还在被那些看起来高大上的摄影术语劝退吗？别怕，今天咱们不背书，把这些冷冰冰的词拆开揉碎，用“人话”聊聊它们到底是个啥。

Aspect Ratio (长宽比 / 画幅比例)

简单说，就是你照片的“胖瘦”关系 。这东西没得选？错，选对了比例，照片的气质瞬间就不一样了 。

3:2 (经典款)： 单反和微单相机的“出厂设置”，源自经典的 35mm 胶片 。看着最顺眼，最像咱们平时看到的世界。

4:3 (敦实款)： 手机党和 M4/3 系统（比如奥林巴斯）的最爱 。稍微方一点，感觉有点复古，像老电视机 。

16:9 (电影款)： 一切换到这个比例，是不是觉得自己立马变成了王家卫？视野超宽，看着就像在看电影大片 。

1:1 (方块糖)： Instagram 捧红的比例 。专治构图强迫症，怎么拍都觉得挺文艺，像块可爱的方块糖 。

Anamorphic Lens (变形镜头)

这玩意儿就是摄影界的“美颜瘦身魔法”。它是专门拍电影用的 。

怎么玩？ 拍摄的时候，它把宽宽的画面硬生生“挤”进你的相机里（画面里的人都会变瘦长） 。播放的时候，再把画面“拉”开，瞬间获得超宽的史诗级视野 。

怎么认？看到那种椭圆形的虚化光斑了吗？就是它干的。还有那种对着灯光会出现蓝色的水平拉丝（科幻片里超常见），也是它的招牌动作。

Artifacts (伪影 / 噪点块)

要是有人指着你的照片说：“哎呀，你这 Artifacts 太多了。” 别慌，他是在嫌弃你的画质不干净 。这些东西现实中不存在，纯属相机给你加的“视觉垃圾” 。

噪点 (Noise)： ISO 开太高，画面就像撒了一把彩色粗盐，脏脏的 。

马赛克块 (JPEG Artifacts)： 图片压缩太狠了，直接糊成一格一格的方块 。

紫边 (Chromatic Aberration)： 树枝边缘冒出的诡异紫光，那是光跑偏了 。

灰尘 (Sensor Dust)： 也就是 CMOS 进灰了。每张照片同一个位置都有个小黑点，那就是你的相机该洗澡了 。

Aliasing (混叠 / 锯齿)

你有没有试过对着电视屏幕拍细条纹衬衫，结果画面上出现了奇怪的彩虹色水波纹？这就叫摩尔纹 (Moiré)。

这就是 Aliasing 在捣乱。简单说，就是相机的分辨率不够用，看不清太密集的纹理，于是就开始“瞎猜”，结果猜错了 。除了摩尔纹，有时候斜线会变成楼梯一样的锯齿 (Jaggies)，也是它的锅 。

AEB (Auto Exposure Bracketing, 自动包围曝光)

如果你面对美景，心里犯嘀咕：“这光线太复杂，到底该亮一点还是暗一点？” 别纠结，开 AEB 。

按一下快门，相机“咔咔咔”给你连拍三张：一张暗的、一张正常的、一张亮的 。

保命用： 总有一张曝光是完美的 。

大神用： 回家把三张合成一张 HDR 大片，亮部暗部细节全都要 。

Angle of Incidence (入射角)

初中物理还没还给老师吧？“入射角等于反射角” 。

这个定律在摄影里超有用！如果你隔着玻璃拍橱窗，或者在博物馆拍油画，发现反光严重，咋办？别傻傻地正对着拍。稍微侧一点身子，利用这个物理定律，反光就神奇地“弹”走了 。

ASA (American Standards Association)

ISO 的前身。只有在把玩非常古老的胶片相机（如 1970 年代以前的机型）时，你会在转盘上看到 ASA 而不是 ISO。

A-DEP (Automatic Depth-of-Field, 自动景深模式)

佳能老款单反（如 5D2 时代及以前）特有的一种模式。 相机检测画面中最近和最远的对焦点，自动设置一个光圈值，试图让这两点之间的所有物体都清晰。 因为计算不够智能且经常导致快门过慢，现代相机已基本废除此模式，但在二手老相机上还能见到。

每天学几个单词和摄影小知识，不过肯定有很多是我没有想到的，如果您知道有什么其他的单词我没有提到，欢迎在评论里提出，我会在以后的内容里补全。

现在的你发朋友圈，是坚持原本的 4:3/3:2，还是必须裁成 1:1 正方形才肯发？

Aberration（像差）

这是镜头设计的“物理硬伤”，也是区分“顶级镜头”和“狗头（入门镜头）”的核心指标。

理想的镜头应该把所有光线完美汇聚成一个点，但现实中物理透镜无法做到 100% 完美，导致成像出现模糊、变形或色偏，这些偏差统称为“像差”。

常见的类型有：

色差：也就是我们常见的紫边，这是镜头对RGB光聚焦差异，不同颜色的光波长不同，折射率不同，没能聚焦在同一点上，后期可部分修复。
球差：边缘光线失焦，在以前的低端大光圈镜头上容易出现，就像焦外的“旋焦”效果。
畸变：广角镜头会产生桶形畸变，长焦镜头会可能会出现枕形畸变，可以通过镜头校正或后期来进行调整。

收小光圈（如 f/8）通常能显著改善像差；现代数码相机和后期软件（如 Lightroom）也有“镜头校正”功能一键消除。

Accessory Shoe（热靴）

这是相机顶部的那个“金属卡槽”。直译过来是附件靴，其实指的是相机顶部的热靴插口，用来连接相机的一些外置附件，如外置闪光灯，外置麦克风的金属接口，带有电子触点以传输信号。

当然也有不带电子触点的冷靴，仅提供物理固定功能。通常用于安装麦克风、补光灯、监视器等不需要和相机快门同步的设备。

也有更加高端的多功能热靴，如索尼的 MI 热靴（Multi InterfaceShoe），字面意思为“多接口热靴”。可以触发兼容闪光灯，但同时通过前端附带的金手指提供额外功能，除了配合原厂灯实现TTL功能外，还可以支持麦克风、GPS等与相机交换信息。

Acutance（锐度）

老法师最爱的词（之一），用来描述图像边缘黑白色调过渡的锋利程度，高锐度意味着边缘对比强烈、清晰。

很多新手会把“锐度”和“分辨率”混淆，其实它们是两回事。锐度实际上是描述影像边缘明暗过渡的“干脆”程度。分辨率 (Resolution) 只有细节多（像素高），而锐度 (Acutance)则是轮廓清晰（边缘像刀切一样利落）。

我们在后期软件中调整“锐化 (Sharpening)”时，其实并没有增加细节（分辨率没变），而是增加了Acutance。软件通过把边缘的黑加深、把边缘的白提亮，增加了边缘反差，让人眼产生“变清晰了”的错觉。

Ambient Light（环境光）

拍摄场景中自然存在的光源（如日光、室内灯光），非摄影师额外添加。

摄影师通常需要判断环境光是“主光源”（完全依赖它）还是“背景光”（用闪光灯照亮主体，环境光只负责烘托氛围）。衡量环境光与人造光（闪光灯）的比例，是进阶布光的必修课。

Anti-Red-eye（防红眼功能）

在昏暗环境中，人的瞳孔会放大。如果闪光灯离镜头太近（如手机或卡片机），强光直射入眼底，照亮了视网膜上的血管，反射回来的红光就被相机拍到了。

在正式拍摄（快门打开）之前，闪光灯会预先快速闪烁几次（预闪）。眼睛感受到预闪的强光，瞳孔会本能地缩小。等到瞳孔缩小时，相机才进行正式的强光闪烁并拍照。此时进入眼底的光变少了，红眼现象也就消失了。

AGFA（爱克发）

说到 A字开头的跟摄影有关的内容，又怎么能不提到爱克发（AGFA），它曾经是在全球彩色胶片市场占有率仅次于柯达和富士的第三大彩色胶片供应商。

爱克发作为一家业务众多的跨国企业，我们在这里仅仅说说它的摄影相关业务。早在1913 年，爱克发就开始生产电影底片。1932 年，爱克发公司推出 Agfacolor 牌的彩色底片，打破了卢米埃兄弟发明的彩色底片的垄断。1936年，爱克发公司引进 Agfacolor-Neu 彩色底片，有别于当时卢米埃兄弟发明的技术和柯达公司 1935 年发明的技术，而现代彩色底片多采用Agfacolor Neu 的技术。

不过由于数码时代的冲击，2004年，爱克发·吉华集团将民用摄影业务出售给了当时新成立的爱克发照片公司（AgfaPhoto）来独自经营，不过一年后，这家新公司就宣告破产了。

曾经 AGFA Vista 是我用的比较多的胶片，主要原因还是便宜，虽然相对于柯达和富士的基础民用负片来说价格上也没有什么太大的优势，主要是想尝试一下不一样的感觉，虽然这个胶卷后来是由富士代工的，但是就像爱克发的大红点标志一样，色彩浓烈，特别是红色的表现很显眼，非常适合拍摄中国风的喜庆场面，拍一些花花草草也是不错的。

每天学几个单词和摄影小知识，不过肯定有很多是我没有想到的，如果您知道有什么其他的单词我没有提到，欢迎在评论里提出，我会在以后的内容里补全。

如果说135画幅是摄影爱好者的心头好，那么 120 画幅（也称为中画幅）则是进阶摄影爱好者的白月光。如果说 135 是胶片摄影的基石，那么 120 则是构建在基石之上的殿堂。120 胶卷的宽度约为 61.5mm（约2.4英寸），其成像面积远大于 135 画幅（24×36mm）。根据相机设计的不同，120 胶卷可以在一卷底片上拍摄不同尺寸的画面，最常见的有 6×4.5cm、6×6cm、6×7cm 以及 6×9cm 等。

画幅的增大带来了质的飞跃：更细腻的颗粒、更丰富的过度层次、以及那个让无数人着迷的——更具立体感的景深效果。

120 相机使用的胶卷实际上比 135 还要“古老”。它由柯达公司于 1901 年推出，最初是为普及型的 Brownie No.2 相机设计的。不同于 135 胶卷自带暗盒，120 胶卷通过背纸（Backing Paper）来保护胶卷不曝光，这一设计沿用百余年至今。

相比于 135 相机的便携与抓拍优势，120 相机往往代表着更严谨、更从容的拍摄节奏。

我们日常拍摄中，使用 120 胶片的相机主要有以下几类：

1、 双镜头反光相机（TLR）

对大部分人来说，首先接触120画幅可能都是通过双反来认识的。这是中画幅最极具辨识度的机型，双反相机拥有两个上下排列的镜头，上方的镜头用于取景，下方的镜头用于成像。光线通过上方镜头进入，经反光镜反射到机身顶部的对焦屏上，摄影师需要低头观看，且看到的影像是左右颠倒的。

双反的特点在于其优雅的腰平取景方式。你不需要把相机举到眼前，而是低头凝视相机，这种姿态在街头摄影中极具隐蔽性，且充满了仪式感。由于拍摄时反光板无需弹起（它是固定的），且大多采用镜间快门（Leaf Shutter），双反相机的快门震动极小，声音轻柔到几乎不可闻。

代表机型：

• Rolleiflex 2.8F： 双反相机中的皇冠。搭载了传奇的卡尔·蔡司 Planar 80mm f/2.8 镜头，机械结构精密如钟表，其成像锐利且焦外柔美，是无数人梦寐以求的收藏级实战机。
• Mamiya C330：Mamiya C330 是一款功能强大的中画幅可换镜头双镜头反光相机，特色是使用皮腔对焦实现微距拍摄，能换镜头，并配有明亮的腰平观景器和自动视差补偿，提供出色的画质与操作性，适合需要高细节和独特景深效果的摄影师，尽管它很重。

2、 单镜头反光相机（SLR）

与 135 单反不同的是，由于抛开了体积的束缚，中画幅单反系统通常是模块化的。以哈苏为代表的模块化单反，其机身、镜头、后背（胶卷仓）、取景器都是可以独立拆卸和更换的。这就意味着在拍摄的过程中你可以随时通过更换不同的后背来切换不同类型的胶卷（例如从黑白换到彩色），或者在腰平取景和眼平取景之间切换。

当然，也有像 Pentax 67 这样的巨大化单反，对于拍摄者的体力是一大考验。

和 135 单反一样，中画幅单反的优势在于“所见即所得”的精确构图，以及庞大的镜头群支持。但缺点也显而易见：巨大的反光板在拍摄时弹起会产生较大的震动和标志性的巨响——“布—匡！”，这声音虽震撼，但也限制了低速快门的手持成功率。

代表机型：

• Hasselblad 500C/M： 经典的代名词。它是人类带上月球的相机家族成员。全机械设计，无需电池，标志性的 6×6 正方形构图逼迫摄影师重新思考平衡。它采用镜间快门，支持全程闪光同步。
• Pentax 67：Pentax 67 是一款经典的中画幅 6x7 格式胶片单反相机，以其巨大的画幅、优异的 SMC 镜头、可靠的机身和相对亲民的性价比著称，是许多摄影师从 35mm 升级到中画幅的理想选择。

3、 旁轴测距相机（Rangefinder）

中画幅旁轴相机可以看作是 135 旁轴的“巨大化”版本，但它们通常依然保持了相对轻便的特性。与双反类似，它没有反光板结构，因此震动极小。

相比于单反的笨重，中画幅旁轴是旅行和手持拍摄的最佳选择之一。尤其是 6×7 画幅的旁轴相机，被称为“理想画幅”，其底片放大成照片时几乎不需要裁切，画质极佳。

代表机型：

• Mamiya 7 II： 6×7 画幅的终极利器。它拥有极其锐利的镜头群和电子镜间快门，快门声轻到摄影师自己有时都怀疑是否按下了快门。虽然是电子机身，但其光圈优先功能极大地提高了拍摄效率，被誉为最好的手持中画幅相机之一。
• Fujifilm GW690：富士GW690是一台经典的**“大徕卡”**旁轴中画幅胶片相机，以其固定镜头、优秀的画质、手动对焦和无需电池的特点，为摄影师提供简单直接、大画幅高素质的摄影体验，常用于街拍和人像摄影。

尽管 120 中画幅在画质上对 135 形成了碾压之势（6×6 画幅的底片面积是 135 全画幅的 3.6 倍以上），但入门 120 系统前，你必须要有心理准备：

1、 成本与“痛感”如果说 135 拍废一张会心疼一下，那么 120 拍废一张就是心在滴血。120 胶卷一卷的价格通常比 135 略贵，但关键在于张数：6×6 画幅一卷只能拍 12 张，6×7 画幅只能拍 10 张。每一次按下快门，成本都是 135 的三倍以上。这种高昂的成本会逼迫你慢下来，在按快门前反复确认测光和构图。

2、 重量与体积除了少数机型，大多数 120 相机（尤其是像 Pentax 67 这种“坦克”）的重量都非常感人。带它们出门不仅是摄影，更是一场体能训练。三脚架往往会成为你的必备附件。

3、 操作门槛很多经典的 120 相机由于年代久远，完全没有测光，或者测光老化不可用。你需要熟练掌握“阳光十六法”，或者习惯随身携带测光表。而且，像哈苏这样的相机，操作顺序稍有不慎（如未过片就拆镜头）就可能卡死机身，需要更专业的知识储备。

在这个“快餐式”出图的时代，选择 120 胶片相机似乎是一种逆行。但当你第一次从冲洗罐里拉出那条宽大的底片，对着光看到那惊人的细节和层次时，你会明白一切的沉重和昂贵都是值得的。120 相机不是用来记录快节奏生活的，它是用来凝视生活、把瞬间雕刻成永恒的仪器。

Auto（全自动模式）

顾名思义，就是"傻瓜"模式，通常是绿色的 AUTO 字样或绿色方框图标。

由相机来控制自动曝光（光圈/快门/感光度/白平衡），还会自动接管对焦模式（是拍人还是拍风景）、白平衡（色温）、闪光灯（是否弹出）、图像风格（鲜艳还是柔和），而用户要做的就是按快门。

理论上来说，手机的初始全部都是"AUTO"模式，与光圈优先或快门优先不同，Auto 会完全剥夺用户的控制权。

Action（动势）

通过快门速度和构图来控制动态模糊效果的拍摄技巧，让画面更有动态感。

1. 作为题材 (Action Photography)： 指拍摄高速运动的主体（如体育、野生动物），目的是抓住动作发生的瞬间。
2. 作为美学 (Dynamic/Movement)： 指静止照片中的视觉流动感。 即使物体不动，通过对角线构图、引导线（如弯曲的公路）、或者动态模糊（慢门拍摄车流），让观众的视线在照片中“跑起来”，而不是死板地盯着中心。

我们可以用高速快门，如 1/1000s 以上来冻结动作，像是跳跃，也可以用低速快门，如 1/15s 以下来制造动作的模糊痕迹，如夜晚的车灯拉丝，或者在一个繁忙的街道上让模特不动，拍摄周末人群熙熙攘攘模模糊糊，主角清晰的图像。如果想要主体清晰，需要使用连续AF来跟踪移动主体。

Achromatic Lens（消色差镜头）

普通玻璃镜片像棱镜一样，会把白光分解成七色光。这会导致照片中高反差边缘出现难看的紫边或绿边（色散/色差）。

消色差镜头是一种通过特殊光学设计减少色差（Chromatic Aberration）的镜头，其核心原理是利用不同材质透镜的组合校正不同波长光线的焦点偏移。

相比单透镜，色差显著降低，成本低于复消色差（APO）镜头。不过仍存在次光谱色差（如绿光焦点偏移），导致高对比边缘可能出现品红/绿色镶边。

常见于长焦或广角镜头，减少逆光拍摄时的紫边现象。

复消色差（APO）镜头：使用三片以上透镜（含ED玻璃），校正红、绿、蓝三色焦点，残留色差更少，但成本更高。

Aerial Photography（空中摄影）

指从空中平台（如无人机、飞机、热气球等）拍摄地面或物体的摄影技术，其核心价值在于提供独特的俯视视角与宏观信息采集能力。

核心分类：
1. Vertical (垂直俯拍)： 镜头垂直向下（上帝视角），把地面景物拍成平面几何图形，极具抽象美感。
2. Oblique (倾斜航拍)： 镜头有一定角度，能同时表现建筑的侧面和高度，更有立体感。

视角（Angle of View）

摄影中描述镜头能捕捉场景范围的参数，由焦距和传感器尺寸共同决定。

焦距与视角关系：

• 短焦距（广角）：视角越大，能拍进更多风景，如16mm镜头视角约84°，适合风光、建筑等大场景。
• 长焦距（长焦）：视角越小，像望远镜一样只看局部，如200mm镜头视角约12°，压缩空间感，突出主体。
• 标准焦距：50mm镜头视角约46°，接近人眼视觉。
• 注意： 同一个镜头，装在全画幅和 APS-C 上，视角是不同的（APS-C 视角更窄）。

应用与效果：

• 广角视角：强调前景，拉伸空间（如24mm拍摄建筑透视感）。
• 长焦视角：虚化背景，突出细节（如200mm拍摄人像背景压缩）。
• 特殊构图：俯视/仰视视角可传达权威感或压迫感。

不对称性（Asymmetry）

这是一种打破镜像平衡的高级构图方式。在构图中，我们使用不对称性来打破对称平衡，增加画面的张力。

对称（Symmetry）虽然稳定，但容易显得呆板、严肃。不对称构图通过“视觉重量”的平衡来创造活力。

比方说在三分法构图中，我们会将主体偏离中心，放置在三分线上。或者使用近大远小的大小对比来增加画面张力。在使用不对称构图时，可以通过线条、色彩等元素来引导视觉重心。

APS-C 画幅

主流的专业相机画幅。由于传感器较小，它实际上是相对于全画幅（36×24mm）的裁切，约 24×16mm（各家厂家由于传感器制造工艺不同，可能会略有差异）。

使用 APS-C 画幅相机时，镜头焦距会转换，转换系数约为 1.5~1.6（各家厂家略有不同），镜头物理焦距 ✖️ 系数（通常为 1.5 或 1.6） = 等效全画幅焦距。如我们常规的 50mm 镜头用在 APS-C 画幅的相机上等效焦距约为 75mm。而 APS-C 相机上的 35mm 的镜头（如富士 X100 系列）实际焦距为 23mm。

每天学几个单词和摄影小知识，不过肯定有很多是我没有想到的，如果您知道有什么其他的单词我没有提到，欢迎在评论里提出，我会在以后的内容里补全。

并不是买了好相机就一定能拍出好照片，我们更需要知道一张照片所呈现的效果的原理，也需要了解自己的器材的优势和软肋。这样在看到一张好看的照片的同时就能马上明白为什么才能够拍出来这样的效果，也就能够熟练运用自己的器材的设置拍出同样的效果。

虽然现在网络上或者书店里充斥着不计其数的拍摄宝典，教你如何拍摄，或者如何速成成为「大师」，因为现代社会人们太过浮躁，总是想要在短时间内获取某项技能，但是我想说这几乎是不可能的，任何技巧的形成都是一个经验累积的过程，学习也是一样。

基础必不可少，从今天开始，我将会不定期的写一些关于摄影的基础，这些内容对于那些大神们自然是不值一提，但是对于初学者可能却是极其重要的。我们谁都是从初学者一步一步成长起来的。

不过这一系列的文章只是概念性的解释，对于一些重要的知识点，如曝光三要素，画幅，相机品牌，相机操作等等，我会在后面的文章里面再做具体细致的解释。

不过由于本人水平一般，能力有限，肯定有很多是我没有想到的，如果您知道有什么其他的单词我没有提到，欢迎在评论里提出，我会在以后的内容里补全。

Aperture（光圈）

光圈说直白一点就是镜头开孔的大小，它通常是可调节的，用来控制进入相机的光线量，同时控制景深。

光圈大小用 f 值表示（例如 f/1.8, f/8, f/16），由于光圈的表示是倒数，所以数值越小（如 f/1.8），光圈孔径越大（进光多）。数值越大（如 f/22），光圈孔径越小（进光少）。

除了控制进光量（控制曝光）之外，光圈还有一个核心的作用是控制景深，光圈越大（如 f/1.8），景深就越浅，背景虚化明显，适合拍人像；光圈越小（如 f/11），景深就越深，前后都清晰，适合拍风景。所以我们拍人像会需要一支大光圈镜头，而拍摄风景建筑则需要选择较小的光圈来避免虚化对画面的影响。

光圈作为曝光三要素的一个重要指标，同时也是摄影的基础概念，我以后会单独讲解。

AE（Automatic Exposure，自动曝光）

数码相机都会有这么一个设置，相机通过自动组合曝光三要素（光圈、快门速度、ISO）来确保拍下的照片有一个合适的曝光。

通常适合在大多数场景下使用，不过在逆光或者明暗对比强烈的情况下不准，其实也不是不准，只是它所理解的合适曝光可能跟你所想的不太一样，所以这个时候我们需要手动调节某个数值或者使用曝光补偿来达到我们自己想要的曝光效果。

现代相机在大多数模式（如 P 档、A 档、S 档、全自动档）下，AE 功能都在默认工作。

AEL（Automatic Exposure Lock，自动曝光锁）

半按快门测光后，按下 AEL 按钮，相机会锁定当前的测光值，重新构图时曝光不会变化。

当您的拍摄主体不在画面中心，或者主体与背景反差极大时（例如：逆光拍摄），AE 可能会被背景亮度“欺骗”。

很多相机的半按快门动作默认同时锁定对焦（AF）和曝光（AE），但可以自定义设置分离。

AF（Automatic Focusing，自动对焦）

现代数码相机都会有的基础功能，相机驱动镜头内部的马达移动镜片，直到主体变得清晰锐利。常见的模式有：

• AF-S (单次对焦)： 半按快门对焦一次后锁定。适合静止物体（如风景、摆拍）。
• AF-C (连续对焦)： 只要半按快门，相机就持续追踪焦点。适合运动物体（如跑步的人、宠物）。

AWB（Automatic White Balance，自动白平衡）

任何光线都有颜色（色温）。白炽灯偏黄，阴天偏蓝。AWB 的作用是告诉相机“什么是白色”。

自动白平衡的作用是自动纠正光线的色偏，让照片中的白色看起来真的是白色的，从而还原人眼看到的真实色彩。

不过有的时候我们需要拍摄一些特定的氛围感，例如想保留烛光晚餐的暖黄色调，或者夕阳的橘红色调，AWB 可能会错误地把这些颜色“修正”成白色，这个时候我们就需要来手动设置白平衡。

A/Av（Aperture Priority，光圈优先模式）

这是从“傻瓜模式”进阶到“摄影创作”最常用的模式。

选择这个模式，相机会锁定你设置好的光圈值，然后来自动匹配快门速度和感光度来拍摄以达成完美的曝光，不会因为环境光线的影响而使光圈值发生改变。适合需要控制景深的场景，比如用大光圈来拍摄虚化的人像，用小光圈来拍摄清晰的风景。

很多摄影师都喜欢用 A 档来拍照，因为它直接控制了景深（虚化程度），这是摄影视觉语言中最重要的一环，同时又不必担心曝光不足，兼顾了创作意图与拍摄效率。

每天学几个单词和摄影小知识，不过肯定有很多是我没有想到的，如果您知道有什么其他的单词我没有提到，欢迎在评论里提出，我会在以后的内容里补全。

摄影中的「画幅」是指成像介质（胶片或数码传感器）的物理尺寸，是摄影系统的核心参数，直接影响成像范围、镜头焦距等效关系及最终画质表现。

而 135 画幅则是基础中的基础，它是胶片最主要的画幅，同时也是数码传感器画幅的基础，我们平时最常说的全画幅就是指135画幅，即传感器尺寸为 24×36mm （不同品牌由于制作工艺不同可能会有微小公差）大小的相机，数码时代所有的裁切画幅，如 APS-C，M43 画幅等，都是基于全画幅的裁切系数转换。

画幅会对成片有很多影响，如视角与焦距的控制、景深控制、画质影响等，不过今天我不打算扩展将画幅，以后有机会再说，今天主要说一说 135 相机。

135 相机得名于柯达公司于1934 年推出的 24×36mm 规格的胶卷，而他的起源则可以追溯至 1913 年德国工程师奥斯卡·巴纳克所设计的徕卡原型机 Ur-Leica。135相机使用 35mm （含齿孔总高度35mm）宽度的胶片。

不同于中画幅大画幅设备的沉重，也不同于110等画幅画质的局限，因其便携性与画质的平衡性，理所应当的成为了胶片时代最主要的摄影载体，并影响数码摄影至今。

使用 35mm 胶片的相机主要有以下几类：

1、单镜头反光相机（SLR），通过反光板和五棱镜实现“所见即所得”的取景方式，当按下快门时，反光镜瞬时弹起使光线直射焦平面。以尼康FM2为例，其钛合金焦平快门速度可达 1/4000 秒。

单反的特点，同时也是优势之一便是所见即所得，由于取景器中所看到的就是镜头直接反射过来的景象，能够更加方便的构图。由于法兰距较长，如尼康 F 卡口的法兰距达到了 46.5mm，可以兼容长焦镜头。而丰富的镜头及配件扩展性也延伸了相机更多的使用场景。

在没有自动对焦的时代，胶片单反使用的对焦方式主要是裂像屏对焦、微棱对焦和磨砂屏对焦，可以实现、精细的对焦。当然，从我个人是使用习惯来说，我更喜欢裂像屏对焦，对我来说，更快速，也更准确。

代表机型：

注：文中所提到的所有相机推荐均不构成购买意见，本文仅为简述，详细相机举例及推荐会在以后的文章中逐一具体讲解。

美能达X700：曾获欧洲相机大奖，配备TTL测光和自动曝光功能，对焦屏亮度优于同时代竞品。

尼康FM2：全机械快门设计，支持1/4000秒高速快门，耐低温且故障率低，被誉为"胶片时代耐用标杆"。

单反相机最大的缺点可能就是快门声太大了，由于结构的问题，快门按下必须要弹起反光板并复位，会不可避免的产生快门声，当然在很多时候这声”咔擦“对摄影师来说都是仙乐一般美妙，不过在一些需要安静的场所就不适合了。

相对于旁轴相机，同样由于结构的问题，单反相机会更重，不过这一点根据不同套机重量会有不同，胶片时代的50mm套机问题不大，这纯属是个人感知问题，因人而异了。

2、旁轴测距相机（Rangefinder），旁轴相机的特点是取景器和镜头光轴分离，使用联动测距系统，所以旁轴相机我们也称为联动测距相机。以徕卡M3为例，其61mm基线测距精度达0.02mm量级。

旁轴系统的最主要的对焦方式是黄斑叠影对焦，黄斑对焦是一种机械式的对焦方式，其实现方法是：其中一个测距孔与取景框共用，另一个较小的圆形（或方形）测距孔上安有黄色滤色片，对焦时转动镜头只要测距黄框内两叠影重合对焦即完成。

很多摄影人认为黄斑对焦比手动单反的磨砂对焦、棱镜对焦更精准，更方便估焦盲拍。

要说优点，旁轴相机最大的优点可能就是轻便和安静了，由于没有反光板结构和反光板震动，旁轴相机的快门声是非常轻的，不仔细听可能都听不到。同时由于轻便和小巧，很多街头摄影师都喜欢使用旁轴相机来进行街头摄影的创作。

代表机型：

徕卡M6：Leica无需赘言，胶片相机中万元级别的保值机型，黄铜机身与精密机械结构兼具收藏与实用价值。

福伦达BESSA R2：性价比之选，操作逻辑与徕卡相似但价格更低，适合预算有限者。

旁轴相机很少有超长焦镜头，一般最常见的长焦镜头也就是 90mm 左右了。

3、紧凑型相机，这里我说的主要还是 PS 相机，即 Point & Shoot ，直译过来就是"对准即拍"，因为其小巧性，也称为癖私机。这种相机诞生于胶片相机电子化的时代，这种相机一般都采用固定镜头，同时也有着全自动系统，包括全自动DX编码识别，全自动过片，全自动对焦，全自动测光，以及全自动闪光。也因此在过去我们都会称呼这种相机为”傻瓜相机“。有了这种相机，我们不需要学习对焦，不需要学习曝光，只要能在取景框中看到想拍的内容，只要手不抖会按快门就可以拍出不错的照片。

相对于旁轴，PS 相机更为紧凑轻便，单手可持，像经典的理光 GR21 的尺寸只有 117x64x26.5mm，重量更是只有 200g，随便塞进口袋里就能带出去拍照了。

一些街头摄影师，如森山大道，则更青睐于使用 GR 这样的相机来进行街头摄影的创作，理光GR1v的陷阱对焦（预置焦点等待入镜）是街头摄影的利器，据说捕获率比手动对焦快了300%。

不过同样也是由于电子化的问题，使得 PS 相机的故障率更高，由于很多相机年代久远，自然故障总是不可避免，可能相机买来不久就坏了然后懒得去修直接放在家里吃灰了（别问我为什么会这么说）。

尽管 120 中画幅在细节上会更有优势（66画幅的底片面积就是35mm全画幅的4.1倍），但 135 系统凭借以下的优势仍是 120 画幅不可比拟的。

1、成本，姑且不论 135 和 120 的价格差异，单是 135 一卷可以拍 36 张（常规卷）甚至更多，而 120 的 6×6 画幅也只能拍 12张。因为 135 相机更适合日常记录和练习，不像 120，错按快门会心会疼一下，冲出来拍糊了心又要疼一下。虽然 135 也会痛，至少痛感会轻一些，而且拍的更多，痛着痛着也就习惯了。

2、135 单反系统由于几十年的发展，镜头群更加丰富，不论是 15mm 的鱼眼，甚至是 800mm 的超长焦，应有尽有。

3、而同样也是由于 135 相机几十年来一直作为最为主流的相机系统，二手市场的流通量也是非常庞大，从几百块到几万块的相机都能找到自己想要的，同时一些经典机型的维修保养也会更加便捷。

数字化时代，还拍胶片可能会显得有些"老古董"，但它所带来的独特魅力却是无法替代的。每一张胶片照片都是时间的印记，都是我们按下快门那一瞬间我们面对着的光线对我们手中的胶片的灼烧，它用现实记录着我们生活中的点点滴滴，承载着我们的情感和记忆。每当我翻看那些用胶片拍摄的旧照片时，总是能够回到按下快门的那个时空，感受当时的光线和温度，这种与时间的连接和互动，相信拍过胶片的人都有体会。

"135相机是延伸视觉的铅笔"，在数码时代重拾胶片创作，不仅能深化对曝光、构图的理解，更能通过机械操作的仪式感重建摄影的初心。选择一台适合自己的135相机，既是技术入门的起点，也是美学探索的开端。

由于大部分街头摄影作品都是用 snapshot 方式拍摄下来的，而 snapshot 的快速性也容易造成一些缺陷，因此给人一种误解，那些没有构图，对焦不准或者没有明显讯息的生活影像也被归类为 snapshot。

时至今日，snapshot 依然是街头摄影的代名词。snapshot 的关键在于拍摄的手法而不是结果。它是拍摄写实照片的核心手法，特点是快而准，以及要在正确的时间到正确的地方，预见那些不能预期的事，凭直觉及极熟练的摄影手法快速的把影像拍好。

以 snapshot 为主要拍摄手法的街头摄影则是一种不受限制的摄影类型。街头摄影通常是随意的，坦率的，并且是不连贯的。它可以以时间、地点的线性来串联起拍摄者的轨迹，却没有一个统一的标准来串联被拍摄主体，如果有，可能也就是拍摄者对于主题的一致性了。

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街头摄影对于形式并没有那么多的坚持，它的重点不在于好看的风景好看的人，不在于完美的构图和曝光，而在于故事。

关于街头摄影的解释同样也是因人而异，在不同的观看者眼里可能会看到不同的故事，和纪实摄影新闻摄影这样的题材拥有一个明确的故事主体不同，由于摄影师的「不介入」以及画面的随机性和不连贯性，所以即使就连拍摄者本人可能也不知道它所拍下的影像的真实故事究竟是什么，因此，也就没有正确的故事，更没有错误的故事，每个观看者都可以根据自己的人生体验将画面的故事放大。简而言之，街头摄影的影像是关于视觉形式的一首诗歌。

出色的街头摄影，就如同出色的诗歌，可能会引起情感上的反响，激发观看者的想象力，邀请他们将自己代入到画面中，无中生有的创造出自己的故事。当它起作用的时候，所有的构图元素以及正确的光影组合在一起时，我们将会看到一个引人注目的，视觉感很强的主题。

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经验丰富的街头摄影师能够预见到那个决定性的时刻，他们会将镜头对准画面，在最短的时间内调整好快门光圈，将对焦环转动到合适的位置，然后等待那个画面一出现，就果断的按下快门。即使在接近拍摄对象的时候，他们也会无所畏惧。学会克服恐惧是成为街头摄影师的重要一个环节，没有一张厚脸皮是不能拍好街头的。

不过将镜头对准陌生人确实并不是那么一件简单的事。有的时候我们看到一个很好的画面，刚刚举起相机想要拍下来，可是画面里的人转过身来看着你和你四目相对，那一瞬间你就怂了，马上将相机转向别处假装要拍别的地方，于是好画面就这样消失了。虽然规避了风险，也拍不出好照片了。

于是拍街头变成了拍摄空旷无人的街头，拍摄街上的建筑物和花花草草，或者干脆买个大长焦躲远远的拍，可最后发现除了偷拍到那些好看的姑娘并没有拍出任何有故事的画面。

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想要在大街上捕捉到决定性的时刻是一项艰巨的任务，同时也将自己从拍摄的舒适区狠狠的拽出来，面对那些陌生人按快门在心理上可能并不是那么简单。

这很容易理解，我们生活在一个封闭的世界里，人与人之间都有一堵无形的墙壁，每个人都有自己的空间，我们很难接近一个陌生的人。对于很多想要拍摄街头的人来说，他们会担心，万一拿着相机拍摄陌生人的时候对方生气了怎么办，场面会不会很尴尬。于是犹豫不前，不敢举起相机拍摄看到的精彩画面，只敢用镜头对着无趣的花花草草街道建筑。

拿起相机上街拍照吧，街上有那么多的人，每一个都是你的模特，每一个都会带给你一个不一样的故事。街头是天然的修炼场，培养你的观察能力培养你的捕捉能力培养你对图像的编排能力，久而久之，一定会让你的拍摄更加精进。

当然想要这一切都考虑的很周详确实不容易，尤其是当我们没有或者只有很少拍摄经验的时候。拍摄我们熟悉的人是我们练习拍摄人像的最佳方式，多拍几次自然就知道到底要怎么拍才能够拍出自己喜欢的效果了。

1、利用好环境光

大部分人拍照应该都是利用自然光多一些，毕竟人造光布光是一门学问，对于没有太多专业知识以及没有过多的需求的拍摄者来说，自然光既廉价又方便。

自然光拍人像最大的好处就是方便了，我们不需要复杂的布光系统，不需要带着那么多额外的设备，只需要带着我们可爱的模特儿，带上自己心爱的相机，最多再带个反光板就可以出去拍照了。当然，最大的缺点就在于光线的不受控制，我们必须懂得如何去利用现有光源来创作自己想要拍出来的作品。我们没有办法去控制自然光的强度、方向和质量。虽然大部分时间我们都是随着性子想拍就拍，但是不同时间段的光线可是不同的，像是正午的光线就很硬，照在脸上会形成向下的阴影，而且这时候的影子的对比度都会很高，很难同时在亮部和暗部保证细节，很容易就会拍出过曝的照片。对大多数人来说，正午的强烈光线并不是那么讨人喜欢。

这也是使用自然光拍摄的最大缺点，或者说是软肋，我们必须要有时间感，通常来说，在一天中，只有几个小时是适合我们拍照的，而其他的时间，光线不是太强就是太硬，并不能帮助我们获取美好的图像。因此我们必须要让自己在限定的时间内完成拍摄。可以培养我们的时间感同时也能督促我们的效率。

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如果我们必须要在正午的大太阳下在外面拍照，最好寻找一些能够提供阴影的场所，像是建筑物的背阴处，或者大树底下，尽量不要让模特儿完全暴露在阳光之下。而且，利用阴影，我们还可以拍出一些非常有创意的作品。

有的时候，多云的天气可能会更好，云层有效的散射了直射下来的阳光，成了一个天然的柔光箱，在模特儿的身上也不会形成那么强烈的生硬的影子。如果天上没有云层的遮挡，就尽量不要选择在正午拍照，可以选择在清晨或傍晚太阳角度较低的时候来拍摄，这时候太阳光在天边倾斜着照射过来，光线均匀柔和的照在身上，很容易拍出好看的照片。

当然，黄金时刻很短暂，可能只有短短的几十分钟，所以要利用这段时间好好拍照，不然一不留神太阳落山天就黑了。到了夜晚我们就只能利用城市的灯光来拍摄人像了，借助五彩的霓虹也能拍出非常好看的人像照片。

2、注意背景的选择

在人像摄影中背景是很重要的，不要以为模特儿长得好看就万事大吉了，那样太初级了。好的背景可以更加凸显模特儿的特点，而坏的背景会扰乱观看者的视线，让大家看照片的时候总不自觉的被转移重点。

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在拍摄过程中，首先要避免背景中的线条不自然的从模特儿身后穿插出来，这样会引导观看者的视线偏离主体。

在拍摄过程中可以四处走动，寻找合适的位置，还可以利用背景创造出一个框架之内的框架，让模特儿在框架内，起到突出主体的作用。

而且在拍摄的过程中尽量注意模特儿和背景线条之间的透视关系，不要在一个方正的太过于歪歪斜斜的线。

3、正确的引导

给并不是很专业的模特儿拍照的时候，她们可能会因为经验的问题不知道要如何摆pose，即便我们要求对方摆出一些姿势，可能也会由于不自然而看起来非常尴尬，因此，如何去引导模特儿的发挥也就成了拍人像中的非常重要的工作。

在手机里存一些自己喜欢的照片，然后根据模特儿的类型去寻找样本，在拍摄之前和模特儿沟通，告诉模特儿你想要拍出什么样风格的照片，有图片给她看这样你就不用费尽心思去解释你想要什么了。

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实际上，最自然的姿势一定是让模特儿感到最舒适的姿势，不需要马上急着拿着相机就拍，特别是当你还不了解你的模特儿的时候。花上几分钟时间和模特儿聊聊天，套套近乎，这样她就不会觉得自己在让一个陌生人拍照，至少不会太过紧张。

谈话的内容可以随机应变，重要的是让他们感到自然放松，哪怕只是说几个笑话，但是讲笑话要注意，不要开过了头，毕竟有些笑话只能对很熟的朋友说。

即使是在拍摄的过程中，也不要放弃交谈，话语可以活跃气氛，你可以通过聊她们喜欢的内容来引导她们的想象，将你的模特儿引导至你想要的模样。这时候拍摄之前的对话就起到了作用，因为你简单的了解了她们的喜好，了解了最近接触过的电影或者文字，就会知道怎么样能够更方便快捷的引导她们。

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我们可以先从一个简单的姿势开始，对于一个没有经验的非专业模特儿来说，你跟他们说再多的术语都没用，倒不如让他们先活动活动手脚，简简单单的从他们最自然的感觉开始拍起。像是站着，坐着，随便走走。

可能一开始的照片会不尽如人意，但是开始的照片的主要作用是磨合，等到大家都习惯那个环境了，再去引导他们做出你想要的效果就更加容易了。

指导是生硬的，刻意去凹出来的造型可能只会让人觉得尬。可能你知道什么样的姿势摆起来最好看，但是对于模特儿来说，尤其是那些非专业的模特儿，刻意的去做某个姿势一定会别扭，也会很僵，再好看的姿势也发挥不出来。而你需要通过话语的引导，让模特儿自然而然的做出那样的动作。

可究竟怎么样才算「锐」？为什么我们总是感觉自己的照片不够「锐」？要怎么样才能拍出够「锐」的照片呢？

你认为自己的照片不够「锐」，可能是因为犯了下面几个错误。

1、注意安全快门

除非是在三脚架上固定相机并且使用遥控快门，否则不管是手持的手抖，还是按下快门那一瞬间的震动，都会不可避免的造成相机瞬间的位移。

所以在拍照的时候，我们都要尽量在安全快门以上使用，高速的快门可以化解掉瞬间的抖动，一般来说，镜头焦段的倒数就是使用这支镜头的安全快门值，意味着在这个快门之上我们可以尽可能的避免手震，像是用 50mm 的镜头，那么安全快门就应该在 1/50s 之上，用 200mm 的镜头，那么快门速度就必须要高于 1/200s。

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尽管如此，低于 50mm 的广角镜头也要尽量在 1/50s 以上来使用。不过安全快门始终只是一个理论值，具体的使用情况还是要因人而异，有些人可能金刚铁手，用低速快门也不会晃动，而有的人天生神经不太好，总是不停的手抖。这种不自觉的手震就会造成按下快门的那一刹那出现不必要的晃动，也就让画面出现动态模糊，即使在安全快门也不能避免。

2、找到「最佳光圈」

每一支镜头都有一个最佳的光圈值的范围，一般我们都会认为在比最大光圈低 2~3 档的地方是最佳光圈。我们都知道光圈对于画面效果的影响，但是开大或者缩小光圈，的确会在一定程度上，对画质有一定的影响。

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光圈太大，最明显的影响就是景深太浅，容易导致主体整体中的部分不在焦点范围之内，致使主体部分失焦。而光圈太小，比方说 f/16 以下，会产生一种衍射的光学现象，直接导致画质瞎想，表面开始模糊。

当然，光圈对于画质的影响也要因镜头而定，有些高端镜头可能全开光圈画质都非常好，但是对于入门镜头来说，还是尽量不要将光圈开的太大或是太小。

3、镜头或滤镜的品质太差

一分钱一分货，那些高端镜头卖的那么贵是有道理的。它们的光学设计和镜片的用料品质一定都是经过无数次的测试和打磨的。而为了控制成本，当然也会有那些并不那么讲究的镜头了，也因此那些入门套头或者一些平价镜头可能并不会拍出那么高的画质，尤其是开大光圈时焦点主体的边缘部分的画质可能会让人难以接受。我们说一些平价镜头好，多半也是相对于性价比来说的，在这个价位能做到这样的效果已经很不错了。

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当然我在这里还是要说所谓的高画质还是要因人而异，有些人追求高认为这样达不到自己的要求，但是可能对大部分人来说这样的画质已经足够。

不光光是镜头，可能有的时候我们为了保护镜头还会用上滤镜，但是一些廉价的滤镜一定是会对画质有影响的，如果你用了廉价的滤镜，而又觉得镜头拍出来的效果不好的时候，不妨将滤镜取下再拍看看，可能问题真的出在滤镜上。

这里的个人观察的喜好，取决于自身的经验，也就是说，我们拍下的内容通常能够说明我们是怎么样的人，我们通过照片内容说故事，而这些故事，往往和我们自己有些许联系，因为产生了共情，所以我们想要记录下来，因此，也可以说，我们拍下来的故事里，多多少少都会有我们自己的影子。

街头摄影师会将他们的相机作为记录和分享想法的一种方式，在你的画面中，想要表现的是什么样的主题？是悲伤还是焦虑，是兴奋还是无聊？随着你下来的照片越来越多，这些内容也就越来越明确，同时在你下一次出去拍照的时候，也会不自觉的去主动寻找这些内容，拍下更多的照片让你的主题系列更加充实更加丰满。

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对于刚刚开始接触街头摄影的人来说，可能会太过于想要拍出更多不同的照片，于是他们会不停的走，想要在一天之内多去几个地方，这样，在不同的地方就又可能找到更多不同的可能性。有的时候这种方法非常有效，我们总是在同一个场所待着，拍出来的内容可能也就大同小异毫无新意，而去不同的场所，在不同的背景下，即使是同样的内容，也会带来一些新鲜感。但是有的时候可能也会让拍摄更加困难，因为我们不可能每次到达一个新的地点的时候都能够碰到有趣的画面。

不管有没有目标，事实上每一名街头摄影师在出去拍照之前都已经在心中预期了自己今天想要拍出什么样的照片，可是现实常常事与愿违，自己想要拍的内容怎么也找不到，却拍到一大堆其他类型的照片。这没有关系，一旦开始街头摄影，就不要给自己设定太细致的目标，因为环境是随机的，不可能永远都会跟随我们的计划。看到好看的画面就拍下来，不管它有多么的与众不同，拍下来之后再去思考这个画面究竟说了一个什么样的故事，又处在你的什么样的风格类型之中。

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一张照片的技术完美，像是那些好看的风景照片，它们真的很好看，可以被印成海报贴在墙上，可以被制成明信片将风景传递给对方。但是也仅此而已，这样的照片，看过了就忘了，这样技术完美的照片，你能拍出来，别人也能拍出来。找对合适的机位，用合适的参数，所有人都可以快速的复制。

而情绪，是无法复制的，每个人在这一刻所表现出来的情绪，过去了就没了。

作为一个静态的媒体，照片会冻结住时间，你在照片中看到了人，看到他的动作，或是快乐，或是悲伤，你却不知道上一秒发生了什么，更不会知道下一秒将会怎样。于是一切只能靠你的想象，脑补会让一张照片更加伟大。

很多时候，摄影师并不会讲故事，他只是创造了一个空间让观看者能够主动的参与其中，故事不属于摄影师，故事是每个观看者的。

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在拍摄街头中，完美是很困难的，我们总是希望自己拍下的照片都能够尽可能的完美，有完美的曝光，有完美的构图，有完美的焦点，但是对于以快取胜的街头来说，有的时候只需要记录，一个有情绪的画面可能比一个完美的构图更加重要。

有的时候一个略微失焦或者构图并不那么工整的照片可能还会更有味道，因此它的瑕疵，所以显得更加真实。

所以不要总是想着拍出完美的照片，而应该将更多的注意力放在完美的瞬间上，只有捕捉到了完美的瞬间，才是街头摄影的精髓。

每个人都在谈论风格的重要性，每个人也都在寻找属于自己的风格。但是，摄影风格到底是什么呢？

在这个人人都是摄影师的年代，每天都有数以百万计的照片被拍摄出来，不管你信不信，在这个时代想要创建一种只属于自己的独一无二的风格基本上已经是不可能的了，要知道你绞尽脑汁能想到的每一个好点子都有可能被别人想到过并且付诸于实际。

一种风格红了，可能就会引来无数人的模仿，变成千篇一律看着都烦的网红照。

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然而这样并不意味着我们就不能找到属于自己的风格了。风格依然会存在，即使并不是自己的专享，但是只要我们用好了并将其扩展，拍出更好更优秀的照片，这就是属于我们自己的个人风格。

换句话说，每个人都可以垄断自己的作品，但是却不能够垄断某个创意。只有将一个好的创意发挥到了极致，才是属于自己的最佳风格。

但是不管怎么说，风格这种事情都是坚持的产物，一两张几十张照片成就不了风格。当你的职业生涯越来越漫长，你拍摄的照片越来越多的时候，你的风格自然而然的就形成了。经过多年的经验，你的用光方式，你擅长使用的镜头，你最常拍摄的主题，这些，无一不成为你的风格的证明。

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做到这一切的前提就是我们所计划的拍摄目标和拍摄主题，在这之前则是灵感，灵感从来都不是凭空而来的，每个灵光一闪都来自于日常的累积。很多时候，我们接触一项创作都是从模仿开始的，毕竟在我们面前已经有了这么多优秀的作品让我们学习研究，同样也是让我们去攀越的高峰。

灵感固然重要，每一名创作者都应将自己的灵感视若珍宝，但灵感却不是随时随地都有的，也并不是所有的灵光一闪都有立马实现的可能。很多时候，我们的工作都会从模仿开始，毕竟那些前辈大师用他们的智慧和实力为我们奠定了一幅幅让我们攀越的高山。

Photo by Jim Flores on Unsplash

可是必须要明确的一件事是模仿并不等于抄袭，我们可以在日常的练习之中全盘模仿他人的成功之作，这样对于提高我们的技能有很大的帮助。但是要知道那并不是我们自己的风格，我们要做的是理解并且加以融汇贯通，我们需要在不断的练习之中思考，思考别人成功作品的构成，思考我们要如何在作品之中加入自己的情绪，不管是内容中所要表达的情感，还是表现内容所用的角度，还是色彩甚至是故事，都要有我们自己的深刻烙印。将自己的元素自己的特点自己的感触融入进我们自己的作品之中，这才是属于我们自己的风格。

世界如此之大，想要创造出之前独一无二的从来没有人涉足过的题材已经是几乎不可能的事情了，所以我们不需要太过于纠结想要创造形式上的独特，我们应该去追求的是内容上的统一，让我们拍下的每一张照片都能够和我们的内心世界相通。我们所认为的，我们所感受的，我们所看到的这个世界的方式，就是我们自己的风格，我们看世界的视角，就是我们的作品的独特性。

然而极简却不等于空洞无物，拍摄一张可以跟观看者对话并且具有一定意义和目的的照片和拍摄一张简单却没有内容的照片之间究竟有什么样的界限？今天就来说说拍摄一张极简照片有几个步骤。

1、一个主体

通常，大多数极简照片只有一个主体，它同时也可以作为画面的焦点。就像下面这张照片，球门就是主题，而天空和地面都是衬托球门的背景。

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2、简化

在照片中简化和消除干扰是拍摄极简的一个重要步骤，有的时候，外界的世界太过纷乱，我们只需要向前走几步就可以了。将干扰排除在画面之外，剩下的就是极简的主题。

3、负空间

提到极简主义摄影，就不能不提负空间，负空间说白了就是留白，通过大片画面中的「无内容」来创造画面内容上的极简。

但是对于摄影来说，负空间却并不仅仅只能指空白区域，因为在现实拍摄环境之中，想要找到大片的纯色的空白区域来拍摄是非常困难的，我们不能够控制环境元素，但是可以寻找可以利用的有效环境元素。因此这里的负空间可以指代其他中性的，重复的低影响元素，可以是纯色的空间或者是纹理。

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负空间的典型是大量的重复，不管是元素的重复还是色彩的重复，重复的目的是为了让它没有重心，也就不会影响到画面中的主体。但是在选择负空间的时候还需要特别注意，千万不要与主体冲突，一定要与主体区分开来，像是在色调上选择与主体色调互补的颜色以保持视觉平衡，实现视觉上的美感。

4、构图

极简主义的关键要素就是少即是多的概念。我们要做的就是让画面保持简单、轻巧和整洁。

但是，保持简单并不意味着我们要保持沉闷。大部分人拍摄极简作品的问题就在于内容太枯燥，虽然看起来画面很简单但是完全没有能够让人眼前一亮的内容，所以看完也就忘了，就像看到一面墙一样，墙上什么都没有，也就没什么意思了。

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拍摄极简主义照片是非常需要创造力的，我们可能需要精心布置主体元素来传达想要表达的内容，而这种概念需要大量的练习和摆放的调整，直到它们成为我们想要的画面。

除了利用摆放元素的方式来达到想要的效果，在很多场合我们是没有办法对眼前的画面元素进行干扰的，这个时候我们可能就得需要利用景深来将主体和背景分离，通过模糊的背景来分散注意力，给人制造一种极简感。

5、故事、情绪

拍出一张不枯燥的极简主义摄影的重点就在于讲述一个故事。在拍下这个画面之前，我们应该问问自己画面中的元素能否推动故事向前发展，或者是会阻碍故事的发展。在画面中，对称、线条、图案甚至于阴影都能够扮演讲故事的角色。

有的时候故事和环境会自发的聚集在一起，而拍摄者的人物就是从找到这样的画面并且迅速的做出反应，可能需要一些耐心才能够让正确的主体穿越我们想要拍摄的画面。

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极简主义同样也是一种视觉的陈述，画面中可以帮助我们讲故事的细节被简化，元素减少，大量的空间被“无”所代替。一张好的照片一定会传达某种意境，像是故事、信息、情绪甚至是概念，极简摄影也不例外，就像我最开始所说的那样，如果只是一味的注意「简」而忽略了照片的内容，那这样的照片只会是一张平庸的照片，被看过以后再也不会被提起，而只有那些传递信息的照片，才注定能够永恒。

特别是刚开始的时候，我们的肌肉记忆跟不上我们的思维，往往看到画面还没来得及拿起相机，那画面就消失了。

好的画面经常会出现，但我们要确保如何在它们发生的时候用最快的速度将其记录，这才是街头摄影师必须要做的功课。

1、相机的选择

对于街头摄影来说，好像并没有一种特定的器材。有些人喜欢用广角去捕捉瞬间的表情，有些人则喜欢用长焦远远的去记录，有的人却钟情于可进可退的50mm。

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街头摄影不同于其他题材的摄影形式，我们可以有充分的时间去准备，街头摄影需要捕捉瞬间的真实，这就需要摄影师抓住瞬间的能力，首先要快，其次就是「不介入」不去干扰被拍摄的主体，只有这样拍下来的情绪才是真实的。想象一下，如果你举着一台巨大的相机走在街头，很难不引起别人的注意，这就是相机的「侵略性」。所以大多数的摄影师会选择偏小的相机，像是PS（point and shoot）相机，或是旁轴相机。

虽然胶片时代的单反相机和旁轴相机在体积上来说没有什么太大的差距，但是单反相机的快门需要触及反光板的移动，这样势必就会造成清脆的快门声，这个快门声在平时可能听起来悦耳动听，但是在「不介入」的前提下，可能就会比较刺耳了。相比之下旁轴相机的快门声就非常轻，可以在毫不瞩目的情况下完成一次快门。所以很多街头摄影大师都偏爱旁轴相机，因为旁轴相机的最好的是徕卡，所以给人一种大师都用徕卡的感觉，但其实是街头摄影大师习惯用旁轴，如果是风景、人像这样的创作型摄影师，用徕卡的可能就没有那么多了。

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拍摄街头最重要的是随机应变的敏捷性，而敏捷性又受到相机重量的制约，拿着一台很重的相机很难单手完成拍摄，必须借助双手，同时想要自由的控制角度也并不是一件容易的事。

也正因为如此，除去旁轴相机以外，紧凑型相机（Compact Camera）或者 PS 相机（Point and Shoot）——随你怎么称呼它——可能是最适合拍摄街头的相机。它们的体积很小，可以随意的放到口袋里面去，我们可以在不经意之间掏出来按下快门完成一次拍摄；它们是那样的不显眼，也就不会使街上的陌生人产生压迫感；它们大多数都是 28mm 或者 35mm 的广角镜头，可以让你轻易的融入到人群之中，在捕捉人物的同时，也代入更多的环境来帮助主体完成一个故事。

当然，回到最开始的话，街头摄影对器材并没有一定的限制，只要能用好，任何器材都可以帮助你创作优秀的作品，当然这些都要取决于我们自己的拍摄习惯。

每一台相机都有拍出好照片的能力。能拍出好照片的相机，都是好相机。

2、相机的设置

很多情况下，这个画面你看到了，你准备拍了，却因为相机设置问题没有拍好。因此有一个适合的设置来帮助你更快更准的捕捉瞬间更加重要。

我不能告诉你什么样的设置最好，因为根本不存在最好的设置，光圈？快门？操作模式？这些都因使用者的使用习惯不同而改变。

在白天光线充足的时候我会使用 f/8 左右的光圈来获取更多的景深，快门在 1/250s 或更快以更好的捕捉，所有的这一切我都会提前设置好，需要的时候按一下快门就可以了。而在室内或者夜晚总是会不可避免的将光圈开大，但快门我不会低于 1/60s，否则一点微小的动作或者自身的抖动都会使得画面模糊。

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我会使用区域对焦，在熟悉景深尺的情况下，很容易能够预估当前光圈的景深范围，也就知道主体距离我多远可以拍摄到清晰的画面。因此不需要刻意去不差分毫的对焦，可以直接按下快门，当习惯了取景后，甚至不需要看取景器。

当然这是我个人的习惯，也并非最好。对你而言最好的设置永远是你在熟悉自己相机的前提下最得心应手的设置。

生活中没有假如，你看到了那个美好的画面，却没有记录下来，你告诉自己假如拍下来了该有多好。但是错过了就是错过了，永远都不会再出现，只能继续等待下一个美好画面的到来。

3、街头摄影的误区

低ISO：

我们都知道高感会带来高噪点，所以我们很多时候在设置相机的时候会主动的选择低感，但是感光度太低了的最大的问题就是曝光不足，必须要开大光圈或者降低快门速度才能平衡，而这些在街头摄影中都不是上策。街头摄影重点是捕捉瞬间，快门太慢很容易就会让瞬间跑掉，而大光圈会带来浅景深，也可能会很容易让我们想要拍摄的主体失焦。

要知道，就算是在胶片时代，1600度甚至于3200度的高速黑白卷也大多数都是街头摄影师来用的。

对主体的恐惧：

对大多数人来说，街头摄影很难的最主要因素不是来自于这些外因，而是来自于自己内心的恐惧。

其实这很容易理解，我们生活在一个看似开放却封闭自我的世界里，人与人之间都有一堵无形的墙壁，每个人都有自己的空间，用手机为自己套上了一层保护罩，我们很难去接近一个陌生的人，我们对陌生人可能也都会抱有戒心。

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对于很多那些想要拍摄街头的人来说，他们会担心，万一拿着相机拍摄陌生人的时候对方生气了怎么办，场面会不会很尴尬。于是犹豫不前，不敢举起相机拍摄看到的精彩画面，只敢用镜头对着无趣的花花草草街道建筑。

不管是使用 28mm 还是 35mm，甚至是稍长一些的 50mm 左右的焦段，它们都会带来一个问题，想要拍摄清晰主体并使其在照片中占据一定的位置，我们必须要靠近。

可是大部分人在街头拍摄陌生人还是会面对恐惧，害怕自己的拍摄会造成对方的反感。

保持距离也会增加安全感和消除不信任感，毕竟很多人都不愿被镜头正怼着脸，根据你的经验，选择你认为最合适的距离，并且在拍摄的过程中用经验拉近这个距离，而不是上来就横冲直撞，那我只能说少年祝你平安。

很多人拍摄街头，包括那些大师都习惯使用超焦距，选择一个适合当前环境的光圈，这样就可以在一个熟悉的距离内，哪怕不用看取景框，仅仅凭借肌肉记忆也能够准确的对焦，这样就避免了眼平镜头直接怼人的尴尬。

主体的选择:

街头摄影的主体有很多种选择，但绝不包括大长焦拍美女，不管是刻意的摆拍还是有意的在街头寻找拍摄对象。

街头摄影之所以吸引人，是因为它有着经过设计的摆拍摄影和风景摄影所不能有的特质，那就是用一张照片来说故事。

Photo by Sushil Nash on Unsplash

故事有的时候是很微妙的，并且会被其他照片中更加突出的特征所覆盖掉，像光影，像色彩。但是有的时候也是很强烈的，就像 William Klein 拍下的那张举着枪的小孩。

当然并非所有的故事都需要那样夸张的肢体语言来表现，更多的是一种平静的展开，好的照片可以让观众展开联想，从照片中的人物的一个表情，一个小动作来想象照片中的人物下一秒钟会做什么事，从而展开这个人物在他们自己心中的故事。

举个简答的例子，就像尤素福卡什的肖像，大部分人观看的重点可能是他镜头中所表现的那些名人，而对于摄影师来说就会仔细研究照片中的细节，寻找那些阴影和高光的对比，然后从中得到一些启发。

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如果你的相机里只剩下一张底片，你会用来拍什么？不论如何，你肯定都会更加珍惜这次快门的机会，不会轻易将它用掉。当然，一张底片可能有些极端，其实拿数码和胶片做类比就可以了。使用胶片来拍照明显会比数码慢很多，毕竟按下的快门都是钱。

拍的慢了，拍的少了，未必就会拍的差，相反，可能会拍的更好，正是因为我们放慢了脚步，才使得我们在按下快门前有更多的时间去思考。

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胶片拍得多了，就算再转回数码也不会成为快门狂魔，这其实是也是拍胶片带来的好习惯，除非是需要抓拍的场景，思考总比删片要有效率的多。

而胶片是没有屏幕让你回顾自己拍下来是什么样的照片的，你必须要对你的曝光有一个预测，这样才能清楚知道自己这张照片有没有拍好，要不要重拍，有时候机会其实并不只有一次，就看你知不知道自己要不要重来。而这个过程，也会让我们更加加深对于照片本质的理解。

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对于观看的练习，摄影师 Minor White 曾经有过这样的练习，他将他的学生带去一个布满岩石的海边，在这里，面前是广袤的太平洋，背面则是各种各样不同的石头组成的岩石森林。这些石头经过海水和狂风的冲刷，变得柔软而坚硬，风和水在将石头雕琢成了各种各样的形状，石壁上也有错综复杂的图案，仿佛来到外星世界一般。

而 White 则会要求他的学生在这里练习构图，以帮助学生们来培养他们的「原始视觉」。简单点来说，在这里拍到的每一块石头，都是不同的。而他希望他的学生来拍摄的画面正是如此：不要拍摄自己熟悉的形状和形式。

拍的形式多了，在遇到新的内容的时候很容易就会找出相似性，在按下快门前对于画面的组成也就有了一定的预判，知道要怎样摆放画面中的元素才更容易突出主体。所谓的构图，更多的是大量观看照片和练习，对画面有了了解之后的一种条件反射。构图本来就是一个空洞的概念，照片好看了，自然就有了一个好的构图。好看照片的原则，就藏在我们看到的那些照片的细节之中。

但是在夜晚拍照就没那么简单了，拍照的本质是捕捉光线，因此光对于拍照来说是决定性因素，光线的强度决定了曝光三要素的组成，而在弱光环境下，由于光线不足，可能需要长时间的快门才能够让足够的光作用到传感元件上。也正是因此，弱光摄影并不是一件容易的事儿。

由于胶片的感光度是固定的，大部分的常用卷的感光度都在400以下，所以使用胶片拍摄大多都会选择光线环境好的时刻，在夜晚，甚至于在室内环境下如果不注意控制快门速度，即使光圈开到最大，在没有外部光源辅助的情况下，也很容易欠曝。

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而现代数码相机则由于感光度的灵活，在弱光摄影中的表现要强过胶片相机。可能在早期，数码相机刚刚发展的时候，数码相机的高感控制很一般，同胶片一样，超过 800 的感光度就会出现不可控的噪点，但是如果说胶片的颗粒可能还有一些美感的话，噪点就实在是太难看了。不过近些年的大部分数码相机的高感控制都已经足够出色，在高达 6400 的高感下都能够很好的控制噪点，更不要说有些专门为高感而生的黑科技相机了。

在晚上拍照要注意些什么呢？

1、选择合适的器材

虽然变焦镜头更加方便，但是定焦镜头更容易做到大光圈，并且相对来说比较便宜，胶片时代的标头大多都是 f/1.7 或者 f/1.8，哪怕是 f/1.4 的 50mm 定焦镜头的价格也是大部分人能够接受的。而数码时代各家的 50mm f/1.8 应该也都成了入门标配，在弱光环境下，开大光圈不得不说是一个必要的选项。

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一般来说，只要选择安全快门以上的快门速度都不会有大碍。安全快门取决于焦段的长短，焦段的倒数则为安全快门速度，像是 50mm 的镜头的安全快门就是 1/50s，对应标准档位就是 1/60s，而 100mm 的镜头的安全快门就是 1/100s，对应标准档位就是 1/125s。

当然所谓安全快门也只是一个公认的数值，如果你真的有一双金刚铁手的话，也就不用担心了，具体的使用还是要因人而异。

安全快门只是我们能够控制的最低快门速度，如果我们的拍摄对象在移动的话，想要固定他的动作，还需要大幅提高快门速度。

如果我们拍摄静止的画面，并且携带了三脚架或者能够将相机固定的话，就可以利用长曝光来保证进光量了。固定相机拍照需要注意的是，尽量不要直接按快门，可以设置倒计时快门或使用遥控器来操作快门，这样可以最大限度的避免因为按下快门那一瞬间造成的机震。

2、选择合适的设置

弱光环境下最好不要使用光圈优先或者自动曝光，因为那样很容易因为光线的不足让快门速度变得很慢，造成不可避免的抖动就不说了，还很容易错过拍照最好的时机。

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确定一个快门，让相机来选择光圈和感光度，但是即便如此，也应该尽量选择你可以控制的最慢快门，否则就像上面所说的，光圈感光度都到极限了可能都没办法满足你选择的快门速度。

对于弱光摄影来说高感是不可避免的，数码和胶片最大的不同就在于高感。相对来说，ISO 800 的胶片就能算是高速卷了，而 ISO 800 的数码才刚刚起步，超过 ISO 800 的胶片则非常昂贵，因此高感可以说是数码最大的优势了。

早期的数码相机可能对于高感的控制并不是那么好，但是随着技术越来越进步，传感器的高感也越来越可控，像我在晚上出去拍街头的时候相机的高感经常控制在 6400，成片也非常好，完全可以接受。

3、使用手动对焦

自动对焦系统虽然很方便，但是也有不那么准的时候，尤其是在面对低对比环境或者弱光环境下，很难判断对焦点，当你半按快门的时候只能感受到镜头在无止境的拉风箱。

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在光线不足的情况下最好使用手动对焦，手动对焦绝对比自动对焦更加精准，真的是指哪儿对哪儿，而且用习惯了手动对焦一点儿也不比自动对焦慢。

而有些相机系统对于手动对焦还有一个优势，就是可以通过 EVF 来实现峰值对焦以及放大对焦，能保证准上加准。

习惯是慢慢养成的，如果你觉得自己还没有养成某种习惯，不妨来看看下面这些，试着做一做，可能会对你的拍摄有些帮助。

1、用擅长的领域之外的方式来拍摄

每个人都有自己擅长，或者喜欢的领域的题材，如果你不清楚自己擅长的题材，看看你工作之余为自己拍下的照片，哪种类型占据绝大多数，那就是你喜欢拍摄的题材了。

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虽然你可能也很乐意重复拍摄相同主题的照片，但是你也可能会开始养成一些特定的拍摄习惯，当你以这种方式来进行拍摄的时候，想要动摇原有的模式去拍摄新的事物可能会变得越来越困难。

解决这个问题的方法之一就是用通常拍摄之外的类型来进行拍摄，拍摄需要你所使用的技能完全不同的技能来拍摄，比方说你习惯了用中长焦去拍人像，下一次就试试用广角来拍。逃离舒适区，换一种方式来拍摄可以迫使我们去思考自己在做什么，而不是通过条件反射来完成。

2、你也没有多特别

看起来，摄影入门的壁垒比其他的技能都要低一些，尤其是全民摄影师的现在。这也就意味着对摄影感兴趣的人随时都能进入这个领域，没有什么能阻止他。当然，除了不切实际的器材追求和钱包之间的矛盾。

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所以，有一台好相机也不会让你与众不同，自称摄影师也不会让你与众不同，拍出一些让自己满意的照片，这很好，但依然不能让你变得与众不同。

网络风气自然不用说，键盘摄影师最擅长的就是贬低别人吹嘘自己，甚至别人用什么相机来拍照都要拿来踩一脚。当然，他们除了拥有一个键盘也没啥了，我相信大部分摄影师都是很好的。

我们不能控制别人如何来敲键盘，但是我们可以约束自己，尊重他人，像一个人一样讲礼貌。你拍下的照片可能并不能代表你自己，但是你的言行却可以。

3、不断学习

对任何行业来说，这都是不能忽视的重点。

摄影世界也在不断进的变化之中，新技术、新器材和新的拍摄思路都在不断涌现。

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在学习新事物的时候，我们可能会有很多想法。有些想法可能听起来有些荒谬，不可能解决。但是面对困难，不可能的挑战是最快的学习方法之一。想要获得想要的东西，我们必须按照自己的步骤来解决问题，即使结果不尽人意，但我们肯定能从过程中学到一些东西。

4、不要免「俗」

摄影发展到今天，宏观世界下，可以说几乎没有一种题材是摄影师们没有尝试去拍摄过的了，可能你感兴趣的主题你经常拍摄的场景已经有很多摄影师拍过无数遍了。

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不管是人像，动物，还是风景。你在网上搜某个风景区，可能能看到成千上万张看起来差不多的照片。那么我们也要拍出下一张「差不多」的照片吗？

当然。看到这些看起来都差不多的照片我们可能会感觉无聊，但是我们需要问自己的是，为什么它们会变得「俗气」，是什么吸引着人们一次又一次的去拍摄这些内容。

其实它们之所以「俗」，还是因为人们喜欢它们。

你的照片的观看者不是摄影师，不拍照的人才不会管这张照片有没有人也拍过，所以，不要害怕去拍摄自己喜欢的内容。

同样是复制经典伟大的作品，有些可以是致敬，有些却是抄袭。如果我们想要模仿其他摄影师的作品或者仅仅只是简单的技术（像是构图、曝光、后期的影调等等），那么我们至少要得花一定的时间去研究对方的作品，弄懂得到这个结果的过程并归为己用，其实这些对于我们还是有很多好处的。

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当然，这最好仅仅只存在于非商业世界里，为了个人目的的模仿，应该视为学习的一部分，是值得鼓励的。但是如果是为了其他某种特定的目的去模仿，不论是为自己博得名气，还是商业上的利益，都是不怎么道德的行为。

甚至于我可以肯定的说，我们在创作的过程中都曾经模仿过别人，毕竟摄影发展这么多年，很少有原创的从来都没有人拍过的主题了，每种题材每个公共的场景可能都早已经被拍了成千上万遍，只是可能并不是那么生硬的照搬，我们可能从某张照片中借来姿势，从另一张照片中借来光线，再从其他的照片中借来构图，等等等等。涉及到创作的时候，要真正的做到完全的原创其实是很难很难的，在现在这个社会，想要将自己完全同世界隔离开来几乎是不可能的事情了。

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那么，如何从单纯的模仿他人转变为以他人的作品为灵感呢？

很简单，思考，然后加入自己的内容，当你开始将自己的体验加入到所创作的作品中的时候，差异就产生了。当作品能够明确的反应你对世界和所表现的场景内容的自己的看法的时候，这就是属于你的独特的作品了。

这就是所谓的风格，想想那些伟大的肖像摄影师或者风景摄影师，像是尤素福卡什，安塞尔亚当斯，我们往往一看到同类型的照片就能够想到他们，这就是风格的烙印对我们的影响。

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模仿本身就是学习的一部分，就算那些伟大的艺术家们也曾经临摹过前辈的作品来提高自己的水平。模仿的越好，自己对这项技能的理解就更加透彻，水平自然也就得到了提高。就像上面所说的，如果是为了练习、学习而进行模仿，这种行为应该值得鼓励。

当人们开始思考作品的意义并且将自己的思考以及对于作品的理解加入到其中的时候，这些作品才会真正变成你自己的作品。

这是我们最开始选择构图的方式。不同的人，甚至是不同的时间，我们都有可能会选择出不同的照片，每个人都有自己的观点，都有自己的一套用画面表达内心的方式，而构图同样也不是一成不变的定律。每一张照片，都有可能会满足一种诉说故事的方式，引导你进入画面中，从照片中读出自己的故事。

拍得多了，我们自然也就形成了自己的风格和拍照片的方式，不再需要在同一个场景上拍下很多张照片来回挑选这样没有效率的工作方式了。事实上，只要举起相机，看到取景框里的世界，我们自然也就知道要用什么样的方式来选择画面，直到按下快门键。

就像有些人看到画面的瞬间就会想到框架的划分，就像下面这张照片，海天交接将画面均分成两个部分，而鸟和太阳也作为亮点来点缀画面。

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当然，不要被三分法或者等分法给束缚住了，它们并不一定必须得是均分，就像下面这张照片，也同样有一个稳定的框架，画面被三分为天、海、沙滩三个部分，三个部分都有明确的分界线。

Photo by frank mckenna on Unsplash

这取决于我们重点想要表现什么，如果前景中有我们想要突出表现的内容，只需要将相机的视角下移，多拍一些沙滩的内容就可以了。

分割同样也不一定是平行于画框，甚至不需要填满整个画框，就像下面这张照片，同样有着自然的分割。

Photo by Iain Stanley

下面这张照片，同样以海浪作为自然分割线，将画面的情绪自然的分割开来。

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构图的意义就在于用什么样的方式来吸引我们的视线，而画面框架中的分割所形成的分割线则会成为自然的引导线，引导我们的视线从分割线上发散开来，进而观察到整个画面。

重要的是要研究我们喜欢的照片，了解我们为什么喜欢那些照片，了解为什么这样的构图能够引起我们的共鸣，这样才能够活学活用，下一次当我们举起相机的时候也能够利用同样的构图规则来组织我们的画面，而不是简单的套用那些构图定律。

既然拍了，就不能随随便便的拍，不拿出点真本事来他们都不知道为什么你单身越久拍照就越好。

拍摄情侣照的时候最重要的是情侣之间的交流，可能不需要紧拥或者亲吻这些强烈的表达爱意的肢体动作，只需要一些小动作或者一个眼神就能够表明他们之间的关系，今天就来说说拍摄情侣照的时候那些常用的小动作。

1、其中一个人可以从身背后轻轻的抱住对方，这个时候他们可以看着相机也可以看着彼此，总之只要自然就好了。如果想让情感的表达更加浓烈一些，还可以让他们互相亲吻对方。

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女生同样也可以从背后抱住对方，由于身高差的问题，女生站在身后的时候一般都是头靠着男生的肩膀，这个姿势看起来会很轻松，对于那些在镜头前比较紧张的情侣来说，可能会使一个不错的选择。

2、情侣之间面对面站着，女方将手臂轻轻的放在男方的胸前，如果身高差足够的话，男孩子也可以将下巴贴近女孩子的头上，鼻子闻着她的发香，或者直接亲吻她的额头。这个姿势可以唤起爱意的归属感，同时也能够帮助我们的拍摄对象放轻松。

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3、让男生背起女生或者让女生冲上去让男生抱住，这样的动作总是充满欢乐并且充满动感，抓拍的过程中总是会不小心拍到意想不到的好画面。

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4、黑白可以放大情绪，其实剪影也是一样。这种拍摄方式虽然是老生常谈也不新鲜，但是如果有合适的场景拍一拍也是不错的，尤其是可能你觉得太寻常但是对别人来说就是珍贵的记忆。

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5、当然我们也可以给他们留一点空间，让他们自己聊聊天，我们则从距离被摄者很远的地方来拍摄，不管是走着还是坐着，用路人的视角来拍他们，但是要注意捕捉他们之间的目光接触或者互动，这样客观的表达会更加真实也更加动人，但是要注意，在城市里可能会因为背景太过杂乱而干扰到主体，最好是选择没有干扰元素的场景下进行拍摄或者是用大光圈将主体和人像分离开来。

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6、细节同样也可以用最简单的方式来表现主题，而细节最简单的表达方式就是用肢体的接触来表现。在拍摄的时候观察对方的小动作，然后跑到他们面前拍一些肢体接触的细节照片吧，但是要注意隐身啊。

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7、如果是在家中拍摄，就可以拍一些常规的亲密场景，像是闲暇时刻一起腻歪腻歪的样子。如果是在陌生的场所可能会有些拘谨，这样的照片最好是在他们的家里，自己熟悉的场所拍摄，让他们做出平常的样子就好。

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当然也别忘了让家里的宠物一起入镜，这样才是一家人嘛。

而有的时候，想要拍出一些更有特色的作品，却往往需要打破一些规则。

今天就来说说那些常用的拍人像的方法。

1、改变你的视角

你最常用的拍人像的视角是什么？站着拍的眼平视角？蹲在拍的腰平视角？还是直接趴着拍的仰视视角？

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大部分的人像都是在眼平或者腰平视角下来拍摄的，但有些的时候，我们也可以用一些特别的角度来拍摄，比方说站在高处的俯视视角，或者说趴在地上的仰视视角。

其实根本就没有一个所谓的完美角度，由于每个人的表现力都不相同，而且我们每一次拍摄的主题也不相同，在一个人身上拍出来的你认为最好的角度，在另外一个人身上就感觉不怎么样，因此我们在每个人身上都要多尝试几种角度，以发掘出她们所能够表现出来的对于她们来说最好的角度。

2、眼神交流

眼神的交流并不是说一定要让你拍的人盯着你的相机看，这个交流当然可以是拍摄者和你之间的交流，不过也可以是被拍的人和画面的交流。

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比方说让你的拍摄对象将注意力集中在相机视野以外的地方。这样可以吸引观看者对画面产生兴趣，想要了解模特所注视的内容。尤其是当被拍摄的人流露出某种情绪（喜悦、惊讶等等）的时候，这种吸引力会特别强烈。

又或者，你可以让你的被摄对象注视着画面内的某个人或者某个物体。这样就可以为画面创造第二兴趣点，与你的主要拍摄对象之间建立一种联系，有助于在画面中创建故事。

3、关于构图

关于构图，自然就会有很多构图的规则。可是，虽然构图规则对于创建镜头语言有很重要的作用，但是并不一定就是说所谓的构图的规则就是一定不能违反的。换言之，任何一种方式都，只要能够有效的引导观看者对于画面内容的理解，就是一个好的构图。

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就像我们熟知的三分法，并不一定每一次拍照都要将主体放置在画面的三分之一处，将主体放置在中心处可以增强主体的力量，而有时候将主体放置在边缘也会让画面变得更加有故事性。

当然，一切的构图都是为内容服务的，正如上面所说的，只要能够正确的引导观看者对画面内容的理解，就是一个好的构图。

4、自在的拍摄

有些人，拍人像的时候总是喜欢要求对方要怎么样来摆姿势，而这些姿势可能只是他们习惯的经常会拍的，对于非专业的模特儿来说摆一些自己不常做的动作可能会更违和。

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在对方擅长的主题上来拍摄，这会是对方更加自在，我们总是可以在拍摄对象所处的环境中，在他们自在的反应中拍到一些不错的照片。我们甚至可以用长焦镜头，像狗仔一定，给对方留出空间，拍出真正坦率的照片。

尤其是在儿童摄影中。

5、借助一些小道具

一个合适的道具，绝对可以为照片加分，不管是人像，还是产品，甚至是风景摄影，道具的运用都能够起到画龙点睛的作用。

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因为我们选择搭配画面的道具并不是作为画面的主体出现的，所以道具的作用就非常简单了，改善构图并且添加一定的视觉锚点来辅助主体的表达。

其实身边的任何一个小物件都能够成为我们拍人像的道具，一张椅子、一个小配饰、一盆花、一张毯子、一定帽子等等，所以我们根本不需要去额外购买什么的道具，就算是日常生活中常见的一些物事，像是一本书、一个气球、一盏台灯、甚至是一个拖把都能够让画面看起来更加生动，也有助于我们拍出更有故事感的照片。

6、专注于身体的一部分（然后靠近！)

在拍摄的时候，我们可以使用长焦镜头或者靠近对方，这样我们就可以拍摄主体身体的部分，像是眼睛、手、腿、嘴巴等等。

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部分的人像，会带给观看者更多的想象空间。

有的时候，没拍的内容带给照片的故事比拍摄到的内容还要多的多。