这是我暂时在这里最用心写的文章，因为这里说的东西让我的摄影成长。网上也相对较少类似的讨论，希望可以与大家分享。

我这里的相是不是正相我不敢说，但摄影本是自由的。我也顺应工具的特性去影响我的Approach。

当使用智能手机拍摄如Instagram ，多数人只会用作『社交拍摄，生活分享』。怎样才可以跳出这框框?

问题是智能手机解像度低，没有光学变焦，景阔限了在30 多mm (135 equivalent)，亦没有浅景深散境。例如，我们不能做典型的85/1.8人像拍摄。而这些照片通常只适合留在小的智能手机屏幕观看，一但换上较大显示屏时，照片也会变得很糟糕。因此，我们需要一些特别的策略，也要分析这平台上观众和摄影师的心理层次。

首先，我们要了解照片的大小真的有所差异: 较小的照片尺寸意味着你有较小的空间做Contrast of scale，例如你把一个小的人的放入构图，smartphone上你不会看到他的脸。

手机屏幕上的小尺寸也意味着构图会变得更加突出，所以必须注重构图，但却不能让构图复杂。也不要期望用Texture & Detail 去做照片的重心。另外，手机也意味着从观众得到的Attention Time Span较短，所以会倾向、也能更自由地使用夸张的颜色Filter Effect。

然后，我们要了解智能手机的优势： 接近35mm是街摄的焦距。操作的快速轻便是另一个关键。 Macro距离非常近。

这组合意味着什么？你是否发现，使用智能手机可以很容易拍到任何事情，任何困难的角度?这就是智能手机的设计原意。这意味着我们可以比用"正常相机"更随机并灵活地拍照。这跟『snapshot』这意念有密切关系! 而smartphone的独特性是它实在太方便了，因此用来探索摄影是非常有效的工具。

来自阿根廷的女摄影师Luiza Cavalcante，发起了一个200天的摄影项目，坚持每天发布一张照片，期限是200天

200天，生命的1/100，我们时常浑浑噩噩就过了，没有留下任何的痕迹

Luiza Cavalcante用生命里的200天来坚持做一件事，拍照

到她生命结束的时候，这200天的坚持，却是永恒的记忆

via

来自德州休士顿的摄影师Tamara Lichtenstein 现年​​23 岁，受到时尚、女性、以及青春的启发进行创作。她从高中时期就开始摄影，完全以底片相机创作而且几乎没有经过后制，她只在社交网路上使用数位的器材拍摄。对于创作，她说自己不断的梦到在拍照，所以她就起来拍照，然后周而复始不断下去！

今天我们就说说这个吧

1:1的世界

正方形，或者说1:1的构图

在不少资深玩家的眼中

是一个四平八稳的构图方法

撇开关于模特儿身分的敏感话题，让我们站在一个女性摄影师的观点来看，波多野结衣无庸置疑是一个非常美丽的女性，而拍摄美丽的事物我想应该是所有摄影师的志愿。

这本摄影集是由摄影师萧希如掌镜；摄影师尤俊懿统筹规划；KaiaK 艺术指导；Snappp 照玩杂志出版与发行。跨领域的合作团队，历时三天，总工作时数超过36 个小时，不管是摄影师、模特儿或是工作团队，都展现出高度的专业与工作精神。而主角波多野结衣在拍摄过程中许多微小细节的专注与配合，从来没有怨言与不耐，不管再累永远都以甜美的笑容对人，让工作团队见识到了日本人的敬业精神与态度！

逆光下的光斑有圆形、格菱纹、点状跟雾化等各种样貌，非常漂亮！

拍摄时机

要产生光斑的效果，需要有比较强烈的「点光源」。这时候拥有光质比较硬且光量强的光源，会来的有利一些。像是当太阳在比较高的位置、或是由灯光直射镜头的光线都属于如此。有时候低角度的太阳也有机会形成光​​斑，只是接近日落的太阳光量会比较弱，容易让光斑弱化成为白雾状。

拍摄方法

逆光所产生的「光斑」效果，大致分为两种，像泡泡一圈一圈的小百就称他为「泡泡型」，一格一格的小百就称他为「菱格纹」，不管是「泡泡型」还是「菱格纹」，光斑的形状其实跟拍照技巧没有太大关系，反而与器材有着绝对关联，像是定焦镜头抑制光斑效果的能力比较强，所以怎么拍都拍不出光斑来；而变焦镜头就比较容易产生，这会根据每颗镜头的镜片镀膜、材质的不同，而产生差异。

「泡泡型」与「菱格纹」的光斑形状，是由镜头内控制光圈的机械叶片所形成，两者的变化，就在于光圈的大小，如果我们开启大光圈，则会产生「泡泡型」光斑，缩小光圈就会出现「菱格纹」光斑，但也并非光圈全开就会有「泡泡型」，要看你的镜头光圈够不够大，机械叶片能否开到接近圆形，才有机会形成泡泡状，要不然就会是「菱格纹」或是微微看见边角的泡泡光斑，而「菱格纹」也有所谓的八角跟六角状，这就是看你镜头机械叶片的片数而定。

「一张照片的精髓，在于激荡情绪的能力。」——艾略特．波特，1987年

技巧固然重要，却仅仅是摄影的第一步。掌握了曝光、控制好景深，有助于传达想法，但前提是你必须先有想法。诚如安瑟尔．亚当斯所言：「最糟糕的事，莫过于画面清晰，构想却模糊不清。」

光线

爱德华．威斯顿曾说：「摄影师必须处理的元素中，最重要的莫过光线。相机、镜头、底片、显影剂和相纸的用途无他，就是捕捉并呈现光线。然而，尽管光线对摄影至关重要，现代摄影师却常忽略、不了解或滥用光线。」

要拍摄风景，得先理解光线，这点看似清楚，但又有多少人真正研究过光线？威斯顿曾建议一位朋友「带着相机出门，亲自认识光线，看看光线在熟悉与陌生的景物上，在树、脸孔、浮云、万里无云的天空上，产生了什么效果。仔细观察同样的景色在一天24小时中的样貌。不要只是匆匆瞥过，要细细体会，直到你学会从光线的特质去观看万物。」他的儿子布莱特．威斯顿（Brett Weston）讲得更直白：「如果你对光线一窍不通，可能还是算了吧。」

Pool in Mystery Canyon, Lake Powell, Utah,
神祕谷一方池水，猶他州包威爾湖
艾略特．波特

一代代彩色摄影师从艾略特．波特身上学会了风景的观看之道。他用正片拍摄熟悉的风景，强调细致的色彩与纹理，正片高反差的局限在他手中反而化为优势。
波特是以摄影推动生态保育的先驱。这张神秘谷一方池水的照片，最早于1963年刊登在山岳协会出版的《世外之地》（The Place No One Knew） 一书中。格兰峡谷水坝工程于1956年动工，1966年竣工，淹没了该书主角：格兰峡谷。该书以沉痛的笔触搭配波特美丽的影像，告诉世人他镜头下的景象即将沉没于水位高涨的包威尔湖底，也将环保运动推向更积极的捍卫行动，以免类似的悲剧在未来重演。波特与山岳协会合作出版了五本书，对于将环保议题带入主流的政治对话贡献良多。

构图

对很多摄影师而言，构图是摄影最困难的环节。可能正因如此，构图法则应运而生。然而风景摄影的前辈大师对这种公式嗤之以鼻。 「在拍摄前参考构图规则，犹如出门散步前先查阅地心引力定律。」威斯顿如是说。

在某些情况下，这些规则（也许称为指引更合适）对构图确实有所助益，但自然世界如此复杂，不可能有规则能适用于所有情况。不过有个原则倒是永远不会错：精简。最出色的构图只撷取精华，没有多余的景物。或者，再次引用威斯顿的话：「良好的构图，不过是以最强烈的方式观看并呈现。」

此外，出色的构图几乎都有一个共通点：有力且抽象的设计。很多时候，摄影师会太过在意摄影的主体，而忽略了设计。举例而言，很多摄影师在走近树木时，对树的影像已怀有既定想法，而忽略眼前的树自有其独特性质。安瑟尔．亚当斯认为：「摄影师不该拘泥于自己感兴趣的拍摄主体（还是错译，这可能是全书最难的句子，请完全读懂原文再重新造句，或请译者重译）；如果他没有毅然决然用心灵之眼观看画面，成品恐怕会令人失望。」

然而, 是否散景就是一切?
在任何的时候, 我们是否也应该把散景的效果成为拍照中最重要的东西之一?

一、散景的用途

大光圈镜头下的散景
很多人都被它迷倒
然而, 散景背后的意义是什么?

可能, 第一
就是要把主体突出
背后的其实物件就把它淡出画面之中

第二, 增加画面的层次感
我们的眼睛系统也是如此
要知道当我们的双眼把焦点放在一个物件之中以后
其他地方的东西, 在视觉画面中就会被糊掉淡出, 或者被删掉
同样的道理, 利用散景糊掉背景的方法
我们把眼睛聚焦的原理放在照片中
不但可以突出焦点部份
同样的, 也可以增加照片的层次感
就像画画一样, 有前(中) 后不同的景观, 层次分明

1963 年出生于亚特兰大的女摄影师Tierney Gearon 因缘际会被欧洲模特儿经纪公司请去担任摄影工作，经过5 年她决定安定下来结婚生子，在孩子都大了之后她开始自己的个人专题创作。

看到这些照片你或许会认为Photoshop 也做得到，不过她坚持全部都以传统方法完成这些作品。她利用两个完全不同的场景以及情境来创作，使得每一幅作品都充满了一种混乱中的稳定以及冲突中的协调，超强的功力，超棒的作品！

via : Trendland

文章出處 KAIAK.TW | 城市美學的新態度

白照片的基调通常概括为三种，即高调、低调和中间调。高调指照片上白色和浅灰色占绝对优势，即由大量白色和浅灰色构成的照片称为高调照片。低调指照片上黑色和黑灰色占绝对优势，即由大量黑色和黑灰色构成的照片称为低调照片。介于高调与低调之间，不存在黑色或白色占绝对优势的照片均称为中间调照片。日常大量的黑白照片都是属于中间调的。

高调照片能给人轻盈、纯洁、优美、明快、清秀、宁静、淡雅和舒畅之类的感觉，常适宜于表现明朗秀丽的风光、浅色的静物、动物等，在人像摄影中，用于表现儿童、少女、医生等效果较好。低调照片能给人神秘、肃穆、忧郁、含蓄、深沉、稳重、粗豪、倔强之类的感觉。中间调之中对比强烈的（反差大），往往给人一种生气、力量、兴奋之感；对比平淡（反差小），往往给人一种凄凉、压抑、朴素之感。

值得注意的是色调的这些作用只是“有助于强化”某种艺术效果，只是在配合特定内容时才能起到相应的某种强化效果，具体起到哪一种强化效果需要由拍摄的内容决定。在形式与内容的关系上，起决定作用的是内容而不是形式。这就要求拍摄者在运用色调这一构图因素时，首先要考虑拍摄对像是否适宜采用高调或低调。为高调而高调、为低调而低调的做法，往往会弄巧成拙，适得其反。

考虑运用高调或低调时，还应注意到被摄对象本身（包括主体与背景）的深浅情况是否适合拍摄高调或低调。这种考虑应是积极主动的，这就是意味着应考虑到是否可以运用滤镜、用光等摄影技术来控制景物的色调再现。

在高调和低调照片的构图上，对高调照片要注意画面上有少量有力的黑色，否则，高调照片常会显得无力、苍白。高调照片的主体光比宜小。对低调照片要注意画面上有少量明亮的白色，否则，低调照片易显得灰暗、无神。低调照片的主体光比宜大些。

在黑白摄影中，对高调和低调照片曝光量的掌握方法通常是：拍高调照片比正常曝光增加一档，以增强高调的明朗程度。拍摄调照片比正常曝光量减少一档，以确保浓重的黑色基调。当然，也可以接正常的曝光量拍摄高调或低调照片，然后在放大照片时作相应调整——高调照片的放大曝光少一点；低调照片的放大曝光多一点。

挪威摄影师Anja Niemi的一组自拍摄影项目，名为“请勿打扰”，打开行李箱拿出不同的假发，在酒店房间的各个角落进行拍摄。每一张照片似乎都是在诉说一个故事。

看似完美无瑕的组合时刻都在揭示着一种不确定性，私人的情绪的困扰和冲突充斥在画面里。我们永远不知道前一秒发生了什么，下一秒又会是怎样的场景。

极简构图的基本意念：思考极简风格的本质

对于追求影像构图的手法，相信许多摄影人在每个阶段都有不同的想法，而镜头下所传达的影像其实就算是一种描绘与呈现故事的表现，让摄影者能够以构图去阐述自己想要传达的意境，可能只是一个街头缩影，一株平凡的小草，都有其存在意念于作品之中，而近年来越多人喜爱拍摄的极简风格，即为陈述这样作品最有效的手法之一。

极简影像我们可将其看为是一种设计的构图，目的是在追求能用最低限度的视觉感受去阐述整体影像故事，以画龙点睛的方式让人们看见简单主题、大片留白下影像的重点。然而这样的作品或许有别于以往的「井字构图」，不但重点主题可能偏离黄金交叉点，有时与背景主题也毫无相对关系可言，甚至是以抽象的取景来为作品画下注解。

这类典型的手法都在在说明极简构图所传达的影像艺术，因此就某些人的观点看来，这类风格是非常主观的概念，除了能以拍摄者的角度去思考外，也能取决于观赏者在面对影像内涵所触及的想法，让故事不再只是你告诉我，而是也能以我自己的方式去解读，欣赏这幅美好的影像。所以就构图意念的传达上，这类作品呈现出的感受，也确实有别于传统摄影的定义，给予人重新找寻影像平衡的感官表现与思考构图的新气息。

过去我们常说摄影是种减法，而极简风格的影像则是将这种理论发挥到极致，以「Less Is More」的方式，用这样简单却又不失影像意涵的手法来料理影像。不过，要如何确实掌握简洁的构图，抓到那维妙维肖的味道，诠释出极简影像的风格呢? 就让我们一起来看看吧！

在过去的三年里，摄影师Neil Craver一直在进行一个令人难以忘怀的美丽的水下摄影项目，以展示潜意识对我们生活的影响，在我们的生活中，受外部环境的影响，意识会突然发生变化，做出一些应激的反应，就好像突然潜入深海。你必须打通现实和梦境，联通意识和潜意识，将一切释放。

Neil Craver's website Via My Modern Met

这些带有阴森、诡谲的黑白照片是不是有点被这强大的气氛张力给感染了呢？来自美国的Lauren E. Simonutti 本身是位黑白底片的专业摄影师，她的作品全是由4×5、5×7、8×10的大型底片经过独自暗房冲洗，不参入任何数码后期。可惜的是，一直被严重混合状态极度情感分裂障碍疾病缠身的Lauren E. Simonutti 不击病魔的摧残，在去年四月辞世。

德国双人摄影师组合Dagmar Keller 與 Martin Wittwer 一直致力于电影、摄影、影像装置等不同领域的创作，他们的创作在研究现实与虚构之间的关系。从2007 年开始他们进行了名为〝I Knew Some of You Better Than Others, but I Miss You All〞的自拍专题，两位艺术家亲身入境解构了审美的感知以及社会的规范。以生活中常见的时尚元素，在游戏中改变身分从观众变成实地参与这些无所不在的时尚图像！

Via KAIAK

什么是好运？能够拍到这些照片的人就是好运！在对的时间（天时），对的地点（地利），拿起你的相机（人和）就有可能拍出这些照片。好运就是属于当机会来临时已经做好准备的人！

美国视觉艺术家Samuel Bayer是摄影师也是导演，他对于视觉美学图像的渴求近乎贪得无厌，他的风格定义了当代的MV 与广告，开创了专属的职业生涯。他的眼光与解译成为业界追随的典范，从艾美奖、金狮奖、葛莱美奖…他获奖无数，让人赞叹！

除了动态影片的制作之外，他同时也不留余力的进行静态摄影创作。这里就来分享他的名人、明星人像摄影作品。有别于其他我们介绍过的作品，Samuel Bayer 的镜头下所呈现出来的张力与戏剧性是无与伦比的，就算是静物摄影同样让人震撼！

「自动对焦」(AF) 现在是数码相机的基本配备吧？甚至也有些相机，会标榜自己是全球(自动)对焦最快，但其实这技术只是发明了半个世纪，在以前人们都是手动对焦(MF) 的。不过显然这是很好的发明，所以大多数人大多数情况都用自动对焦，方便嘛，然而自动对焦绝不是万能，来自摄影师Alistair Scott 的建议，以下有10个情况，你应该使用手动对焦。

1. 光线不足

自动对焦依赖光线，或是足够的对比度，在光线不足情况下，对比度随之降低，因此往往无法自动对焦；即使使用了AF辅助灯，也无法应付上图情况。上图看起来很够光，但其实是用了30秒曝光的。

2. 对比度不够

即使光线充足，但如果拍摄如一幅净色的墙壁，自动对焦就会失效，这个时候你可能要把镜头拧开，用其他东西来对焦，半按快门回来再拍摄，又或是手动对焦。

3. 拍摄野生动物

不少野生动物的耳朵都非常灵敏，自动对焦那「do」的一声，往往足够吓跑它们，而何况在不少野外环境，可能树木之类干扰太多，往往要数次对焦才能够成功，do来do去不跑才怪。

4. 拍摄风景

拍摄风景时，不少人都希望能拍出整体风景都清晰的画面，因此会收细光圈，制造较深的景深，而当中「超焦距」更是一个有效方法，但如果用了自动对焦则会改变了对焦。关于「超焦距」请参考这里。

5. 拍制HDR

拍制HDR，其实就是结合几张除了曝光之外，其他完全相同的照片，如果用了自动对焦，则每张相之间可能会在对焦点上有所不同，导致拍制失败。

6. 高速动作

在拍摄高速移动的物件时，自动对焦会尝试跟随主体的距离变动，但大多情况都失效。

7. 隔着玻璃拍摄

大多数情况下，都不应该隔着玻璃拍摄，但有时例如乘搭飞机，或是参观水族馆，都有这个需要。那么换做手动对焦，避免对焦于玻璃上的污迹，或是玻璃上的倒影吧。

8. 拍摄人像

人像摄影往往最重要的就是拍摄眼睛，但配合大多数人都会使用的大光圈浅景深，如果自动对焦在眼睫毛或是鼻尖上的话，眼睛就会变得模糊，破坏灵气了。

9. 微距摄影

由于景深太浅了，这个对相机来说自动对焦变得很困难，甚至随时乱来，手动对焦可帮助你控制影像。

10. 进行三分法构图

很多相机预设了对焦在中间，因此在进行三分法构图时，便不容易正确对焦，这个要留意了。
无论如何，自动对焦的确是非常方便，但我们都该学习手动对焦，在适当的情况下就能够有效控制影像，而且据说，熟练的话，手动对焦是可以比自动对焦更快。

Source: Reasons to Turn off Your Autofocus （Via Photoblog）