就像彩色摄影的诞生也没有让人不再记录黑白。

1936 年，柯达推出了 35 毫米格式的家用 Kodachrome 彩色胶片，代表了彩色摄影在商业上的可用性 —— 尽管在当时它仍然比黑白胶片少的多，黑白摄影依然是摄影的主流。

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彩色摄影在记录历史方面的作用与黑白一样重要，尽管由于存储、费用、实用性、冲洗便捷性、大小格式之间的可用性以及实用性等原因，直到 1940 年代，在早起使用彩色胶片进行拍照的人中，由于镜头较慢，胶片感光度较低等因素的存在，也很少见到出于新闻目的使用。

1939 年，摄影师 Julien Bryan 使用 Kodachrome 记录德国对波兰的轰炸，而在 1940 年，William Vandivert 使用彩色胶片拍摄德国在伦敦的空袭。

整个 1950 年代，大多数爱好者都会意识到彩色摄影的饱和度，同样在 1960 年代、70 年代、80 年代，当然还有 90 年代和二十一世纪的早期，我们更加熟悉的当然要数家庭相册了，小时候，每家都有几本厚厚的相册，里面也有不少的黑白照片。黑白摄影一直很重要，从来都没有被取代。

电影也是如此，即使是在彩色已经成为绝对主流的现代，依然有很多电影使用黑白作为呈现导演意图的中药手段，最著名的莫过于拍摄于 1993 年的《辛德勒的名单》以及姜文的《鬼子来了》，近年来，也有不少电影使用了黑白作为主要表现手法，像是 2018 年的两部重要的影片，《冷战》与《罗马》，还有2016 年，让范伟封帝的《不成问题的问题》，以及那个《大佛普拉斯》。

成本显然已经不是影响黑白还是彩色的最主要因素，当然也可能还是逃不开成本的问题，毕竟黑白画面显示的布景要比色彩需要表现色调的布景要容易的多，也可以在布景上节约成本。

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色彩是一种电影语言，黑白也是一种色彩，相对于现实生活中所呈现出的多彩，黑白显然更具有隐喻性，就像《大佛普拉斯》里面穷人的世界是黑白的，只有富人的世界才是多彩的，就像《辛德勒的名单》里的那一抹跳动的红色。

单色的呈现使这些电影在视觉领域上与众不同，更有助于说好一个故事。

黑白并不仅仅存在于过去，它也不仅仅与过去相关。因此，今天的黑白照片应该像画布上的木炭肖像一样具有对过去的能指。

对照片的依恋始终是一种个人关系，任何单一图像的主观体验几乎总是因人而异，这取决于他们为这个画面带来的个人生活经验的解释。对于某些人来说，这可能意味着黑白照片是通往过去的窗口，而不管它实际上是什么时候制作的——他们对黑白照片的理解是它本质上是“古老的”。

当我们将这种理解带到非常现实的问题的照片中时，这就会成为一个问题，如果通过黑白镜头看，有些人会觉得这些问题很遥远。彩色摄影具有即时性，平衡性好，最接近大多数眼睛所见；在某种程度上，对许多人来说，这就是生活。黑色和白色可以具有神话般的品质，如果使用得当，可以使情况和人物看起来比现实生活更加宏大。

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对于一些黑白影像来说，可以很容易的将主体以及其所表达的情绪从画面中分离出来，让我们更能够进入拍摄者的内心世界与他按下快门的当下共情。

因为街头摄影的瞬间特性，它们往往并没有十分巧妙的构思，而对场景也不能加以设计，场景可能会些许杂乱，在杂乱的背景下，丰富鲜艳的色彩往往会分散观看者的注意力，使得主体情绪表现的并不那么明显。

街头摄影师试图去通过一幅画面去展示一个故事，通过画面中的人物，来和观看者形成互动，黑白可以通过淡化色彩来帮助强调主体内容。

即使图像包含快乐、嬉戏、健康和乐趣，黑白摄影也有一种沉重、忧郁和严肃。当一些细节已经消失时，它们感觉就像是记忆中留下的精华，只留下最重要的部分来讲述那个故事。

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虽然对某些人来说，黑白图像可能感觉像历史，但这并不意味着它是古老的历史——历史本身并不直接意味着某事已经“过去”，因为它已经成为过去。许多重要的黑白历史图像仍然具有相关性，不是因为美学，而是因为它们可能包含有意义的人类真相。
这么说黑白对于街头摄影来说就更容易么？这确实是一个经常会被误解的问题，很多人都认为照片拍的不好，转成黑白就会更有感觉了。但是对于彩色摄影来说，黑白摄影却并不简单。

不好的照片就是不好的照片，并不会因为从彩色转成黑白就变好。一张没有情绪没有层次的照片，在黑白中也同样不会有情绪。

黑白和彩色就像是两个独立的类型，每一种都是独一无二的，并没有说哪个更好或者哪个不好，在你拍摄之前，应该想好自己适合哪一种风格。在这两种风格的选择下，你必须要以不同的方式来观察这个世界。使用黑白，你需要更多的关注光和影，而使用彩色，你更要考虑到不同色彩之间的搭配。

作为一种形式，摄影同样需要通过某些步骤来实现预期的输出。就像演奏乐器一样，它需要技巧，同样需要感知力，才能够确保我们拍摄出让自己也让观看者喜欢的作品。一个人必须永不停止的去寻找和观察那些有助于提升我们照片质量的画面和感受。

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但是除非那些精心制造的场景，大部分我们所面对的现实场景可能都不能满足我们的预期，可能拍摄位置不理想，可能天气不好，也有可能会有一些干扰因素分散了我们的注意力，让我们不知道如何构图才能够摆脱画面中的干扰。从前期到后期，这些干扰随时都在发生，而这些干扰最直接导致的结果就是让我们的照片无法达到我们心里所预期的那个完美状态。这些错误很难在后期中得到修正，也就是说，我们必须要得在拍照的时候就去尽量减少这些错误。

最明显但是也非常常见的错误之一就是构图和取景中的错误，可能我们对画面的感知能力很想，也知道要如何记录下当前的画面，但是总是会有一些小毛病，最典型的例子就是地平线的倾斜，当然不是那种很明显的倾斜，而是那些不经意的稍微歪斜，即便如此，这也算是最明显的错误的细节之一了，因为对于风景摄影来说，可能偏斜几度就能导致构图的重心发生偏移。

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最好的艺术品，不管是摄影，还是音乐，绘画甚至是文学，即使内容元素很多，但每个元素之间也能通过某种特定的规则紧密的联系起来。在摄影中就是构图，它不仅与画框中的内容以及它们所放置的位置有关，而且还涉及画面中那些可能会分散注意力的干扰元素。这些干扰可能会很抢眼，让观看者不自觉的去注意到它们而不去注意我们想要表现的主体。干扰可能是在现实中的，像是背景里的突出的色块，地面上的垃圾，不该出现在画面中的电线杆等等，还有可能是因为我们设备的脏污，像是传感器上的灰尘，镜头脏了，镜头产生的光晕甚至是噪点。不过幸运的是，大部分时候，只要干扰不是很明显，我们可以很轻易的通过后期让干扰消失，但是如果是显示场景中的干扰，就需要在前期构图的时候关注细节，不要等到选照片的时候才发现有些干扰不能移走让辛苦拍下来的照片都失去意义。

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就像在色轮中表现的那样，任何颜色都可能会以一种特定的方式相互联系或者相互干扰，有的时候，我们需要使用对比色来让画面更具冲击力，有的时候，我们需要相近色让画面的色调看起来更加一致，而此时对比色只会成为干扰色分散观看者的注意力，来破坏那些本来非常好看的照片。同样的，对于户外摄影来说，我们不可能去控制环境中的所有色彩。

好看的照片不一定需要一个壮美的场景或者宏大的主题，而恰恰相反，最简单的照片往往具有令人信服的视觉设计和连贯性，可以胜过绝大多数场景的瑕疵，凭借前期的取舍和后期的经验，相信每一位拍摄者都能够拍出满意的照片。

对他们来说，拍照等同于复制，同样的环境下，只要是用同样的器材，谁都能拍出同样的照片。可事实上，拍照是一个选择的过程，在同样的环境下，选择什么样的画面，选择什么样的焦距，选择什么样的相机设置，才是一位拍摄者最应该要考虑的事。

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我的一个朋友有一段时间很喜欢拍月亮，她的要求也不高，能拍出月球的纹理就足够满足了。她来问我要怎么拍，我就跟她说了几个关键点，后来她试了几次都不是很成功，就不耐烦的问我要用什么样的参数来拍？没错，每一张拍的好看的月亮照片都有一个固定的参数，可并不是每一个参数都适合每一天的月亮。拍照重要的是知道为什么要用这个参数，而不是刻意的去套用某个参数，因为你可能很难再碰到同样的能够完美的利用这个参数的环境。环境在变，参数也在变。去问别人照片的参数实际上并没有太大的意义。

参数实际上是经验主义，拍的多了，自然就知道要用什么样的快门什么样的光圈来拍摄，看到某张照片也大体能猜的八九不离十。可如果没有什么经验，就算给你参数你也不知道为什么要用这个参数，环境稍微一改变可能就懵圈了。

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镜头也是一样，镜头决定主题，说白了，想要拍摄什么样的内容就要选择相应的镜头。但是如果手头没有合适的镜头的时候，也要学会尝试克服限制，就好像我们用 50mm 的镜头的时候，后退几步，就能得到 35mm 的视角。变焦能靠走，走走更健康。

可是不同焦段的镜头并不只是取景视角的不同这么简单，我们都知道 14mm 是广角，50mm 是标准镜头，200mm 是长焦镜头。可比取经视角更重要的是，要能够理解不同的焦段会如何影响前景和背景之间的相互关系，要对长焦镜头可能会造成的空间压缩进行预判，以及了解为什么长焦镜头会造成「空间压缩」，当镜头越来越「广」，视角会如何变化？

了解了这一切，你就会在看到画面的时候对拍摄的方式有一个判断，知道要用什么样的焦段才能拍出你最想要的效果。

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曝光三要素的选择也是一样。说是曝光三要素，其实主动选择的就是光圈和快门，感光度的提高更多的是环境光线不足时候的无奈之举。光圈会影响景深，并不是光圈越大就越好，有的画面需要模糊背景以突出主体，有的画面则需要让背景清楚以代入更多的环境。在刚开始练习的时候，很多人往往会在同一个场景中尝试多种不同的光圈，只是为了寻找一个让自己最满意的光圈值。

快门也是一样，想要拍摄冻结的动作就用高速快门，想要拍出运动轨迹就用慢快门，但是多慢的快门才适合捕捉当前的运动状态，可能不在现场没人会知道，同样还是需要尝试，多用不同的快门速度来试着拍几组，这样就知道哪种最合适了，经验永远是在无数次快门中积累起来的。

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关于拍照，按快门是最简单的，在拍照的过程中更多其实是解决问题的过程，发现画面，分析画面，然后用最适合这个环境的设置来捕捉画面。如果你不能开始自己解决遇到的问题，那么你将永远都不会成为一个好的摄影师。用不停的尝试来积累经验，用经验来解决问题。拍照不就是一个选择题吗，选择画面，选择光圈快门感光度，选择合适的焦距，选择题最好了，就一定能拍出好照片。

与其想要了解什么样的相机才能拍出这样的照片，不如多考虑考虑自己的相机能拍出什么样的照片。

特别是刚开始的时候，我们的肌肉记忆跟不上我们的思维，往往看到画面还没来得及拿起相机，那画面就消失了。

好的画面经常会出现，但我们要确保如何在它们发生的时候用最快的速度将其记录，这才是街头摄影师必须要做的功课。

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恐惧和胆怯是街头摄影师跳脱不开的两个障碍，在街头，拿着相机面对陌生人拍照并不是一件容易的事情。我们知道，街头摄影的最大魅力在于那些可爱的陌生人，如何自然的拍摄陌生人，凝固那一瞬间的情绪就成了最大的难题。同样的，对于很多刚刚开始拍摄街头的人们来说，从容的举起相机去拍摄陌生人的确是一件挺难的事儿。

也因此很多人的街头摄影变成了无意义的随拍，可能会拍到一些人，却难以捕捉情绪，这样的画面也就不那么好看了。

虽然在公共场合拍照并不犯法（在不拍摄隐私画面的前提下），但是这并不是鼓励我们像一些老法师那样拿着相机跑去商业街对着美女就是一通狂按快门，在我的理解力，街头摄影首先要遵循的原则就是「不介入」（当然，有其他明确的摄影主题还有跑步速度快的人例外），作为街头摄影师，始终都要以局外人的角度来记录这个世界，「不介入」到画面中，不影响画面的情绪。什么叫「介入」？如果你拍一个人，而这个人发现你在拍他，他的主观情绪从他人或自身身上转移到正在拍照的你身上，使你成为影响画面的一部分，这就是「介入」。

就像布列松在《莎拉·莫恩》一文中说的那样：「为了更好的观察，我用我的一生尝试不引人注目的低调生活。」能够隐身于市井之间，这恐怕也是每一位街头摄影师都想要做到的吧。

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再来说说街头摄影的设置。为了能够更快的捕捉画面，一般我们都会提前做好一些设置。我不能说什么样的设置最好，因为根本不存在最好的设置，光圈？快门？操作模式？这些都因使用者的使用习惯不同而改变。

在白天光线充足的时候我会使用 f/8 左右的光圈来获取更多的景深，快门在 1/250s 或更快以更好的捕捉，所有的这一切我都会提前设置好，需要的时候按一下快门就可以了。而在室内或者夜晚总是会不可避免的将光圈开大，但快门我不会低于 1/60s，否则一点微小的动作或者自身的抖动都会使得画面模糊。

拍街头最好也要熟悉区域对焦，这样可以不用每次都花时间找焦点。在熟悉景深尺的情况下，很容易能够预估当前光圈的景深范围，也就知道主体距离我多远可以拍摄到清晰的画面。因此不需要刻意去不差分毫的对焦，可以直接按下快门，当习惯了取景后，甚至不需要看取景器。

Photo by Harry Gruyaert

就像最开始所说的那样，街头摄影完全没有器材上的限制，理论上来说，任何一台可以拍照的相机都可以作为你拍摄街头的工具。但即便如此，我们每个人也都有我们自己的拍摄风格，而决定风格的一个主要因素就是焦段。

一般来说，我们都认为 35mm 或者 50mm 才是最适合拍摄街头的焦段，因为它与我们的人眼视角相符。

首先是 35mm，或者 28mm。广角一般是拍摄街头的主力焦段，像是经典的街头相机 GR 就是 28mm，另外，大部分的手机的等效焦段也是 28mm，因此我们对于 28mm 的视野范围应该是再熟悉不过了。这个焦段不但适合拍摄街头，在拍摄景观摄影或者建筑摄影的时候也非常有效，因为它能够捕捉到更多的场景来表现现场的情况，不像长焦端会因为焦段的限制伸展不开。

35mm 或者 28mm 的一个最大的优点（也可以说是限制）就是它迫使我们更加靠近，不然稍微拉开一点距离主体在画面中就变得很小，被画面中的其他元素所干扰。

另外广角端的好处是它可以制造深度的景深，使背景不容易被虚化。不同于人像摄影会刻意的制造浅景深来突出主体，而 35mm 或者 28mm 即使在开大光圈的前提下，也能够带来相对宽广的景深记录背景，为拍摄的主题代入更多的故事性，这一点也是很多街头摄影师选择这个焦段的原因之一。

Photo by Harry Gruyaert

50mm 经常被作为标准镜头出现，胶片时代很多相机的套头都是 50mm 的，也因此使得这个焦段成为了使用最广泛的焦段之一。

首先 50mm 可以带给我们与我们人眼视角相近的视野，而这个焦段所获取的图像不会出现较明显的畸变，不像 28mm 的镜头，如果镜头素质不高的话会出现较为明显的畸变。

相对于 35mm 或者 28mm 来说，50mm 的镜头可以做到更大的光圈，这也为夜晚的拍摄带来了便利，但是同样的，相对较长的焦段，更大的光圈，势必会带来更浅的景深，浅景深虽然不能够带来背景为主体代入故事性，但是可以模糊背景以突出主体，要如何使用，这要看你的拍摄需要。

由于 50mm 相对 28mm 来说较长，因此我们不需要距离主体太近，离得太近了很容易怼脸，这对于刚开始接触街头摄影还没有练就金刚不坏的厚脸皮的同学来说还是会比较尴尬的。因此 50mm 的镜头可以带来相对舒适的拍摄距离不会让我们不敢于举起相机拍摄那些可爱的陌生人。

Photo by William Klein

街头摄影在技术上和其他主题的摄影并没有什么两样，不论是构图还是对光影的运用。只是街头摄影缺少了固定的模特，因为全世界都会是你的模特。你敏锐的观察来抓住拍摄的最佳时机，有的时候，还需要一点点运气。

街头摄影之所以吸引人，是因为它有着经过设计的摆拍摄影和风景摄影所不能有的特质，那就是用一张照片来说故事。

故事有的时候是很微妙的，并且会被其他照片中更加突出的特征所覆盖掉，像光影，像色彩。但是有的时候也是很强烈的，就像 William Klein 拍下的那张举着枪的小孩。

当然并非所有的故事都需要那样夸张的肢体语言来表现，更多的是一种平静的展开，好的照片可以让观众展开联想，从照片中的人物的一个表情，一个小动作来想象照片中的人物下一秒钟会做什么事，从而展开这个人物在他们自己心中的故事。

Photo by Harry Gruyaert

不管是拍摄街头还是其他的题材，重点都在于思考，思考背景中可能会发生的故事，思考当前背景可能的画面构成。而每一种题材想要拍出好照片的唯一途径就是练习，拍得多了，自然也就能够整理出自己的题材专辑，也让自己的风格更加明晰。

对一些人来说，拍照这件事可以理解成 take a picture，而对另一些人来说，拍照则是 make a photograph，咋一听好像没什么区别，不过是咬文嚼字。但是这也正是随手拍记录画面和精心设计制作画面之间最大的区别。

当我们按下快门的那一刹那，光线通过我们眼前世界的形象反射进入镜头中，作用在传感器上，形成我们看到的世界的形象，在快门打开的这个瞬间，我们都制作了一个以前并不存在的内容，不管它是胶片还是数字档案。

它也许存在过，但也仅限于空间，重叠上时间的空间是不会重复的，在我们现有的科学认知下，这一个瞬间，只会存在这一次，我们所记录的不过是连续时间里的空间中的一个瞬间切片而已，如果我们不记录下来，它将永远消失。

可能会存在于某些人的记忆当中，但是你知道，记忆这东西，总是不牢靠的，时间过得越久，记忆就越会失去本来的面目，甚至在记忆中可能会创造出全新的并不存在的瞬间。新的记忆老的记忆混杂在一起，让人难辨是非。如果没有明确的画面记录，记忆很容易在经过一段时间后被空白吞噬，添加上一些并不存在的内容或者干脆变成空白。

也许我们可以烧掉底片或者删除数字档案，但是这并没有消除我们制作了一个以前不存在的图像的现实。我们用自身长久以来积累的对于世界认知的经验将镜头对准画面，用按下快门的动作制作了一个可见的历史证据，证明在这个精确的时间点，我们所看的世界的样子。

从此，记忆变得牢靠，被固定的画面就算过去很多年也不会被分解，故事可能会有不同的理解，但画面却是真实的。也不怪乎有人说过，自从摄影术面世之后，建立历史的可能性丧失殆尽，单纯由文字记录的历史由此终结。

科技的发展让拍照这个动作变得日常化，拍照设备也不再变得高不可攀，哪怕用手机也能拍出非常不错的照片。随手拍照片成了每个人经常都会做的事情，它更像是一种生活的记录，就像写日记一样成为我们生活的一部分。

而「制作」照片却更像是一种有意识的创作行为，就像绘画雕塑，创作照片就和创作艺术品一样，是一件需要精心构思和准备的工作，同样也包括拍摄完成后后期的精修。

摄影师 Ernst Haas 曾经说过：「相机只能够帮助我们拍摄，而摄影师则必须为改造作品以及超越普通的现实而努力。」

在很多时候，很多伟大的作品都需要一个坚实的计划过程，排除那些可能出现的偶然情况，让画面中的一切元素都在摄影师的掌握之中，从而拍摄出摄影师心目中的理想画面。

而这些照片在被拍摄出来之前，就已经在摄影师心中被定型，摄影师知道自己想要拍出什么样的照片，对他们来说，唯一要做的就是去计划如何将自己的构思转化为现实。

同其他的艺术形式一样，摄影也是一种不分国界不分种族的通用语言，它能够通过图像中的故事和情绪来与不同的观众创立一种连接。作为拍摄者，你清楚的在你的作品中表达你想要传达的故事，让观众通过这个画面，通过你所创建的这个故事，走进你的内心。

尤其是什么样的相机最好的问题，很多人其实预算并不高，但是还是想让你来帮他们推荐「性价比」最高的那台相机，好像买了那台相机，就一定能拍出好照片一样。

其实拍照的人都知道，相机只是一个工具，当然可以拍出好照片，自然也就一定能拍「烂片」。

没有任何一台相机能够确保我们拍出来的每一张照片都是好照片，但是，当我们看到网上一些不错的照片的时候，下面的评论最多的往往却还是「用什么相机拍的？」或者「用的什么滤镜？」或者「能说一下相机的设置吗？」这样的问题。

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其实就算用同样的相机，同样的设置，不同的人拍，也会拍出不同的感觉，拍照本身就是一件私人的主观性非常强的事情。想要让自己拍出更好看的照片，唯一的方法就是多拍，在拍摄的过程中思考，在「不好看」的照片中寻找「好看」的答案。

随着我们手中的相机越来越强大，我们越来越倾向于将很多技术性的操作交给相机和app，自动曝光、自动白平衡、自动对焦、一键滤镜，除了构图不能交给相机以外，其他的一切操作真的只需要按个键就完成了。而这些，可能会给人一种错觉：拍照是一件很简单的事。

能让人们感兴趣的，可能就是相机了。厂商年年都出新相机，一台比一台酷，那么好看的样片，那么多的「黑科技」，好像哪一台都很适合自己。可是我们忘了，拍照这件事是发自内心的，它本身是一件创造性的行为。你对画面的理解和对瞬间的把握决定了你拍下的照片的深度，而不是那台酷炫的相机。

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就好像玩滑板，我们经常可以看到路上的滑板少年，我们甚至可以在网上搜到一切关于滑板的技术资料，但是如果你从来都没有踩上过滑板，那么可以想象当你第一次踩上滑板的时候会是怎样。你喜欢那只看起来很好看的滑板，但是它是不是真的适合你，只有等你熟练了以后才会知道。

Malcolm Gladwell 在他的经典著作 《Outliers》（《异类》）一书中，专门用了一章来讨论一万小时理论。在书中他说：「人们眼中的天才之所以卓越非凡，并非天资超人一等，而是付出了持续不断的努力。1万小时的锤炼是任何人从平凡变成世界级大师的必要条件。」

而后，美国作家 Daniel Coyle 专门写了一本书《一万小时天才理论》来专门阐述这个观点。

所谓的一万小时理论，指的是如果我们想要成为某个领域的专家，那么就得付出至少一万小时的努力。例如，如果我们想要掌握一门乐器，那么我们每天练习 3 小时，每周大概练习 20 小时，需要练习十年才能成为专家级。

而同样作为技巧的技能也是一样，所有与技能有关的领域都是一样，天分显然并不是最主要的因素，况且我们大多数人也不是那样的天赋异禀，只有不断的练习才能让我们更加专业。

不停的复制不停的练习使我们拥有了技术，想要更进一步就得利用我们的技术拍摄我们的主题，用我们所知道的一切来发展出一个属于我们自己的工作体系，拍出属于自己风格的作品。

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当然这并不意味着从此以后你拍摄的作品就必须要独一无二，至少要表现出最真实的你，当你在拍下这张照片之前不要想着别人会怎么拍，心里所想的不是自己曾经看到过的风格，而是在心中创建自己的风格，想象自己按下快门将会拍出怎样一张照片的时候，你才开始真正拥有自己的风格。

你可以用 10,000 小时去掌握所有摄影的技术，但是要在作品中发展出自我，就不再是时间问题，也不是数量问题。这是一个过程，在这个过程中你会发现技术不过就是一个实现自我的工具。

技术永远是最简单的，只要你肯用心去学习，去练习，就一定能掌握。

我们真正要做的，就是拿着手上的相机，别管它是不是最先进的那个，走出去拍照就是了，拍的足够足够多，并且在脑海和记忆中积累自己拍下的好的坏的照片，知道怎么样拍才好，下次不能这么拍。专注于取景器里看到的世界，比专注于新相机带来的新技术要有效的多。

深夜里的城市，和白天是截然不同的两种形态，在晚上拍街头，拍摄的重点自然也会有所不同。如果是在白天拍照，我肯定会将观察的全部重点放在人们的表情上，用表情来带动画面中的情绪和故事，而在夜晚，光影才是主角，借由光影来放大人们身上的情绪。

城市夜色的美好就在于它的不眠，夜晚的街头，即使路上没有一个行人，多彩的霓虹光影也会告诉你你并不寂寞，城市永远不会睡去，也同样陪伴着无法入睡的你。夜色是迷人的，尤其是被这些霓虹光影照射下的城市街头。

城市的夜景，可能最吸引拍摄者的就是那些灯光了吧，虽然现在几乎已经很少会见到传统意义上的霓虹灯，大部分都被更节能安装更方便的 LED 灯所取代，但是不管是霓虹灯光还是 LED 招牌，都能为我们的城市夜景带来不一样的色彩。

在人来仁王的大街上拍照很容易会被干扰，同样的也会让背景更加杂乱。虽然大部分的霓虹招牌都出现在闹市区，但是也会有一些僻静的小酒馆能有非常好看的灯光来辅助我们的拍摄。

当然，还有那些散步在城市各个角落里的便利店。

深夜的便利店就像是一座收容所，温柔的包容着这座城市里每一个孤独的灵魂。

这里就像是一座城市的缩影，在里面上演着各种人生百态；这里更像是一面镜子，折射出城市中每一个孤独不安的灵魂。

但更多的是，深夜来这里只为买到一个热气腾腾的饭团的人们。可能对很多人来说，这里才是他们的深夜食堂。

我喜欢深夜里的便利店，这里有很多故事，我在这里和它们擦身而过。

也别忘了夜晚中城市的霓虹，如果在雨天，地面有积水是可以反射出五颜六色好看的光的，在积水中就像是打翻了水彩一样好看。

那些不同的灯光，不管是招牌、标识甚至是路灯都可能会形成好看的倒影，我们也可以进行长曝光，长曝光首先可以排除画面之中的人的因素，而且会让倒影看起来模糊的更好看。但是要准备好三脚架或者固定好你的相机。

但是在下雨天出去拍照的前提，也是最重要的一点，就是要保护好我们的相机，虽然现在大部分相机都能防水溅，但是毕竟不是所有的相机都有那么强的三防性能的，拍照固然重要，但是也不要弄坏了相机。不然就得不偿失了。

但是对街头摄影来说，好像并没有一种特定的器材。有些人喜欢用广角去捕捉瞬间的表情，有些人则喜欢用长焦远远的去记录，有的人却钟情于可进可退的50mm。

街头摄影不同于其他题材的摄影形式，我们可以有充分的时间去准备，街头摄影需要捕捉瞬间的真实，这就需要摄影师抓住瞬间的能力，首先要快，其次就是「不介入」不去干扰被拍摄的主体，只有这样拍下来的情绪才是真实的。想象一下，如果你举着一台巨大的相机走在街头，很难不引起别人的注意，这就是相机的「侵略性」。所以大多数的摄影师会选择偏小的相机，像是PS（point and shoot）相机，或是旁轴相机。

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虽然胶片时代的单反相机和旁轴相机在体积上来说没有什么太大的差距，但是单反相机的快门需要触及反光板的移动，这样势必就会造成清脆的快门声，这个快门声在平时可能听起来悦耳动听，但是在「不介入」的前提下，可能就会比较刺耳了。相比之下旁轴相机的快门声就非常轻，可以在毫不瞩目的情况下完成一次快门。所以很多街头摄影大师都偏爱旁轴相机，因为旁轴相机的最好的是徕卡，所以给人一种大师都用徕卡的感觉，但其实是街头摄影大师习惯用旁轴，如果是风景、人像这样的创作型摄影师，用徕卡的可能就没有那么多了。

拍摄街头最重要的是随机应变的敏捷性，而敏捷性又受到相机重量的制约，拿着一台很重的相机很难单手完成拍摄，必须借助双手，同时想要自由的控制角度也并不是一件容易的事。

曾经有朋友说我拍的照片太「正」了，其实我并没有这种感觉，直到有一天我在整理自己的照片的时候，我的有些照片拍的确实太「正」了，而这些照片，恰恰是单反拍出来的，拿着单反相机的时候，我总是习惯性的举起相机，眼睛看着取景器，取景，对焦，按快门，这一套动作下来，取景的过程就会不自觉的条件反射般的去修正画面的重心，所以照片也就会不自觉的拍的比较「正」。

而相比之下，我用 GR 拍出来的照片，就显然没有那么「正」了。因为我用 GR 拍照的时候几乎是不取景的，看到画面，抬起手臂，按快门，走着走着路就把照片给拍完了。

虽然数码单反相机由于先天的体积上的限制，造成捕捉瞬间街头画面势必多多少少会有一些麻烦。如果再配上一支比较长（物理长度）的镜头，当我们对着陌生人举起相机的时候肯定会有侵入性，很容易的吸引对方的注意，而不能够捕捉到真实的场景。

也正因为如此，除去旁轴相机以外，紧凑型相机（Compact Camera）或者 PS 相机（Point and Shoot）——随你怎么称呼它——可能是最适合拍摄街头的相机。它们的体积很小，可以随意的放到口袋里面去，我们可以在不经意之间掏出来按下快门完成一次拍摄；它们是那样的不显眼，也就不会使街上的陌生人产生压迫感；它们大多数都是 28mm 或者 35mm 的广角镜头，可以让你轻易的融入到人群之中，在捕捉人物的同时，也代入更多的环境来帮助主体完成一个故事。

当然，回到最开始的话，街头摄影对器材并没有一定的限制，只要能用好，任何器材都可以帮助你创作优秀的作品，当然这些都要取决于我们自己的拍摄习惯。

每一台相机都有拍出好照片的能力。能拍出好照片的相机，都是好相机。

有的时候，除了不停的拍照，我们也要学会停下来，看看过去的工作。重新整理审视自己的老照片，除了带来怀旧的幸福感之外，可能还有一些令人难以置信的好处。

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首先，看过去的老照片可以帮我们意识到自己原来真的很不错。个人的审美是会随着时间的变化和自身的进步在不断变化中的，可能之前觉得流行的不得了的潮物，过阵子再看就觉得俗不可耐，曾经流行的拍照风格也是一样。流行从来没有轮回，只有好看，好看的人披上麻袋片儿都好看，有内涵的东西不管放在哪个时代都会让人觉得值得玩味，那些曾经流行现在看起俗气透顶的风格不能算作真正的流行，可能也再不会重现。

不管过的照片拍的怎样，至少都是对自己一段时间内的总结。可能以前并不被自己注意到的一些照片，在整理老照片的过程中我们也能够重新发觉它们的美。可能我们一直都在拍同一个系列的同样题材的照片，时间可以让我们看到自己的成长。

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同样还是说同系列同题材的老照片，如果我们以前拍的比现在拍的还要好，拿自己真的就是毫无成长了，不过这样的人毕竟还是少数，我们都是在不断的拍摄过程中提升自己。只有拍过了才知道这张照片好不好？哪里不好？下一次要怎么样拍才能拍的更好。就算我们以前拍的老照片并没有糟糕的看不下去的程度，我们依然也可以从中学习到很多东西，不管是在用光、取景、构图还是摆姿势上，经验一定会让我们更出色。

除了拍摄的前期工作，后期工作同样也是必不可少的。前期和后期是摄影中不必可少的部分，一个好的前期决定了照片的框架，好的后期才决定了照片最终呈现在我们眼前的样子。后期的软件不断的再升级，我们的后期技术也是在不断的提高。如果我们几年来从不间断练习后期技巧，现在再去看几年前我们的后期作品，多多少少都会有一些惨不忍睹的感觉。挑一些以前很喜欢的照片，再重新做一下后期工作，一定能得到更好的结果。

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事实上，拍的多了，就会觉得照片里总是少一些什么，经验创造的模式经常都会将我们束缚住，现在再看我们拍下的一些画面，虽然工整，但是可能却不那么有趣了。当我们看到一个画面的时候，往往第一个想法就是这个画面应该要这么拍。其实当我们还没有那么多经验的时候，我们拍的照片可能并不那么工整，可能有很多构图或者取景上看起来很失败的照片，但那些使我们尝试的过程，在多年以后重新来看这些照片的时候，可能也会带给我们一些灵感，当时觉得这种构图或者这种取景是有问题的，但是换个角度，还是用这种方式会不会拍的更好？

当我们开始更加认真的拍摄照片的时候，我们对世界的看法也会不断的调整，我们通过手中的相机，记录着我们的生活，用拍照的方式来激发我们的创造力和分析世界的能力。

看着我们以前拍过的旧照片可能会引发我们的一些思绪，照片中凝固的瞬间会将我们带回按下快门的时刻，是开心？是快乐？是难过？是尴尬？还是内心毫无波澜。我们过去的人生中的某些情绪，也一样被封印在这些旧照片里，等待我们重新解锁。

既然是「事」，画面中需要表达的内容就成了画面的主体，很多时候，街头摄影的有趣之处就是通过画面来营造出一种「日常感」，很多平时我们生活中经常能够见到的画面也就成了照片的主题。不像肖像摄影这样突出主体，环境在街头摄影中尤其重要，失去了环境的衬托，主体的存在也就很难起到「叙事」的作用。很多街头摄影师喜欢用 28mm 或者 35mm 这样的镜头来拍照，也就是因为这样的镜头可以带入更多的环境。

其实对于街头摄影来说，焦段越广，拍摄难度就越大，因为我们需要距离人很近来拍摄，同时也要顾及前景、主体、和背景，让整个画面协调突出故事感。

但是想要拍出故事感，或者是我们想要拍出一些具有「侵略感」的画面的时候，我们用 28mm 的镜头离人很近来拍照。这个焦段拍出来的画面给我们的感觉更像是我们的眼角快速的扫过眼前的画面而在脑海中留下的痕迹，停留在脑中的映像就成了一个完整的画面。

或者使用进可攻退可守的 50mm 镜头，这大概是使用率最高的镜头焦段之一了。50mm 可以带给我们与我们人眼视角相近的视野，而这个焦段所获取的图像不会出现较明显的畸变，不像 28mm 的镜头，如果镜头素质不高的话会出现较为明显的畸变。相对于 35mm 或者 28mm 来说，50mm 的镜头可以做到更大的光圈，这也为夜晚的拍摄带来了便利，但是同样的，相对较长的焦段，更大的光圈，势必会带来更浅的景深，浅景深虽然不能够带来背景为主体代入故事性，但是可以模糊背景以突出主体，要如何使用，这要看你的拍摄需要。

用 50mm 的时候就不用距离人太近了，也不能距离太近，因为靠的太近的话主体就会占据画面中的大部分的空间，缩减背景的空间。

之前说过有人说我拍的画面太「正」了，其实还是由于焦段的关系，用 28mm 拍照的时候我会距离被拍摄的人很近，就像那种眼角划过的画面的感觉一样，大部分的时候举起相机的瞬间就已经完成了快门的动作，也就顾不上对着取景器来构图了，在这个时候，直觉取代了面对取景器的判断，拍的多了，自然就知道手举到什么样的高度就可以按下快门了

而如果要是用 50mm 甚至更长的 135mm 的镜头来拍照的时候，距离较远，就能仔细观察想要拍摄的主体和周围的环境，在拍照的时候我就有空间来看一下取景器调整一下构图然后再按快门。

虽然不同的焦段能够影响不同的观感，但是对拍照这件事来说，其实和肉眼看到的画面最大的差别，就在于对于曝光的宽容度。由于我们每个人都有一个超级高速处理器，就是我们的大脑，我们所看到的一切画面，其实都相当于是整合了大量不同曝光参数后合成的结果，我们通过脑补画面的可能性，让我们看到的画面更加协调。

但是照片就不行了，你手中的相机的技术的极限决定了宽容度的极限，在同一张照片里，同时出现死白或者死黑的情况都可能存在。当然我们可以通过 HDR 来合成让画面的细节更加丰富，但是做的过头了就会缺少真实感。

但是从简单的角度来说，用阴影部分或者高光部分来作为画面的一个对比元素，也未尝不可。就像一些街头摄影师习惯的那样通过后期来加深阴影和高光区域，让画面的色调简单并且对比明显。

是拍摄的风格和主题？是镜头的选择？是光线的运用？是场景的安排？是构图？是透视？是画面的色彩？还是后期的技巧？

还是说，以摄影为职业靠拍照赚钱谋生的就是「专业摄影师」，拿拍照当兴趣，只有在工作之余才拿起相机去拍照的就是「业余摄影师」？

还是说，受过专业摄影教育的就是「专业摄影师」呢？

可能全都是，可能都不是。

Photo by Omar Rodriguez on Unsplash

就拿技术性的选择来说，很多人在看到一些摄影比赛获奖作品的时候都会发出这样的感叹：「这些照片拍的也很一般嘛，我也能拍出来。」没错，你也能拍出来，我们都能拍出来。但是你并没有拍出来，这就是问题所在。在摄影器材越来越先进的今天，很多技术上的事情都交给相机了，只要有一台不错的相机，随便按一下快门，剩下的事情，不管是曝光还是对焦还是白平衡的选择，相机都会帮我们做出选择并且拍出一张技术上不出大错的照片。

用是否受过专业的摄影教育来区分就更不行了。毕竟受过严格的科班教育的摄影师还是少数，当然这并不是说摄影学历是错误的没用的，只是它只是一个学习入门进入行业的途径，并不能决定你以后将会成为怎样的人？

很多人仅仅只是凭借着对摄影的热情，通过不断的练习来磨练自己的技能，理解并加以运用摄影看似深奥的摄影理论，而他们可能比起那些受到正规教育的摄影学生更加专业，哪怕他们说不出那么高深的专业名词，不会用那些一辈子都用不上几次的高级技巧。

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有的人总是会高估自己的能力，把专业想的过于简单，认为以自己的能力，品味，美感和内涵，只要有了那台高级的相机，自己也能拍出那么好的照片。对他们来说，是否专业就在于是否拥有一台专业的相机。

从来没有经过练习，就说自己拿起相机就能拍出好照片的人，要么是天才，要么是白痴。

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其实最重要的就在于对待摄影的思考的深度，我们是要如何组织画面，还是仅仅复制画面，拿起相机，我们是一位创作者？还是一个按快门的人。

一张照片的好坏包括形式和内容，形式很简单，以技巧性为主，像是正确的曝光，工整的构图，画面色彩的选择，画面元素的摆放等等。拍的多了看的多了，你的内在审美逻辑自然会教你要如何安排画面才能让照片更好看。

照片的内容则包括了几个重点方向的思考，而这些思考，并不是在看到画面想要拍照之后才去想的，而是时时刻刻关于我们想要出去什么样的画面的思考。

作为一个创作者，我们不能总是复制别人拍过的类型的画面，这样永远只会活在别人的影子之下不能得到自己的发展。

很多全职摄影师都是认真专心的在拍照，全身心的投入，通过不断的学习、反省、领悟、内化、再通过实验，将自己的审美，自己对待画面的态度和观点系统化。

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专业摄影师并不仅仅指可以拿起相机拍照的人，也不能仅仅指那些从事商业摄影行业的人。专业是一种态度，专业是一种行为，专业是一个标准。作为一名专业人士，你必须要像一名运动员那样知道自己要做什么，知道要如何提高自己，改进自己的工作方式，努力通过学习提高，熟练掌握你的装备。这种自我激励自我成长的学习技能，不应该只出现在你的职业生涯的开始，而是要贯穿于你的整个职业生涯。

你需要不停的练习以巩固和改进你的拍摄技巧，在拍摄之前，你需要对你的拍摄主题进行系统的研究分析。无论是拍摄前，拍摄时还是在拍摄后都需要保证同样的质量标准。

更需要让自己的作品中包含一种精神，一种可以让观看者透过作品的内容去理解你的思想的精神。

Photo by Isabela Kronemberger on Unsplash

很多时候，我们并不是不会拍照，而是不会「思考」。

你是否会对一张照片边上突然冒出一个人而影响整个画面的简洁而不舒服？

你会不会因为一张照片部分过曝而欠曝而就认为这一定不是一张好照片？

有时候问题可能真的不在照片上，而是在你身上，并不是说你拍的不好，只是你太追求完美了，甚至有些偏执的强迫。

不管怎样，倾斜的画面，照片角落出现的被截断的肢体以及不完美的曝光的确可能会在某种程度让一张照片看起来并不是那么的好看。但是我们需要明确的是，大部分的情况下，画面本身的情绪却并不会被这样简单的就给破坏掉。

但我们就是坚定的认为一张纯净的照片中容不下半点杂质，就好像一张好的照片又怎么能够是歪的呢！

我们是那么的看重自己的拍下的每一张照片，因此也就很难不去过度的思考自己的作品还有哪些地方可以改进，特别是现在这个时代，数码照片获取的便捷性，我们的数码相机都拥有更锐利的镜头，更高的像素，以及更多的细节，我们会强迫自己去研究这些细节并且希望让其达到一种完美。

可是很多时候，这些真的并不重要。重要的是，照片看起来是否会有一种天然的吸引力，会让人们被画面中的主体所吸引，想要知道你拍下来的画面是想要表现什么，你的画面想要说出一个什么样的故事。而那些锐度那些噪点啊那些角度啊，那些所谓的完美啊，不过只是一个 plus，可能是一个加分项，有的话可能会更好，没有的话其实也无关痛痒。

这些完美主义的思想可能来自于那些风景大片，或者那些摄影大奖，那些精心设计的画面让我们觉得摄影就应该是那样的，我们拍出来的照片也应该要像那些照片一样一尘不染。

而其实对于那些获奖作品来说，评判者每天可能要看成百上千的照片，对他们而言，很难分辨出一张照片到底有多好，于是他们只能去找一张照片有哪里不好，这会成为他们 pass 掉这张照片的标准，于是留下来的可能都是一些相对来说比较「完美」的照片。这也就是为什么我们看很多摄影奖的获奖作品会觉得某些作品有些平庸，不能引发共鸣，但是它的的确确却是一张「技术完美」的照片。

不是说技术不重要，技术永远是我们做任何事情的基石，没有技术，也就不知道要如何去捕捉眼前所看到的美好画面。但是技术从来都不应该凌驾于情绪之上，技术应该在我们的脑中，形成一种条件反射式的技巧性的存在，而不应该成为拍照的主要因素。

说到那些映射在我们脑海中的经典照片，我们的第一反应所想到的绝对不会是那些超级好看的风景大片，而应该是那些包含了时代特征，包含了情绪的老照片。照片的主体应该是人，是人带给我们的故事和无限的想象空间。和今天的照片相比，那些相片可能是原始的，甚至会有一些模糊，更谈不上锐度什么的指标，绝对算不上技术完美的照片。但是，正是照片中所包含的情绪，那些故事，让我们难以忘记。

虽然对于一张好照片来说，完美可能毫无意义。但是这却又会使一些人走上另一种极端，通过歪曲照片中的元素让自己的作品看起来极度不完美。比方说绝对的失焦，比方说抖动，比方说超高 ISO 所带来的噪点。对某些人来说，他们想要通过这种极端的方式来创造一种很「艺术」的照片。

但「艺术」这种事本身就很极端，也不便去评论，不然就太不懂艺术了。

虽然这样说，但是也不能太过随意，因为完美不是那么的重要就去忽视照片的质量，任何极端主义的做法都是不可取的，我们不应该去刻意追求完美，我们应该把完美的心态放在捕捉瞬间上。只有完美的瞬间，才有完美的照片。至于照片好不好看，仁者见仁，每个人都会有不同的看法，也不要太过在意。

拍照这种事，说到底还是很私人的。自己喜欢，才是最重要的。

我们中的大部分人并不靠拍照来赚钱，喜欢拍照仅仅是因为对于生活的热爱，想要记录下自己身边发生的一切，我们喜欢听到反光板抬起时发出的清脆的「咔嚓」声，我们喜欢用这种冻结时间的方式来让我们的生活中的瞬间固定，拍下我们认为美好的一切。我们都是业余的，而业余这个词的英文「amateur」本身就是源自于拉丁文的「amator」，意思是某人为了爱而去做某事。

作为业余拍摄者，拍照并不能补充我们的收入，我们还需要用掉自己为数不多的业余时间来进行我们的创作。我们用心的拍照，我们用心的为我们拍下的照片做后期，我们会想要分享我们拍下的照片，希望得到别人正面的肯定。

网络的发展让分享变得便捷，但同时也催生了无数的键摄，照片看不到他们的，但别人一发照片，他们就会在那些可能拍的并不是那么精彩的照片下大肆挖苦，他们买不起相机却天天上网去骂别人手中的相机。拿起键盘，他们就是最好的摄影师，不管别人拍的什么照片用的什么器材在他们眼中都成了一坨垃圾。

可照片永远是主观的，什么才是绝对的好？可能并没有一个标准，但是每个人都会有他们自己的标准，不够统一的标准造成了评论的分化，即使是一个最简单的画面在不同背景之下不同的人看来也会有不同的想法，想要让所有看你的照片的人都能够和你一样感同身受是很难的。用数字去评价是最精确的，但我们却很难用数字去表达一张照片的好坏。

什么才叫「好」照片？是严谨的曝光？是工整的构图？还是精心设计的画面？还是画面中情绪的表达？还是照片里好看的人？可能都是，可能都不是。没有人知道。

有的时候拍着拍着就拍烦了，感觉什么都拍过了，再拍也不过就是重复以前的自己，毫无长进，也提不起任何兴趣，干脆就懒得再拍。可能一些人会尝试通过买新设备——或者新的相机，或者新的镜头——来弥补自己对拍照兴趣的减弱。喜欢拍照的人都会明白新器材的吸引力，谁又能不想要那台新出的相机呢？可是这能有多大的帮助就不得而知了，新的器材能提高画面的质量，新的焦段能够适应新的题材。然后呢？可能又是新一轮的恶性循环。

一张「好」照片没有一个统一的标准，但是喜欢上一张照片的原因却有很多，可能是因为照片里的美景，可能是因为照片的构图，可能是照片里的光影，可能是照片里表达出来的情绪，可能是照片里的那个人。喜欢仅仅只是因为一瞬间的感觉，没那么多为什么，也不用精确到数字来评断。喜欢就是喜欢，就像我们喜欢用手中的相机拍下的那个瞬间一样。

怕的好不好，会不会被更多人喜欢，这些很重要，但却不是重点，重点是，我们拍下的那个瞬间，是我们生活的一部分，我们用这种方式，去记录我们身边的美，去记录我们身边的爱。

我们用心去记录下的每一个瞬间，都是我们对自己生命的意义的阐释。

而当数码时代来临，一直到手机摄影时代，这种仪式感逐渐消失了，拍照的技术性也被淡化，相机的智能化可以让我们不用了解任何摄影知识只需要打开手机中的app或者拨动相机的开关按下快门就能够拍出一张曝光准确，对焦无误的照片。

自动带给我们很多方便，我们不再需要计算曝光，调整参数，转动对焦环，拨片上卷按快门才能够完成一次拍摄，就连最专业的摄影师也会去使用那些自动模式进行拍照。除非在拍摄一些特定的题材的时候，没人会傻到什么样的照片都用手动模式来拍照。不然不是傻，就是装。

相机的自动化只能带来参数的准确，尽管这个准确只是基于相机的判断，可能并不是你想要的，比方说我们想要拍摄暗调的照片，而相机的测光系统却对暗部进行测光为了拍出明亮的画面就会提升感光度等参数来提高曝光，懂的人就会知道降低曝光补偿或者改变测光模式来重新拍摄；就像我们想要拍出前实后虚的画面，而相机的对焦系统却看不到小小的前景，而总是把焦点对到背景中让前景完全虚掉，懂的人就会知道我们可以锁定焦点或者改变对焦模式或者干脆使用手动对焦来拍摄。

如果想要拍出自己想要的画面，而不是相机想要拍出的画面。就算现在的相机多么的强大，我们也不能忘掉那些基本的拍照技术。

就像最基础的曝光三角及倒易率，倒易率和曝光三角是捆绑在一起的，了解其中之一必须要了解另外一个，这样才能够更好的去运用。

光圈大小、快门速度以及感光度的高低相互关联构成了一个牢固的曝光三角，并且各自对最终的画面产生不同的影响。快门影响速度，低速快门可以拍摄到运动轨迹，而高速快门可以固定运动瞬间；光圈在一定程度上影响景深，在其他参数不变的前提下，大光圈景深浅小光圈景深广；感光度影响动态范围，随着感光度的提高，画面的动态范围也会随之降低，画面中会出现随机的噪点，让画面变得粗糙。

了解曝光三角，可以帮助我们为画面的最终表现选择一个完美的方案，这样我们才能够最大程度的提高画面质量并且减少后期制作的时间，就像高 ISO 会增加噪点那样，在光线可控并且快门速度能够满足拍摄需求的前提下，我们会尽量选择较低的 ISO 来进行拍摄。

不同的摄影师需要掌握的技巧也是不同的，每个摄影师都积累了特定需求的技术知识。就像体育摄影需要精准的曝光，他们可能不会像纪实摄影师那样使用迫冲的方法在弱光下进行拍摄。对数码摄影来说，相机内置的测光只是我们曝光的「起点」，我们需要通过曝光补偿或者手动设置快门光圈让画面达到我们想要的效果。而看懂直方图，则是评估曝光值的前提之一。

拍摄的题材及环境决定了我们需要多少技术来拍照，普通的日常拍摄，在光线充足的环境下拍摄，可能并不需要太多的摄影知识，使用相机的自动系统可能就能很好的拍出我们想要的画面，而对一些特定的摄影题材，像是星空摄影、微距摄影、体育摄影、水下摄影等等，就必须要了解这些题材的拍摄方式及特点，同样的，在弱光环境下拍摄，我们也需要了解更多关于拍摄的基础，这样才能拍出更出色的照片。

和其他类型的创作一样，摄影的技术并不仅仅只是靠书面上的学习和背诵来掌握的，知识可以记忆，技巧则只能通过不断的练习来提高，拍的多了，想的多了，我们自然就知道面对当前的环境，应该用什么样的设置才能拍出我们想要的照片。

街头摄影可能是最简单，但是却是最困难的摄影形式之一。说它简单，是因为它没有器材场地人物的限制，任何人，只要有一台可以拍照的设备都可以进行街头拍摄活动。说它难，难的是寻找瞬间并且抓住瞬间的能力。

你甚至没有纠错的机会，不像其他类别的摄影形式，一张拍的不好，可以重拍很多次直到满意为止，而在街头，一个画面没有抓住，就会永远的消失了。我们只能坦然面对自己的这一次失误，让自己在一次又一次的失误中成长。

同样的，这也让我们再一次重新认识摄影，我们从一张张真实记录的情感中认真学习影像的构成。街头摄影会教会你各种风格各种流派的摄影师的特质，让你成为更好的摄影师。

就像你开始学会观察，观察身边的每一个人的动作表情，好让自己用最快的时间将他们记录下来，这是作为一名婚礼摄影师（不是影楼那种摆拍婚纱照摄影师）的必备技能。

一名肖像摄影师往往会花很多时间准备，但是在街头上，时间这个概念及其重要，你必须在以毫秒为单位的时间内做好构图，然后按下快门。

由于捕捉瞬间并不是这么容易的事情，拍摄街头也的的确确会很容易让你感到挫败，你可能会拍下大量的照片，但是真正能让自己满意的却很少很少。不过，一张真正捕捉到的美好瞬间带给你的成就感是比其他任何形式的摄影所带来的更让人激动，走在路上都会笑出来的。

从我们小时候起，社会就教育我们，世界很危险，不要随便相信陌生人。作为孩子，这种消极的观点可能会有所帮助，但是如果我们长大了还是秉持这种信念，这将会成为我们成长中的阻碍。

虽然恐惧并不总是一种不好的情绪，但是很多时候，恐惧并不来自于外界，而仅仅是来自于我们自己的内心。通过街头摄影我们会更加耐心且细致的观察街上的每一个人，让我们认识到各种不同的形象，同时也能让我们更加自信的走在街上，做别人所认为不可能做到的事情。

我在上学的时候，由于第一次来到陌生的城市，所以总是充满了好奇，一到没课的时候，我总是会骑着我那几十块钱买来的二手自行车满城游荡，一年下来，我居然对城市里的每一条街道都了如指掌，很多本地的同学要去什么地方都会来找我问路。

想想也是如此，我自己也是对自己从小生活的城市一无所知，除了小时候自己的固定活动范围以外都不太熟悉，甚至从来都没有去过，因为那时候我不拍照啊！

拍摄街头会让你自觉的想要走遍城市的每一个角落，体验一场毫无计划说走就走的本地旅行，很多地方可能你从来没去过，不亚于到了一个新的城市。

不需要有计划，有人的地方就会有故事，有故事就值得被记录，漫无目的的走，没有哪一位街头摄影师没有在城市森林里迷过路。

别再去拍那些看起来很像到此一游照的照片里，那些照片总是会缺乏真实感，与现实的生活所脱节，我们要拍摄的是能真实展现人们生活的照片。

在街头摄影的帮助你，你可以自由的漫步在城市街道中，获取真实的影像，你应该要了解如何大方的拍摄，也要懂得怎样去小心谨慎的去拍。你可以靠近任何人，但是不要打扰到他们。

那些假笑脸毫无意义，只有真实感情流露的瞬间才是最动人的。

说到底，只是一种生活方式，在拍照的时候，我会感受到平静。

事实上也是如此，毕竟街头摄影并没有那么强的计划性，我们所做的只是将看到的画面记录下来，用手中的镜头截取这个历史长河中的一个小碎片。

但是你有没有想过，当你拍的多了，你的那些相互独立的照片也可以被整理成一个个的主题，按照你想要的叙述方式，来说一个你心中的故事。

Photo by Josef Koudelka

其实很多街头摄影大师，像是 Martin Parr、Garry Winogrand 或者 Josef Koudelka 这些大师们的作品，从单一的影像中我们可能很难看出什么，但是阅读他们的作品越多，就越不难发现，他们每个人都有一个固有的观点，或许也是他们坚持的题材，用他们的视角，他们的主题，去说他们的故事。

那我们要如何做到这一点？如果我们是刚刚才开始街头摄影，那么我们专注的可能是拍出更好的照片，我们会关注清晰度啊锐度啊景深啊等等之类的技术上的问题，而不是照片的主题。

Photo by Martin Parr

正如我说过很多次，对于一张照片来说，情绪才是最重要的，技术上的事儿咱学学就学会了，可是抓住瞬间的情绪可并没有那么简单。虽然我们也想要在拍摄过程中专注于某个主题来拍摄，但是其实没有这个必要，抓住瞬间，主题自然就来了。就像我每次上街拍照从来不会想要专心去拍什么主题，而是会注意观察身边的人，观察他们的故事，时刻准备着，在最合适的时机拿起相机按下快门。

拍的多了，自然就能整理出来各种各样的主题。

一个主题，可能就是一个故事。

Photo by Garry Winogrand

Photo by Martin Parr

我们如何用自己的作品来创建主题。

刚刚说了，首先是要多拍，拍的多了，各种主题自然就能够被整理出来。整理照片也是每一名拍摄者必须要掌握的功课，当然整理照片的工具有很多，我平时使用的整理工具就是 Lightroom，调色的同时添加关键字和星级，用关键字来区分主题。

整理照片是一个有趣的过程，同时也是一个自我反思的过程，它会帮助我们在重新审阅照片的同时对自己的作品进行批判性的思考，知道哪里还需要改进，知道自己还欠缺哪一方面。这样我们在下一次的拍摄过程中就多了一些针对性。

Photo by Josef Koudelka

当然光看自己的作品是远远不够的，一叶障目永不会见泰山，我们要多去阅读那些大师的作品，选一个你喜欢的摄影师，尽可能多的去阅读他的照片，以他的视角通过他的照片来重新看待这个世界。

看得多了，你自然就会感受到影像的力量，看的多了，你也会更加明确自己的需求，并将他人的长处更多的融入到自己的风格之中。

Photo by Garry Winogrand

在拍摄街头的过程中，一致性也会是一个很有趣的主题，比方说你家附近的一个场所，你可以在任何时候到那附近，拍摄在那里的不同的人故事。在同一个地方反复拍摄，将这种一致性上升到表面，在你拍摄的过程中，你也会更好的了解这个地方，也会更多的去关注在这里的人。

去捕捉这里的故事，不管是快乐或者悲伤，无论是人的变化，还是天气的变化，又或者是季节的变化都可以形成一定的主题，只要你拍的够多，一定能够选出合适的照片来创建这个主题，量变是终将会引发质变的。

Photo by Josef Koudelka

就像我在《技术？艺术？》这篇文章里面说的那样，我们每个人在自己的技术层面已经趋于成熟的时候都会更加想要让自己的作品多一些艺术性的表达，而这个艺术性则是你个人化的产物，是你主观情绪的外在表现。

主题同样也是，我们拍下我们感兴趣的那些瞬间，不正是我们喜欢那些瞬间才去按下快门的吗，那些美好的瞬间多少都会有一些自我的投射，越来越多的自我整理在一起，就形成了属于我们独特的故事。

虽然这一切并不那么简单，可能在短时间内我们都很难看到自己的转变，但是当我们越了解自己，就越知道自己想要拍出什么样的照片，又能拍出什么样的照片，也能通过我们的作品让自己闪耀光芒。

你只需要按下快门，相机就会自动选择最合适的光圈、快门、ISO，拍出你最想要的景深，创造出最好看的虚化效果。

可是真的会有这样一台完美的相机吗？我不确定能不能制造出来，但是如果能制造出来，那相机厂商一定就离倒闭不远了，没有了升级噱头，怎么能让别人花钱买新相机？

Photo by Ryan Hafey on Unsplash

其实每个人都有属于自己的完美相机，它就在你身边，就是你一直用的那一台。不管是你的手机，还是你的数码相机，还是你随身携带的小旁轴，甚至是中画幅或者大画幅相机，它们都在自己的能力范围内做着最好的工作，在你的操作下，拍出你想要的画面。

我们每个人都有自己喜欢或者擅长拍摄的主题，而针对不同的主题，我们才会使用不同的器材，就像你不能拿着一个长焦头去拍街头（可能有人会对这个有疑惑，但是除非是特定的主题，否则长焦所带来的浅景深和空间压缩真的不适合作为街头摄影，三里屯拍姑娘的老法师另当别论，当然那也不是街头摄影），也不能用一台小旁轴去拍运动摄影，那台以每秒 14 张连拍为宣传噱头的相机也不会适合风景摄影师（如果一名风景摄影师看中一台相机是因为它的连拍速度，那这名风景摄影师大概得跟自己谈谈人生了）。

我们总是会根据自己喜欢拍摄的主题来选择合适的相机，你认为自己的相机不够好往往是因为这台相机已经不再适合你所要拍摄的主题，而并不是这台相机真的不好。

如果你喜欢 Robert Capa、Henri Cartier-Bresson 等等这些大师，你会更在意他们每张照片用的是什么相机吗？你记住的是他们记录下的那些经典瞬间，还是他们用的相机呢？你知道他们用徕卡，但是那又怎么样呢？对于他们来说，他们所拍下的照片和他们手中的器材能有多大的关系呢？不是因为用了徕卡他们才成为了大师，而是他们拍下的那些伟大瞬间给了相机品牌以光环加身。

他们用徕卡也主要是因为他们主要拍摄的是街头或者纪实摄影，所以需要一台携带方便又耐用而且操作便捷的相机，风景摄影师就不会，他们更多会选择一台中画幅或者大画幅相机来拍摄以保证能够拍到更多的细节。

对于摄影师而言，拍下的瞬间才是最值得被记住的，相机，永远只是一个工具，是摄影师赋予了它们生命，是你拍下的那些照片让相机有了价值。

一台性能参数完美的相机可能会让你成为一名出色的相机操作员，但是并不一定会让你拍出一张更好的照片。有没有完美的相机我不清楚，但是一定会有属于你的完美照片，而这张照片，可能用你身边的任何一台相机就能拍出来，这张照片，记录着你所经历的那个难忘的完美瞬间。

不同种类的相机会开发你的不同的拍摄风格，而只有固定住那个完美的瞬间，才能证明你的伟大。

我喜欢小新的家庭，那是我认为最完美的家庭状态，虽然会吵架拌嘴，虽然会为了柴米油盐而争执，但是全家人依然在用爱来紧紧的维系着这个家庭。

虽然是个熊孩子，但是小新其实很善良，在小新的剧集里，也总是会一不小心就脱口出处很多人生的哲学。

拍照也是一样，尤其是当热爱摄影想要做专业摄影师的梦伢住进小新家里的时候。

在梦伢送小新去幼稚园的那一集，梦伢终于碰到了她的人生导师，同是摄影师的连图小姐，两人相见如故，一起拿着相机对着小朋友们猛拍起来。

「在那里发呆，会错过按下快门的机会哦。」

连图小姐对着发呆的梦伢这样说，没错，相比摆拍照片，抓住人生中转瞬即逝的瞬间显得尤为困难，尤其是那闪光的瞬间只存在于顷刻之间，如果没有做好准备，就会转瞬即逝。

对于一名摄影师而言，最困难的并不是技巧，技巧只要通过学习就能学会，只要多拍就一定能累积经验。最困难的是对于画面的敏感，知道怎么样的瞬间才是最好的瞬间，知道如何能够利用手中的相机用最快的速度抓住这个瞬间才是每一名拍摄者都应该要掌握的。

「拍照的人可以把按下快门时的感觉，直接传达给观看照片者的心，不做多余的设计，坦率的照片最棒了。」

连图小姐问梦伢什么样的照片才是好照片？梦伢不知道该如何回答，连图小姐干脆直接告诉梦伢，是坦率的照片。

没错，最好的照片不就是那些坦率的瞬间吗？

我们看过那么多的照片，看过那些小清新的摆拍，看多那些酷炫的风景大片，看过那些梦幻的后期，可是，最吸引我们的不就是那些真实记录的瞬间吗？

那些看起来超级好看的经过设计的大片，那些看起来温柔的如在梦里的小清新照片，可能它们真的很好看，它们能被制成海报，它们能被做成明信片，可是，这样的照片看过了大概也就忘了。更重要的是，这些经过设计的摆拍照片能够被迅速的复制，而那些坦率的瞬间，发生过就不会再重复。

每一张坦率的照片都是历史中的唯一切片，却组成了历史的每个瞬间。

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「不管怎样，一定要好好的对自己做的工作要求应得的报酬，不然的话，不管是请你做事的人，或是做事的人，心情上都会觉得随便起来了。」

当梦伢认定连图小姐将会是她追随的人，想要拜连图小姐为师的时候，连图小姐说她的照相馆很小没多少收入，所以请不起助理，梦伢说她不需要薪水，只要连图小姐能用她就行了。

连图小姐果断的拒绝了她，不管怎样，都必须要为自己的工作要求应得的报酬。

其实随着数码摄影的普及，相机对于每个人来说都不是一件稀罕物件了，摄影也早就失去了那种神秘感和仪式感，甚至于手机摄影大行其道，每个人都能随时随地拿着自己的手机来拍照。

也因此，摄影师成为了一个廉价的头衔，任何人只要有台相机能按快门都能够自称摄影师，很多人也都希望能够通过摄影来赚钱。于是大量的「客片」摄影师应运而生，人多了，自然素质良莠不齐，收费自然也千差万别。

很多人会收取很低的费用（可能他们的器材不是很好，可能他们的水平也一般）来拍照，于是大量的人降低收费来拉拢客户，这在香港叫做「顶烂市」，大体上就是用低于成本价的价格来销售来顶死竞争对手，于是整个市场价格都会降下来。

这样自然对于客户来说是好事，但是对于真正靠着能力去赚钱的摄影师来说却苦不堪言。

很多人认为拍照不就是拿着相机按按快门吗？能有什么成本？

拍照并不是那么简单，那是经验的积累，要有前期准备，要有后期处理，要有一系列的精心策划，这些都会耗费大量的时间成本，而那些「顶烂市」的摄影师有没有这样素养就不得而知了。

虽然我不靠拍照赚钱，但是我觉得，既然要拍照赚钱，就要对得起自己的能力，收取合理的报酬，如果真的觉得自己的能力还有欠缺的，不如不要收钱就当是给自己的锻炼，毕竟经验的累积也是要耗费大量成本的。

「照片这种东西，只要能够拍出自己想要的画面不就好了。」

当梦伢追到连图小姐的照相馆里的时候，连图小姐说了这样一番话。

其实这个道理我在《究竟什么才是「坏」照片？》一文中就有说过，现在「评论家」大行其道，不断用自己的有欠缺的世界观价值观去批评别人的作品（当然这些「评论家」的背后用意也很明显），可是本来就没有「坏」照片，每张照片对于拍摄者来说都包含了他所经历的时间和空间，承载着不可替代的回忆。

拍照这种事还是很私人的，拍出自己喜欢的照片就足够了。

「所谓好的照片里面都会有故事，看得人会从照片里面感觉到情绪。」

在小新一家整理家庭相簿的那一集里面，小新不知道要怎样去选择能够算得上是一张好照片的照片，广志对小新说了这样的一番话。

其实也就是我在上面说的那样，一张照片中最重要的是故事，是拍摄者所经历的不可替代的回忆，只要这样拍下来的照片，才是一张好的照片。

那么美伢最终选了一张什么样的照片呢？

「嗯嗯，还真是一张好照片啊。」（小新装大人说话的口气）

其实在我们拍照的过程中所累积的经验大部分都是在技术层面的，说直白一点就是技巧，就是摄影的工艺和流程。而技巧的训练往往是枯燥乏味的，要付出无数次失败的经验以换来的熟练。换言之，它是有形的。

摄影的技术分为两个方面，一个是对设备的了解，一个是如何熟练使用你的设备。

对每一位拍摄者来说，相机都是性感的，无论是它的构造，还是按动快门时清脆的声音，都能让摄影师们陷入高潮。于是我们都想要更加了解自己的设备，了解它的传感器，了解它的性能，了解它的构造与功能。我们需要知道自己的相机适合拍什么，知道在什么场景下需要使用什么样的镜头，怎么样才能最大化的发挥自己的设备的实力让它帮助我们拍出更好看的照片。

我们总会有偏爱，有自己最喜欢的品牌，最喜欢的焦段，最喜欢的相机类型。

然而光有这些还是不够，相机终归是一个外在的辅助，想让自己拍出更好看的照片我们还需要了解更多，我们需要知道为什么一个光影能够定格在胶片（传感器）上形成一个永恒的画面，为什么会过曝？为什么会模糊？我们必须要知道曝光被那些因素所影响。

为了拍出更好看的照片，我们还要了解如何去构图。

终于，我们的技术达到了一个顶峰，所有的设置都像是条件反射一般的了然于心。我们知道想要拍出什么样的效果必须要使用什么样的设置，我们能用最快的速度来调整设置以满足当前的环境。你拍出来的照片都是那么的「完美」，每张照片都有无数的人为你点赞。

但是你却并不满足。

为什么？

因为你开始形成了自己的摄影哲学，想让自己拍出更加「艺术」的作品。

不要一听到艺术就嗤之以鼻或者觉得高不可攀，这里的艺术并不是我们通常广义上所说的那种艺术。这里所说的艺术更多的是一种个人化的产物。而对于摄影的艺术而言，就是如何去利用影像去表达自己，你用一张影像创建问题和分享答案，加入更多主观化的内容。

技术很容易学会，经验累积起来也并不是那么困难，但是我们都想要拍出更「好」的照片，加入了更多个人化情绪的照片。

「艺术」就是将我们的个性注入到我们的作品中，让我们的作品变得更加独特。

摄影的「艺术」来自于自负，它是自我创作和表达的媒介。

技术是客观的是有形的是物质的，而艺术则是主观的是一种内在的想法，来自于我们的个性我们的情绪我们每天开出来的无数脑洞。

而「艺术」的根基则是「技术」，如果我们不了解技术，不知道应该用何种手段去将自己的想法付诸于实践，那么再多的想法也都仅仅只能是空想。

也因此，每一张照片都是私人的，我们的每一次快门都是自我的一次释放。我们看到自己喜欢的场景，然后将其定格，这是属于我们的记忆。我们将它们分享给别人，希望所有人都能感受到我们所感受到的美好瞬间。

这就是每一名拍摄者的艺术，我们用技术创造了价值，又用艺术表现了价值。技术和艺术的结合才能让我们的作品更加完美。

也让我们的记忆瞬间永恒。

任何人，任何时间，在任何地点，都可以将自己拍下的作品以各种各样的渠道发送到各种各样的社交平台上，不管是微博、微信，还是的 404 网站，可能马上就会让数以万计的亲朋好友或者陌生人看到你的作品。

既然是公开发表，就免不了会被人评论。

Photo by Henri Cartier-Bresson

不可否认的是，对于观看者来说，总有那么一部分人，并不那么友善，他们极尽尖酸刻薄之言，对别人的作品冷嘲热讽。说到拍摄者都开始怀疑起自己的人生。

当然有的人会说，「发出来还不让人评价了啊？」「我看到不好的还不能说了啊。」

要真的这样说我也没法去反驳，毕竟每个人都有发表自己看法的权利，我也并不反对批评，大部分人的评价或者批评都还是很中肯的，我这里针对的只是某些人。

这些人的观点实在是浅薄的可笑，他们站在自己的角度，站在自己尚未架构完全的有欠缺的世界观上去批评别人，甚至不愿意去深入一幅作品而只是浮于表面的评价。

像一条掉了牙的老狗一样，看到自己不懂的东西就狂吠不止，只是因为没有自己啃的动的骨头。

评价可以，批评也没有错，但是有人却仅仅是为了骂而骂，用尖刻的语言去嘲讽，就足以反映出评论者的内涵和心态了。

语言是一面镜子，能表达你的意见，更能倒映出你的内心。

有时候我会想，能说出这样的话的人，自己究竟会拍出怎么样的照片呢？可能他都不怎么拍照吧，不然他怎么会从来都不站在拍摄者的角度而仅仅作为一名喷子去考虑问题，不然不知道他们的作品被别人这样评价的时候，自己心里会怎么想。

说白了，没有作品所以无所畏惧的职业键盘喷。

Photo by 森山大道

一名出色的创作者，都会懂得，每个人都是从零开始，不可能有人第一次拿起相机就拍出伟大的照片，这绝不可能。任何人，都是从所谓的「烂片」开始拍起的。

可现实却是会有那么一些人，他们专业以恶毒的话语评价别人的作品为乐，他们的目的很明确，骂名人，并希望引来名人和他们对骂，这样在骂战中他们的名气也会攀升，也总有一些不喜欢某些名人的人或喜欢看热闹的人会成为他们的拥笃。

在这个年代，撕逼才能带来高流量。广大人民群众对于这种现象也总是喜闻乐见。

而这些所谓的「评论家」，往往都不会有像样的作品拿得出手，甚至对待别人作品的评价，也业余的可笑。

很多人都在对骂中败下阵来，为什么？因为他们要脸啊，比起那些不要脸的专业喷子，他们的涵养哪儿是个儿啊。

评论没有问题，批评也没有错，没有批评这个社会永远就不会有进步。我从来都不会反对批评，但是我看到喷子头疼。

Photo by Henri Cartier-Bresson

既然有些人看什么照片都不好，那么这里回到一个最基础的问题：究竟什么才是「坏」照片？

早在上个世纪初的 1902 年，一名严肃的摄影人Charles M. Taylor, Jr.就在自己写的一本书《为什么我得照片这么烂》（Why My Photographs Are Bad）里面指出了一些摄影初学者常犯的错误：双重曝光，不合适的裁切，失焦，地平线歪曲，拍出自己的影子。等等这些一切在他眼里，都是不好的照片。

他同样也给了读者一句忠告：「在这么短的时间内，又没有付出太多的劳动和思考，你不要指望着自己就能成为大师。」

我赞同他的那句忠告，但是对于坏照片的标准，可能现在很难定义。

在他那个年代，摄影术刚刚起步没有多久，大多数人对于摄影的理解更多的是倾向于是一门技术而非艺术，既然是技术，就必须是严谨的容不得差错的。

首先说双重曝光，可能他所指的双重曝光是指那些意义不明的重曝，而非刻意设计的重曝，当然这在早期摄影中经常出现，也因此 Charles Taylor 会认为这样是不好的。

而不合适的裁切应该指的是将画面主体或者背景在不合适的地方断开，而并非后期裁切，毕竟在他那个年代后期还并不是那么普遍。

至于失焦、地平线歪曲，以及拍出自己的影子这类，可能对大多数人来说都属于失败的曝光。

从 Charles Taylor 的描述中，我们不难看出，他是一名完美主义的摄影师，拍照的目的就是完美的复刻当前的画面。在他的角度来看并没有错，但是他忽略了一点，摄影的目的并不是要忠实的记录眼前的世界，而是要通过摄影师的角度，以拍摄者的观点来重塑世界。

既然是主观的，那么拍摄者在其中就会起到了决定性因素。

在他所指的那些失败的照片类型中，专门喜欢拍自己影子的 Lee Friedlander 成了大师，Robert Capa 的作品中大量的失焦，但是你能否定他的作品的价值吗？如果不告诉你摄影师的名字，你是否认为森山大道的照片是好照片？

Memphis,2003 by Lee Friedlander

Omaha Beach, D-Day 1944 by Robert Capa

by 森山大道

阅读摄影作品，我们很难从单张作品中看出其内涵（除非那种本身也没什么内涵的摆拍），更多的是了解摄影师，站在摄影师本人的角度，以及照片所包含的时间、空间背景下去理解。

同样的，一张照片对于不同的观看者，也会有不同的解读。

Photo by Henri Cartier-Bresson

早些年，在 flickr 上曾经有一个钓鱼贴，贴主用一张被很多国内摄影师奉若神明的布列松的经典照片来求评价。当然他并没有指明照片的作者，但是看来国外的摄影爱好者们学问还不够，纷纷指责这张照片失焦了啊自行车都拍虚了啊等等，还有人要教作者怎么样才能拍的更清晰。

这张布列松拍摄于 1932 年的照片，2008 年被拍卖出 26.5 万美元。

而正是这一张「烂片」，以及布列松的其他不计其数的「烂片」所总结出来的方法论，奠定了「决定性瞬间」的基石。

也许本来就没有「坏」照片，拍照这种事一直都是很私人的，我们每个人所拍下的照片，可能对于他人来说一文不值甚至还会被嘲笑，但是对拍摄者来说，却蕴含了时间和空间，承载着不可替代的回忆。

只有当一张照片失去了时间，失去了所承载的记忆，才会失去作为照片而存在的意义。

就像《寻梦环游记》里说的：「死亡不是生命的终点，遗忘才是。」