可能听起来有些荒谬，不可能解决。但是面对困难，不可能的挑战是最快的学习方法之一。想要获得想要的东西，我们必须按照自己的步骤来解决问题，即使结果不尽人意，但我们肯定能从过程中学到一些东西。

4、不要免「俗」

摄影发展到今天，宏观世界下，可以说几乎没有一种题材是摄影师们没有尝试去拍摄过的了，可能你感兴趣的主题你经常拍摄的场景已经有很多摄影师拍过无数遍了。

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不管是人像，动物，还是风景。你在网上搜某个风景区，可能能看到成千上万张看起来差不多的照片。那么我们也要拍出下一张「差不多」的照片吗？

当然。看到这些看起来都差不多的照片我们可能会感觉无聊，但是我们需要问自己的是，为什么它们会变得「俗气」，是什么吸引着人们一次又一次的去拍摄这些内容。

其实它们之所以「俗」，还是因为人们喜欢它们。

你的照片的观看者不是摄影师，不拍照的人才不会管这张照片有没有人也拍过，所以，不要害怕去拍摄自己喜欢的内容。

同样是复制经典伟大的作品，有些可以是致敬，有些却是抄袭。如果我们想要模仿其他摄影师的作品或者仅仅只是简单的技术（像是构图、曝光、后期的影调等等），那么我们至少要得花一定的时间去研究对方的作品，弄懂得到这个结果的过程并归为己用，其实这些对于我们还是有很多好处的。

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当然，这最好仅仅只存在于非商业世界里，为了个人目的的模仿，应该视为学习的一部分，是值得鼓励的。但是如果是为了其他某种特定的目的去模仿，不论是为自己博得名气，还是商业上的利益，都是不怎么道德的行为。

甚至于我可以肯定的说，我们在创作的过程中都曾经模仿过别人，毕竟摄影发展这么多年，很少有原创的从来都没有人拍过的主题了，每种题材每个公共的场景可能都早已经被拍了成千上万遍，只是可能并不是那么生硬的照搬，我们可能从某张照片中借来姿势，从另一张照片中借来光线，再从其他的照片中借来构图，等等等等。涉及到创作的时候，要真正的做到完全的原创其实是很难很难的，在现在这个社会，想要将自己完全同世界隔离开来几乎是不可能的事情了。

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那么，如何从单纯的模仿他人转变为以他人的作品为灵感呢？

很简单，思考，然后加入自己的内容，当你开始将自己的体验加入到所创作的作品中的时候，差异就产生了。当作品能够明确的反应你对世界和所表现的场景内容的自己的看法的时候，这就是属于你的独特的作品了。

这就是所谓的风格，想想那些伟大的肖像摄影师或者风景摄影师，像是尤素福卡什，安塞尔亚当斯，我们往往一看到同类型的照片就能够想到他们，这就是风格的烙印对我们的影响。

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模仿本身就是学习的一部分，就算那些伟大的艺术家们也曾经临摹过前辈的作品来提高自己的水平。模仿的越好，自己对这项技能的理解就更加透彻，水平自然也就得到了提高。就像上面所说的，如果是为了练习、学习而进行模仿，这种行为应该值得鼓励。

当人们开始思考作品的意义并且将自己的思考以及对于作品的理解加入到其中的时候，这些作品才会真正变成你自己的作品。

这是我们最开始选择构图的方式。不同的人，甚至是不同的时间，我们都有可能会选择出不同的照片，每个人都有自己的观点，都有自己的一套用画面表达内心的方式，而构图同样也不是一成不变的定律。每一张照片，都有可能会满足一种诉说故事的方式，引导你进入画面中，从照片中读出自己的故事。

拍得多了，我们自然也就形成了自己的风格和拍照片的方式，不再需要在同一个场景上拍下很多张照片来回挑选这样没有效率的工作方式了。事实上，只要举起相机，看到取景框里的世界，我们自然也就知道要用什么样的方式来选择画面，直到按下快门键。

就像有些人看到画面的瞬间就会想到框架的划分，就像下面这张照片，海天交接将画面均分成两个部分，而鸟和太阳也作为亮点来点缀画面。

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当然，不要被三分法或者等分法给束缚住了，它们并不一定必须得是均分，就像下面这张照片，也同样有一个稳定的框架，画面被三分为天、海、沙滩三个部分，三个部分都有明确的分界线。

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这取决于我们重点想要表现什么，如果前景中有我们想要突出表现的内容，只需要将相机的视角下移，多拍一些沙滩的内容就可以了。

分割同样也不一定是平行于画框，甚至不需要填满整个画框，就像下面这张照片，同样有着自然的分割。

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下面这张照片，同样以海浪作为自然分割线，将画面的情绪自然的分割开来。

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构图的意义就在于用什么样的方式来吸引我们的视线，而画面框架中的分割所形成的分割线则会成为自然的引导线，引导我们的视线从分割线上发散开来，进而观察到整个画面。

重要的是要研究我们喜欢的照片，了解我们为什么喜欢那些照片，了解为什么这样的构图能够引起我们的共鸣，这样才能够活学活用，下一次当我们举起相机的时候也能够利用同样的构图规则来组织我们的画面，而不是简单的套用那些构图定律。

既然拍了，就不能随随便便的拍，不拿出点真本事来他们都不知道为什么你单身越久拍照就越好。

拍摄情侣照的时候最重要的是情侣之间的交流，可能不需要紧拥或者亲吻这些强烈的表达爱意的肢体动作，只需要一些小动作或者一个眼神就能够表明他们之间的关系，今天就来说说拍摄情侣照的时候那些常用的小动作。

1、其中一个人可以从身背后轻轻的抱住对方，这个时候他们可以看着相机也可以看着彼此，总之只要自然就好了。如果想让情感的表达更加浓烈一些，还可以让他们互相亲吻对方。

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女生同样也可以从背后抱住对方，由于身高差的问题，女生站在身后的时候一般都是头靠着男生的肩膀，这个姿势看起来会很轻松，对于那些在镜头前比较紧张的情侣来说，可能会使一个不错的选择。

2、情侣之间面对面站着，女方将手臂轻轻的放在男方的胸前，如果身高差足够的话，男孩子也可以将下巴贴近女孩子的头上，鼻子闻着她的发香，或者直接亲吻她的额头。这个姿势可以唤起爱意的归属感，同时也能够帮助我们的拍摄对象放轻松。

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3、让男生背起女生或者让女生冲上去让男生抱住，这样的动作总是充满欢乐并且充满动感，抓拍的过程中总是会不小心拍到意想不到的好画面。

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4、黑白可以放大情绪，其实剪影也是一样。这种拍摄方式虽然是老生常谈也不新鲜，但是如果有合适的场景拍一拍也是不错的，尤其是可能你觉得太寻常但是对别人来说就是珍贵的记忆。

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5、当然我们也可以给他们留一点空间，让他们自己聊聊天，我们则从距离被摄者很远的地方来拍摄，不管是走着还是坐着，用路人的视角来拍他们，但是要注意捕捉他们之间的目光接触或者互动，这样客观的表达会更加真实也更加动人，但是要注意，在城市里可能会因为背景太过杂乱而干扰到主体，最好是选择没有干扰元素的场景下进行拍摄或者是用大光圈将主体和人像分离开来。

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6、细节同样也可以用最简单的方式来表现主题，而细节最简单的表达方式就是用肢体的接触来表现。在拍摄的时候观察对方的小动作，然后跑到他们面前拍一些肢体接触的细节照片吧，但是要注意隐身啊。

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7、如果是在家中拍摄，就可以拍一些常规的亲密场景，像是闲暇时刻一起腻歪腻歪的样子。如果是在陌生的场所可能会有些拘谨，这样的照片最好是在他们的家里，自己熟悉的场所拍摄，让他们做出平常的样子就好。

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当然也别忘了让家里的宠物一起入镜，这样才是一家人嘛。

而有的时候，想要拍出一些更有特色的作品，却往往需要打破一些规则。

今天就来说说那些常用的拍人像的方法。

1、改变你的视角

你最常用的拍人像的视角是什么？站着拍的眼平视角？蹲在拍的腰平视角？还是直接趴着拍的仰视视角？

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大部分的人像都是在眼平或者腰平视角下来拍摄的，但有些的时候，我们也可以用一些特别的角度来拍摄，比方说站在高处的俯视视角，或者说趴在地上的仰视视角。

其实根本就没有一个所谓的完美角度，由于每个人的表现力都不相同，而且我们每一次拍摄的主题也不相同，在一个人身上拍出来的你认为最好的角度，在另外一个人身上就感觉不怎么样，因此我们在每个人身上都要多尝试几种角度，以发掘出她们所能够表现出来的对于她们来说最好的角度。

2、眼神交流

眼神的交流并不是说一定要让你拍的人盯着你的相机看，这个交流当然可以是拍摄者和你之间的交流，不过也可以是被拍的人和画面的交流。

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比方说让你的拍摄对象将注意力集中在相机视野以外的地方。这样可以吸引观看者对画面产生兴趣，想要了解模特所注视的内容。尤其是当被拍摄的人流露出某种情绪（喜悦、惊讶等等）的时候，这种吸引力会特别强烈。

又或者，你可以让你的被摄对象注视着画面内的某个人或者某个物体。这样就可以为画面创造第二兴趣点，与你的主要拍摄对象之间建立一种联系，有助于在画面中创建故事。

3、关于构图

关于构图，自然就会有很多构图的规则。可是，虽然构图规则对于创建镜头语言有很重要的作用，但是并不一定就是说所谓的构图的规则就是一定不能违反的。换言之，任何一种方式都，只要能够有效的引导观看者对于画面内容的理解，就是一个好的构图。

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就像我们熟知的三分法，并不一定每一次拍照都要将主体放置在画面的三分之一处，将主体放置在中心处可以增强主体的力量，而有时候将主体放置在边缘也会让画面变得更加有故事性。

当然，一切的构图都是为内容服务的，正如上面所说的，只要能够正确的引导观看者对画面内容的理解，就是一个好的构图。

4、自在的拍摄

有些人，拍人像的时候总是喜欢要求对方要怎么样来摆姿势，而这些姿势可能只是他们习惯的经常会拍的，对于非专业的模特儿来说摆一些自己不常做的动作可能会更违和。

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在对方擅长的主题上来拍摄，这会是对方更加自在，我们总是可以在拍摄对象所处的环境中，在他们自在的反应中拍到一些不错的照片。我们甚至可以用长焦镜头，像狗仔一定，给对方留出空间，拍出真正坦率的照片。

尤其是在儿童摄影中。

5、借助一些小道具

一个合适的道具，绝对可以为照片加分，不管是人像，还是产品，甚至是风景摄影，道具的运用都能够起到画龙点睛的作用。

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因为我们选择搭配画面的道具并不是作为画面的主体出现的，所以道具的作用就非常简单了，改善构图并且添加一定的视觉锚点来辅助主体的表达。

其实身边的任何一个小物件都能够成为我们拍人像的道具，一张椅子、一个小配饰、一盆花、一张毯子、一定帽子等等，所以我们根本不需要去额外购买什么的道具，就算是日常生活中常见的一些物事，像是一本书、一个气球、一盏台灯、甚至是一个拖把都能够让画面看起来更加生动，也有助于我们拍出更有故事感的照片。

6、专注于身体的一部分（然后靠近！)

在拍摄的时候，我们可以使用长焦镜头或者靠近对方，这样我们就可以拍摄主体身体的部分，像是眼睛、手、腿、嘴巴等等。

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部分的人像，会带给观看者更多的想象空间。

有的时候，没拍的内容带给照片的故事比拍摄到的内容还要多的多。

虽然我常说拍照这件事儿并不是看你的相机有多好。但是在这里我还是要说，在你选择自己的第一台相机的时候，还是要在你力所能及的前提下选择最好的那台。对于我们来说，最好的那台相机不一定需要那么多的功能，但是一定要得是用的最顺手的那一台。

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问题是，对初学者来说，要选什么样的相机？这也是朋友们经常会问我的一个问题。首先我想要说根本没有一台相机是为初学者准备的，这世上有这么多种相机，任何一台相机都可以作为你的第一台相机，不同之处就在于功能的多少，有些功能可能很实用，而有些功能可能就是厂商换个壳子加个无关痛痒的设计推出新型号来刺激一下销量。而相机的好坏功能的多少，最大的决定因素可能还是你的预算吧。

单纯就技术上而言，在同等价格段位档次下，现代数码相机之间的差距其实并没有那么大。选择什么相机无非就是一个入门，说到底也就是选择品牌的问题，入门才知似海深。在选择相机的时候，不应该仅仅只局限于机身，而是应该看得更加长远一些，扩展远比机身重要。

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而如果你仅仅只是想要一台消费级相机而不考虑将来的升级，其实现在来说，什么相机对你来说差距都不大。不要指望买了一台相机就能拍出那些高大上的照片了，影响照片的永远是人，相机说到底只是一个工具罢了。

2、有一个长期的拍摄项目

摄影是一个广泛的概念，尽管刚刚拿起相机的我们总是什么都想拍，但是每个人都有自己擅长拍摄的主题，有的人喜欢拍街头，有的人喜欢拍风景，有的人喜欢拍人像，有的人喜欢记录生活。现在这个环境下，想要依靠单一的照片可能只会因为照片的好看获得暂时的流量，而让你真正获得认可的则是长年累月的不断拍摄的主题。

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没有人一开始就能成为大师，所有的大师都是建立在无数次的快门之上。其实说是摄影项目，但是也不要想的这么严肃，拍的多了，自然也就能够整理出很多不同的主题，拍完几万张照片，其实我们都能整理出很多个不同的摄影项目。

记住要多拍，拍摄的过程本身就是在体验摄影生活。

3、照片≠主体

照片始终是二维的表现，处在什么样的角度，决定了我们想要拍摄的主体的会是什么样子的。不同的背景、前景以及辅助物的衬托都能帮助观看者加深对主体的理解。从某种意义上来说，我们创作一幅作品就像是创作一幅画，应该精心选择每个元素的位置。

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我们要用什么样的方式来引导观看者的视线以帮助他们更好的理解我们想要拍摄的主体，这些都是需要我们在拍摄的时候去想的，可能拍得多了，这些自然就成了条件反射，不需要花时间去想，但都已经在脑子里了。

4、好故事＞好看的照片

有的时候，我们拍下一个画面，仅仅是因为它好看，我们希望记录下这份美好，也能够让更多的人都能够一同分享我们眼之所见的美丽。而更多的时候，我们希望照片能够说话，用一张影像记录下自己的故事，每次再回头看这张照片的时候，我们总能够想到照片里的时间，照片里的场景，照片里的情绪，还有照片里的故事。而有的时候，我们会记录下别人的故事，虽然我们并不知道照片里的人到底发生了什么，但是通过照片的内容，我们可以想象在他们身上发生的故事。

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照片是能够讲故事的，有的时候，只需要一个动作，一个表情，甚至一个眼神，就已经能够让我们情不自禁的开始幻想照片中的故事，虽然这些故事只是存在在我们的想象之中，而不同的人看到同样的一张照片也可能会想象出不同的故事。但是故事就是故事，不管是怎样的故事，都让看照片的人和照片本身产生了联系。

5、向大师学习

尽管很少有人能够有机会得到大师们的言传身教，但是对于摄影来说我们有很棒的教材就是阅读大师拍摄的经典照片。

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阅读经典是会带给我们很多启发的，尤其是阅读那些伟大摄影师的作品，他们也并不是随手就能拍出那些伟大的作品的。你能看到的那些大师们拍下来的照片，经典的就只有那么些，而他拍下来的你却没能看到的照片，数量何止百倍。

所以不用怀疑那些照片在艺术上的成就，也不用怀疑它们的构图是否真的是马后炮，构图是真实存在的，就在摄影师的眼中，他们用自己的方法在图像之中创建了一种叙事规则，让我们更加容易通过这个规则主动的去阅读去理解照片。

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今天我们就来说一说那些简单的基本拍照姿势，在大多数时候都能够使用。

1、双手叉腰

如果只是想要强调模特儿的上半身，这是最合适的取景角度。

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我们经常能够在时尚摄影或者电影海报中看到这样的动作，它散发着力量和信心，但是也不必要太有力量，我们不需要将这个动作男性化，女孩子将双手放在腰上可以看起来很漂亮，而且这种姿势也可以让腰看起来很细的样子。

我们可以简单的从双手叉腰的姿势来演化出其他几种简单的姿势，有的时候只需要简单改变模特身体的位置，或者转动身体或头部的角度就可以了。

这个姿势可以用于拍摄全身照，半身照或者 American Shot（膝盖往上）。如果想要在全身照中用这个姿势拍照，则一定要注意双腿摆放的位置，尽量不要紧闭双腿，可以适当分开来增加画面的稳定性。

2、坐姿

根据拍摄地点的不同，坐姿可以有无数种变化。通过不同姿势的变化，我们可以让模特儿表现出各种不同的情绪，冷静，坚定，顽皮，甚至是脆弱。通常，由于坐着的时候主体占据画面空间更小，我们可以很轻松的拍摄全身照。

坐姿为女性肖像添加了另一个维度，因为我们可以从不同的方向来捕捉她的样子。

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一方面，坐姿可以是非正式的非常随意的，就像在自己家里一样，怎么舒服怎么来，不需要有什么特别的计划和规则，就像下面两张图一样。

而另一方面，坐姿也可以传达一些特殊的感觉。

拍摄坐姿的重点在于我们可以在画面中引入道具而不会显得太过突兀，而道具可以为画面增加色彩形状或者特殊的纹理，让画面更加有趣。

拍摄坐姿的时候不要太过中心，否则那样会显得有些SQ，模特儿可以用手或者脚来形成一个天然的遮挡。

3、运动的姿势

拍完了静止不动的姿势以后，可以让模特儿活动起来了。动作可以有很多种，最简单也最具动感的姿势当属跳跃了。运动中的模特儿其实是很难拍摄的，我们很多人都习惯让模特儿静止去摆出一个pose，然后做好充足的准备再去拍摄，其实我们都知道，这样看起来会很假。

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在运动的时候，要注意一些干扰元素，像是头发，像是手摆放的位置，可以先做几次试验，然后再确定正确的拍摄方式。

拍摄动作的时候一定要注意选择快门，在光线条件允许的前提下，加速快门，才能冻结瞬间，开启连拍模式，一个动作多拍几张，才能选出最满意的。

另外，降低相机的位置，从地面往上取景，可以让模特儿跳起来的感觉更高。

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姿势是表达情绪的重要媒介，姿势正确了，情绪也就能够更加轻易快速的传达给观众。不论是中性的、快乐的还是其他的情绪，表达是至关重要的。

摆出一些特殊的姿势可以让情绪表达更加直接，但是一定要根据模特儿的实际情况，不是所有模特儿都能够轻松驾驭所有姿势的。

只有最真实的表情才足够吸引人。你可以跟模特儿聊天，聊聊你们喜欢的话题，说一些好玩儿的事儿，让模特儿彻底放松。但是你可不要光顾着陪姑娘聊天而忘了自己到底是要做什么的了，随时准备好手中的相机，随时准备记录最真实的画面。

是变焦不够好吗？当能在同一支镜头中选择更多焦段的时候，当转动变焦环就能够轻松的选择拍摄近处还是远处的画面的时候，为什么要把自己限制在同一个焦段里？

并不是说变焦不够好，也不能说定焦镜头画质一定就比变焦强，那得看跟什么比，1855的套头没有可比性，就是为了方便，好的变焦头素质也不差。但是同样的，好的变焦头，就像是大三元那样，有个最大的缺点，就是牺牲了便携性，它们太大太重了。

由于变焦镜头的设计更为复杂，内部的镜片更多，因此在同等焦段上，重量会远超过定焦镜头，就像一支 Canon 标准 50mm f/1.8 只有 159g，而一支 Canon 24-70mm f/2.8 却有约 800g 的重量。

就算是加上 28mm 和 85mm（f/1.8），一共三支定焦镜头，重量也才比一支 24-70mm f/2.8 稍稍重一点儿。

当然相对于三支镜头，一支镜头的便携性看起来要更高一些，但是有的时候，我们可能并不一定会同时用到广角和长焦。如果有着明确的拍摄目的，比方说拍人或者拍景，选择定焦准没有错。但如果只是漫无目的的随手拍，可能变焦更适合一些。

上面说过不能说定焦镜头画质就一定比变焦强，那得看跟什么比，就像套头一般素质都挺一般，你不能因为套头不行就说变焦镜头不行，变焦牛头还是很厉害的，当然，相对的，价格也在那里摆着呢，随便哪一家一支大三元镜头都要上万元，而一支 f/1.4 的定焦镜头价格都更容易接受。

对更多人来说，定焦镜头还有这些好处。

景深更浅，而花费却更少

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由于设计的关系，变焦镜头很难做到大光圈，可能有些副厂能够做到 f/1.8 的大光圈变焦，但是大部分时候，我们常见的大光圈应该就是大三元的 f/2.8 了。其实 f/2.8 的光圈已经足够大，除非弱光摄影，进光量也已经足够，焦段和主体位置控制的好也能够拍出非常好看的散景。

但是，你们都知道 f/2.8 的变焦镜头的价格。

重量

好的变焦镜头都会很重，就像上面说的 Canon 24-70mm f/2.8 将近有 800g 的重量，而 50mm f/1.2 也才不到 300g 的重量，体积自然也小了很多。如果不想成天举着几公斤重的机器在街头锻炼身体，那么还是选择一个很是的定焦。当然，变焦自然得靠走，不过重量下降了，走两步也就没什么了。

保持一致性

如果说前两点只是关于实用性的问题，那么这一点就是绝大多数摄影师选择定焦的原因了。

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就像那些习惯用 50mm 或者 35mm 来拍摄街头的人来说，它接近自然的视野，换句话说，当你透过装有 50mm 或者 35mm 的镜头来观察世界的时候，你会发现镜头看到的很你眼睛看到的的世界非常相似。

习惯了定焦镜头的视角，我们可以不用担心取景的问题，只需要用双眼观察，看到可能性，举起相机拍下来就是了。

当你习惯于同一个焦段，并用它拍下大量的照片的时候，你会发现照片的视角的一致性，这种一致性让你的作品有了主题性。

放慢速度，迫使是专注于构图

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只使用定焦镜头拍照也会使你放慢拍照的速度。用变焦的好处是，只要转动一下对焦环，你就能迅速的改变画框，你可以不停的拍拍拍而不去思考不同的镜头如何在影像中传达不同的情感。如果画面中有不需要的东西，我们可以很轻松的通过改变焦距让它消失在画框之外，如此一来，照片也就变得更像是快照了。

这真的很好，因为它可以帮助我们拍的更多。但是也可能会很糟糕，一不小心就会培养我们的惰性。而用定焦镜头来拍照，我们就会被迫的通过改变角度来改变画面的构成，在按下快门之前会精心的考虑构图，从长远来说，这可能会更加有利。

拍摄浅景深，最简单的方法自然就是使用大光圈镜头，不一定要 f/1.2 甚至 f/0.95 的能切割空气的大光圈镜头，至少也得是 f/1.8 的标头。

但是，如果我们没有大光镜头，或者再无法全开镜头光圈的情况下要怎么样才能拍出模糊的背景呢？

首先我们需要知道为什么背景会模糊？模糊的背景被称为散景，一般表现在景深较浅的摄影成像中，落在景深以外的画面，会有逐渐产生松散模糊的效果。

说的通俗一点，被模糊的区域就是没有对上焦。

对上焦的部位被称为景深区域，景深区域并不是一个点，而是以你（的相机）为中心，三百六十度围绕你的两个球面之间的区域。

我们假设你目前的对焦距离和光圈的景深范围在 2 米到 5 米处，那么以你（相机）为中心，无论上下左右东南西北的 2 米到 5 米处的区域你都可以拍出清晰可见的图像，而小于 2 米或者大于 5 米的区域就落到景深区域之外，就显然被模糊了。

景深区域由三个因素来控制，第一个就是我们最熟悉的光圈了，光圈很容易理解，光圈开的越大，主体周围的景深区域就会越浅，抛开进光量的因素不提，浅景深也是为什么人像摄影师们都会追求超大光圈的镜头。

当然并不是每个人都能拥有大光圈的镜头，其实我们买相机的套头，虽然随着焦段的不同，光圈值一般在 f/3.5 到 f/5.6 之间，但是用好了，一样可以拍出模糊的背景。

首先就是选择焦段的问题，焦段越长，景深就会越浅。也就是说，长焦端会比广角端更容易拍出浅景深。当然，在这里我们还要考虑等效焦距的问题。就拿一般我们常见的 28mm 广角来说，在全画幅机身上，28mm 的视角就是 28mm 的镜头，而在 APS-C 画幅的相机上，等效 28mm 的视角镜头的焦段只有 18mm，所以同样等效 28mm 的视角，全画幅会比小画幅机身更容易拍出虚化的效果。

再有就是相机、主体和背景三者之间的距离。如下图所示，主体距离相机越近，拍出模糊背景的可能性就越大，关于这一点如果有老镜头上面有景深标尺的看一下就能够理解，对焦距离越近，景深范围就会越浅，也就越容易拍出虚化的背景。而主体距离背景越远，则背景被模糊的可能性就越大，其实这也很好理解，因为背景距离景深区域越来越远了嘛~

下面这张照片就是用 APS-C 画幅的 等效 28mm，也就是实际焦段只有 18mm 的相机拍的，光圈不算大，只有 f/3.5，但是可以看到背景已经几乎完全虚化了，因为距离主体非常近，所以景深范围就变得很浅，所以不管背景距离是否真的很远，只要有一定距离，就足以将背景给模糊掉。

下面的照片可以明显的看到背景距离不同的时候，距离被虚化的程度，从左上往右下，背景距离以此变远，背景被模糊的程度也越来越深。